В 1967 г. проводилась первая серьёзная реставрация Одесского оперного театра (автор этих строк принимал в ней участие) и театр был огорожен забором. Два молодых художника В.Хрущ и С. Сычов повесили на этом заборе со стороны сквера Пале Рояль свои картины, а, чтобы ясно было чьи это картины, там же на заборе написали: «Сычик + Хрущик». Выставка продолжалась 3 часа и была ликвидирована подоспевшей милицией.

Борис Кадишев

МУЗЕЙ НА СОФИЕВСКОЙ

(К 120-летию Одесского художественного музея)

(окончание. Начало в №12/2019 и сл.)

7. Вторая половина ХХ века. Второй одесский авангард

 В послевоенные годы продолжали действовать идеологические ограничения, характерные для тоталитарного государства. Все эти бесконечные «ленинианы», революционная и колхозная тематика, отсутствие свободы творчества, партийный контроль над художниками порождали застойные явления в искусстве. Разные художники по-разному реагировали на давление власти. Одни — конформисты (приспособленцы, от лат. conformis— подобный, сообразный) — «прогибались» под этим давлением, вступали в Союз художников, в партию, получали выгодные заказы и писали типичные произведения соцреализма. Другие делали то же самое, чтобы заработать на жизнь и краски, но для себя занимались любимым искусством — писали то, что им нравилось, участвовали в т. н. «квартирных выставках». Их устраивали различные коллекционеры, меценаты. В 60–70-е годы художественные выставки устраивались в Доме учёных, в библиотеках и клубах, в фойе кинотеатров, в редакциях некоторых газет и т. п. Иногда на таких выставках показывали свои работы художники, не являющиеся членами Союза художников, но тематика выставок согласовывалась с партийными органами. Были художники — нонконформисты, которые не могли заставить себя заниматься соцреалистической рутиной. Их было очень мало. Примером таких художников был Олег Соколов (1919–1990) — выдающийся одесский художник, который открыто противостоял официальному искусству. Он работал искусствоведом в музее, а всё свободное время писал картины, не имеющие ничего общего с соцреализмом. Занимался даже абстрактным искусством и оп-артом. Соколов был выдающимся графиком, замечательным колористом. Официальная критика жестоко преследовала его. Художник отвечал сатирическими листами графики и остроумными стихами — он был прекрасным поэтом. Его стихи иногда появлялись в периодической печати, а неофициальные художественные выставки с нетерпением ожидались любителями искусства. О.Соколов не был членом Союза художников, его работы до самого последнего времени не были представлены в ОХМ. Но времена меняются и в музее появятся его картины. Произведения Соколова имеются, также, в Музее современного искусства Одессы (МСИО). Более подробно о художнике и поэте О. Соколове можно прочитать: Б. Кадишев, «Души возвышенной стаккато» (см. Библиографию)

В 1957 г. в Москве проходил Международный фестиваль молодёжи и студентов, а в рамках этого фестиваля состоялась Международная выставка изобразительного искусства. На выставку допускались художники и произведения всех направлений в искусстве без каких-либо ограничений. Выставка проходила в Парке культуры им. Горького и стала событием для советских любителей искусства. Полотна экспрессионистов, футуристов, абстракционистов вызывали особый интерес у советских художников и любителей искусства. Художники, авторы произведений, тут же у своих полотен отвечали на многочисленные вопросы. Это было невероятно интересно. После ХХ съезда партии (1956) и критики культа личности партийная верхушка во главе с Хрущёвым вынуждена была пойти на определённую либерализацию, известную, как «хрущёвская оттепель». Этим и объяснялась лояльность режима к художникам, прибывшим на выставку. Но «оттепель» быстро закончилась и начались новые нападки на искусство…

Многие художники пытались уйти от догм соцреализма. Были и такие, тематика произведений которых как-будто соответствовала соцреализму, но на самом деле эти произведения никакого отношения к соцреализму не имели. Чиновники от искусства, хотя и критиковали такие произведения, например, за «формализм» (одно из самых типичных обвинений официальной критики), но иногда допускали их на выставки (из-за тематики). Искусство трудно долго удерживать в каких-то рамках! Интересно, что художники в столичных городах чувствовали себя более свободно, чем в провинции. Впрочем. свобода эта была очень условной. Те. кто интересуется историей искусства в бывшем Союзе, знают о разносах, которые устраивал деятелям искусства Хрущёв. Так, в 1962 г на выставке, посвящённой 30-летию МОСХа в Манеже, Хрущёв назвал искусство выдающегося скульптора Э. Неизвестного «дегенеративным искусством». Но точно также называли современное искусство нацисты. Они даже выставку такого искусства специально устроили в 1938 г. в Мюнхене и назвали её «Entartende Kunst» («Вырождающееся искусство»). И цели у выставки в Манеже были те же, что у нацистов: скомпрометировать современное искусство. Это свидетельство Э. Неизвестного, участника выставки в Манеже. Или печально-знаменитая «бульдозерная выставка» 1974 года в Москве уже во времена Брежнева. Тогда картины, выставленные на пустыре, сметали бульдозерами. Отсюда и название. Но, задолго до этой выставки, в Одессе состоялась т. н. «заборная выставка». В 1967 г. проводилась первая серьёзная реставрация Одесского оперного театра (автор этих строк принимал в ней участие) и театр был огорожен забором. Два молодых художника В.Хрущ и С. Сычов повесили на этом заборе со стороны сквера Пале Рояль свои картины, а, чтобы ясно было чьи это картины, там же на заборе написали: «Сычик + Хрущик». Выставка продолжалась 3 часа и была ликвидирована подоспевшей милицией. Значение её заключалось в том, что люди узнали: кроме официального, есть и какое-то другое искусство, получившее название андеграунд (от англ. anderground — подполье). Герои этой выставки стали в дальнейшем известными художниками, а в одном из залов МСИО одно время имелся экспонат «Заборная выставка 1967 г.».

В.Д. Хрущ (1943–2005) учился в ОХУ у Зайцева, Егорова, Павлюка и Фраермана. Он работал в самых разных жанрах: акварель, коллаж, резьба по дереву. Писал натюрморты, пейзажи, абстракции. В 1979 г. участвовал в неофициальной выставке «Современное искусство из Украины», которая была показана в Мюнхене, Лондоне, Париже и Нью-Йорке. В 1982 г . переехал в Москву. Его картины есть в ОХМ, МСИО, Национальном художественном музее Украины, в ЮНЕСКО (Париж), во многих частных собраниях на Украине и за рубежом в Европе, США, Японии.

С.И. Сычов (1937–2003) в 1960 г. окончил ОХУ (учился у Д.М. Фруминой), после чего несколько лет жил и работал в Узбекистане. В 70-е годы его картины демонстрировались на неофициальных выставках в Одессе и Москве. В 1989 г . участвовал в Международной выставке в Ивано-Франковске. В этом же году состоялась его персональная выставка в Одессе. Он занимался монументальной живописью, гравюрой, писал портреты. В 1994 г. состоялась ещё одна его персональная выставка в Одессе. Картины Сычова есть в ОХМ, МСИО, во многих частных собраниях.

В 60–70-е годы положение в советском искусстве по сравнению со сталинскими временами сильно изменилось. На то было много причин и внутренних и внешних. Как писалось выше, руководство страны вынуждено было пойти на некоторое смягчение режима. Произошли изменения в международном коммунистическом движении — возник т. н. «еврокоммунизм». Коммунистические партии Италии, Франции, Испании отличались от КПСС и компартий социалистических стран большей демократичностью, в т. ч и в вопросах искусства. Многие западноевропейские художники-модернисты в этих странах были коммунистами, как, например, Пикассо и Леже во Франции, Ренато Гутузо в Италии или Х. Бидструп в Дании. (Впрочем, Бидструп был карикатурист, но, как художник, вполне допускал эксперименты в искусстве и даже считал их полезными). Советское руководство вынуждено было с этим считаться. К тому же, во многих соцстранах, например, в Польше, Румынии, Венгрии допускались все направления в искусстве. Всё это так или иначе расшатывало идеологические устои советской системы. Положение в советском искусстве менялось в сторону большей свободы творчества, ликвидации некоторых ограничений в искусстве. Появились художники, которые смело выступали против устоявшихся догм, прокладывая дорогу современному искусству. Художники Одессы не отставали от этих тенденций.

Среди выдающихся художников послевоенного времени, сыгравших большую роль в становлении одесской школы живописи второй половины ХХ века, был А.П. Ацманчук (1923–1974). Он родился в семье моряка и с ранних лет проявил художественные способности. В ОХУ он поступил ещё до войны, но окончил его (с отличием) только в 1947 г. В том же году Ацманчук поступил в Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина в Ленинграде. Он учился в мастерской академика М.И. Авилова, а после окончания института вернулся в Одессу и преподавал в ОХУ. В 1957 г. появилась его картина «Дан приказ», которая сразу выдвинула его в число лучших художников Украины. Написанная на тему известной песни М. Исаковского, она передаёт героику гражданской войны. Крупный план и необычный ракурс изображения позволяют отразить эмоциональное состояние, возвышенность, любовь, мужество и страстность героев. Условный пейзаж и резкие краски усиливают это впечатление. И, хотя тема картины была вполне в русле официальных канонов, художественный строй произведения отличался новизной и большой экспрессией. На выставке, посвящённой ХХ-летию Победы, Ацманчук показал новую картину «Солдат мира», тема и идея которой, также, не выходила за известные рамки. Необычная композиция и ракурс — вид снизу — подчёркивают монументальность образа. Это была живопись непохожая на соцреализм, но официальная критика не решилась упрекнуть художника в «формализме» и других «грехах». Ацманчук даже получил грамоту Минобороны и Почётный диплом Союза художников СССР. Ещё одна картина, написанная в 1965 г, — «Полёт» — полёт любви страстной и возвышенной. С большими тематическими картинами на выставках он выступал не очень часто, но писал много портретов, пейзажей, занимался монументальным искусством. Особенно хорошо ему удавались портреты и этот сложнейший живописный жанр стал одним из основных в его творчестве. Он писал портреты своих коллег-художников: В. Власова, В. Жураковского, А. Фрейдина, Д. Тодорова, Е. Павлюка, А. Князика и др. Особенно замечательны его женские портреты, в которых много искреннего чувства, непосредственности и свежести. Запоминаются его женские портреты: «Танечка», «Рита», «Девушка в красном свитере», «Раздумья» и др. Портреты Ацманчука это портреты его современников и они несут на себе отпечаток того времени в котором жил и писал художник. Пейзажи Ацманчука запечатлели природу Крыма, Подмосковья и, конечно, родной Одессы. Ацманчук был страстным человеком в жизни и в искусстве. Он не стеснялся резких слов в адрес официального искусства. Помнится, как на обсуждении результатов конкурса «Монумент городу-герою Одессе» (1965), он сказал, что в городе не должно быть больше таких памятников, как Памятник потёмкинцам, назвав его «крокодилом». Памятник этот незадолго до этого (в том же 1965 году) был установлен на пл. К.Маркса (теперь здесь на Екатерининской площади снова стоит памятник Екатерине II. Об этом памятнике см. очерк о скульпторе Эдуардсе).

Последняя картина, над которой работал художник «Барабанщик» (1973–1974), осталась незаконченной. Он рано ушёл из жизни. Его картины находятся в ОХМ, Музее АХ России, Киевском музее изобразительных искусств, в частных коллекциях в Украине, Росси, Германии, Франции, Японии.

Классик одесской школы живописи интереснейший художник Ю.Н. Егоров (1926–2008)) широко представлен прекрасными морскими пейзажами, портретами, натюрмортами. Он родился в артистической семье и рано проявил склонность к художеству. Уже в 16 лет юный Егоров вступил в Союз художников Красноярска, где его семья оказалась в годы войны после эвакуации из Одессы. В 1946 г. Егоров был принят на IV курс ОХУ, где его учителем был Т.Б. Фраерман. Затем он учился в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуре им. Репина при АХ СССР и Высшем художественно-промышленном училище им. Мухиной. В 1955 г. Егоров возвращается в Одессу и преподаёт в ОХУ. В 60-е годы вокруг него образовалась группа художников-нонконформистов. Егоров становится одним из самых ярких представителей одесского авангарда тех лет и его теоретиком. Он был художником-новатором и одним из самых больших достижений его живописи стали его марины. У старых мастеров море изображалось в перспективном отдалении. «Море встаёт полосой знакомой», писал Э. Багрицкий. Егоров ощущает море иначе: «…перед нами ослепительно сверкает жарким серебром гигантский щит моря». Именно такое море удалось передать художнику: гигантские массы воды изображаются вплотную к зрителю и занимают большую часть полотна. Кроме того, он изображает море в виде сферы — такой экспрессионистский приём усиливает монументальность изображения. Всё это и стало отличием «егорьевского моря» от морских пейзажей старых мастеров. Егоров снова и снова возвращается к изображению моря. Он открывает для себя изменчивость моря. У моря своё настроение и свой характер. Мы видим море разным в его картинах: «Утро» (1967, ОХМ), «Скоро отправляемся» (1973, ГТГ), «У моря» (1974, ОХМ), «Ланжерон в ноябре» (1979, ОХМ), «Золото и серебро» (1975, Red Square, Лондон), «Сычавка. Зной» (1975, ОХМ). В изображение моря художник вкладывает личные переживания и философский смысл: образ моря у него — образ свободы. А, кроме того, глядя на его картины, мы проникаемся мыслью о необходимости беречь это чудо природы. Для Чёрного моря это очень актуально. Егоров страстно любил живопись, с помощью которой мог отразить стихию моря, красоту женского тела или и то и другое вместе. Причём делал это так живо и достоверно, что зрителю кажется, что перед ним сама природа. Хорошо сказал о полотнах Егорова художник А. Ройтбурд (очерк об этом художнике читайте ниже):

«Меня захватила их, рождённая едва ли не в страдании материальность, преодолевшая эту материальность густая, почти шевелящаяся фактура, и, вместе с тем,— просветлённая простота и лёгкость».

Будучи художником, преданным искусству живописи, Егоров, конечно, отвергал некоторые новомодные течения, например, концептуализм, справедливо считая его литературщиной, против которой всегда боролся.

Многочисленные выставки произведений Егорова состоялись в Одессе и Москве, Ленинграде и Лондоне. Творчество Ю. Егорова оказало большое влияние на многих известных художников одесской школы живописи. Он народный художник Украины.

Выдающимся художником был А.Б. Фрейдин (1926–1987). Он родился в Одессе. В 1937 году отца расстреляли и эта травма осталась у него на всю жизнь. До войны он успел закончить 7 классов и в эвакуации поступил в школу ФЗО, по окончанию которой работал слесарем и техником. Фрейдин был награждён медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941‒1945 гг.» и весной 1948 года вместе с матерью возвратился в Одессу. В сентябре того же года он поступил в ОХУ, где его преподавателями были Л. Токарева-Александрович и Д. Фрумина. В 1951 г. после третьего курса Фрейдин покинул училище и стал работать в художественно-производственном комбинате Художественного фонда. Через некоторое время его пригласил к себе в мастерскую А. Ацманчук, к тому времени уже известный художник. Здесь, в мастерской Ацманчука проходило становление Фрейдина, как художника. С 1956 г. Фрейдин систематически участвует в областных выставках. Он пишет пейзажи, сельские и городские виды. Простые по композиции, они написаны широко, плотным мазком, создающим ощущение материальности земли, деревьев, неба, строений… Кроме того, его картины отличаются замечательным колоритом. В 1961 г. отмечалось 100-летие со дня смерти Т.Г. Шевченко. Эта тема была распространённой на Украине и в последующие годы. В 1964 г. Фрейдин выступает на областной и республиканской выставках с картиной «Шевченко в крепости». В этом же году он становится членом Союза художников. В следующем году он пишет ещё две картины на тему о Шевченко. Это были картины, которые он мог выставить на официальных выставках: областных, республиканских. Но его больше волновало другое. Он не мог забыть о безвинно погибшем отце, о тысячах других жертв репрессий. К концу 60-х у него возникла идея написать картину-реквием о погибших. Эту идею он не рекламировал: о ней знали только близкие друзья. В 1969 г. он начал упорно работать над картиной, делая на картонах вариант за вариантом. Шли годы, времена менялись. Память о сталинских репрессиях дискредитировала советскую власть и руководство страны теперь не хотело о них вспоминать. Ацманчук говорил Фрейдину, что он не сможет показать такую картину на выставке. К тому же, они прочитали книгу М. Кольцова «Испанский дневник» о мужестве бойцов интербригад. Возникла мысль воплотить идею реквиема в теме «Похороны в Мадриде». В конце концов, в 1974 г. Фрейдин написал картину с названием «Мы с вами, мы с вами, но нет вас в колоннах». Это слова из песни, ставшей гимном Коминтерна. Картина производила сильное впечатление своим трагедийным пафосом, экспрессией. В Киеве картину к республиканской выставке не допустили. Видимо, всё-таки, заподозрили автора в иносказании и обвинили его в… «формализме». После смерти художника жена продала картину в США, а в Одессе (МСИО) остался картон, дающий представление о картине. Фрейдин был замечательным мастером пейзажа, писал интересные портреты, жанровые сцены. Его серебристое «Море» (1971), полный экспрессии портрет «Девушка с птицей» (1982) относятся к числу лучших картин нашего музея. После смерти художника в ОХМ состоялись три выставки Фрейдина. Его искусство оказало большое влияние на одесскую школу живописи и продолжает вызывать интерес публики.

Ещё одним выдающимся одесским художником был И.М. Островский (1935–1993). Один из самых известных в мире одесских художников родился в еврейском местечке Судилково около г. Шепетовка и в 1950 г. приехал в Одессу поступать в ОХУ, где его учителями стали Л. Токарева-Александрович и Д. Фрумина. После окончания училища (1955), отслужив в армии, Островский вернулся в Одессу. Он писал тонкие, лирические пейзажи, городские виды, замечательные портреты, натюрморты. В 1965 г. был принят в Союз художников, но над официальными заказами работал, по свидетельству друзей, не очень охотно, хотя это приносило заработок. Он стал известным художником, с 1961 г. участвовал в областных и республиканских выставках, но главная тема его творчества была впереди. В 70-е годы он обратился к созданию портретов евреев, а точнее, различных еврейских типов. Эта работа вылилась в т. н. «Еврейский цикл», состоящий из нескольких сот отдельных портретов евреев, отличающихся то ли родом занятий, то ли профессией. Он создал целую галерею образов евреев. Эта работа стала результатом размышлений художника о положении евреев, об их занятиях, традициях, воспоминаний художника о детстве, которое он провёл в еврейском местечке. В то время, когда он стал создавать свой «Еврейский цикл», еврейских местечек почти не осталось, Не осталось и таких типов, которые он создавал, поэтому они выглядят несовременно. Это образы прошлого, но такого дорогого прошлого! А потому написаны с любовью и лёгкой печалью. Это дань принадлежности, глубокой привязанности к своему народу. Многое отразилось в этом цикле, иногда незримо: кроме воспоминаний детства, герои Шолом-Алейхема, трагедия евреев в годы Второй мировой войны (хотя никаких трагических образов в этом цикле нет), дискриминация евреев после войны. Его герои существуют как бы вопреки всем невзгодам, которые выпали на их долю. Это музыканты и художники: «Виолончель», «Флейта», «Альтист», «Художник». У него много евреев с книгами: «Старик, читающий книгу», «Еврей с книгой», «Человек с книгой». Вот «Патриарх», «Мудрец» или просто «Человек». Все они излучают мудрость — мудрость народа Книги. Его портреты это обобщённые образы еврейских типов без каких-либо бытовых деталей. Это знаки — Знаки еврейства, как назвал свою статью об Островском один из критиков (см. Библиографию). Соответственно художник выбрал и стиль изображения — примитивизм, что, однако, не мешало ему передать всё богатство образов: достоинство, увлечённость своими занятиями, лёгкую иронию, грусть. Они необыкновенно выразительны. Первая персональная выставка Островского состоялась в Одессе в 1978 г. и , хотя художник уже работал над еврейскими портретами, он ничего не показал — время ещё не пришло. Впервые зрители увидели их на выставке в 1988 г. Были ли у Островского предшественники, художники, работавшие над образами людей из народа? Б. Кустодиев создал галерею типов русских людей в своих тематических картинах. Кстати, это тоже были люди из прошлого по отношению ко времени, когда их создавал художник (см. очерк о художнике Б. Кустодиеве). И, конечно же, М. Шагал, создавший множество еврейских типов в своих картинах. Работа, выполненная Островским, оригинальна и неподражаема. Портреты из его «Еврейского цикла» были дважды показаны в Москве в ЦДХ: «Скрипач на крыше. Живопись Иосифа Островского» (2010) и «Блуждающие звёзды» (2013). Они разошлись по всему миру вместе с евреями, покидающими Советский Союз. В 1989 г. покинул Одессу и Островский. Он тяжело заболел и помочь ему могли только в Израиле. Поселился Островский в г. Сдероте и стал главным художником этого города. При мастерской у него была студия, где он обучал молодых художников. Умер Островский в 1993 г. В этом же году в Одессе состоялась посмертная персональная выставка художника.

Выдающийся одесский художник Л.Л. Межберг (1933–2007) также получил широкую известность в мире. Он родился в Одессе в семье музыканта и с детских лет проявлял интерес к искусству. Закончив в 1950 г. детскую художественную школу, поступил в ОХУ, где учился у Л. Токаревой-Александрович и Д.М. Фруминой. В 1953 г. был призван в армию. После окончания ОХУ работал в Средней Азии, где написал много видов старинных городов Хивы, Самарканда, Бухары. После возвращения в Одессу создал цикл пейзажей в г. Вилково — «Украинской Венеции». Его первая персональная выставка состоялась уже вскоре после окончания ОХУ. В 60-е годы он написал много прекрасных городских пейзажей Одессы и его картины с нетерпением ожидались любителями искусства города. В эти годы он становится одним из самых выдающихся пейзажистов одесской школы живописи. Он смог передать особый колорит южного города, его солнце, море и воздух. Межберг писал одесские улицы и отдельные дома, одесский порт, корабли. Вот знаменитый Одесский порт. Большие океанские корабли. Необычный ракурс, выбранный художником, делает их ещё большими. Между кораблями появляется парусное судно. Скорее всего, это «Товарищ», на котором проходили практику курсанты Одесского высшего военно-морского училища. На одной из картин изображена Одесса, какой она запомнилась ему во время войны: знаменитый оперный театр, который чудом уцелел (дома, стоявшие на той же площади, были разрушены), вдали виден трамвай (маршрут №1, который некоторое время ходил мимо театра и после войны), мешки с песком — примета военного времени. Ему с матерью удалось эвакуироваться, а родственники, которые остались в городе, погибли. В 1971 г. у него в мастерской жил И. Бродский, будущий Нобелевский лауреат, а тогда опальный поэт. В следующем году поэт отправился в изгнание. А ещё через год уехал и Межберг, что стало большой неожиданностью и большим разочарованием для одесских любителей живописи. Он поселился в Нью-Йорке и очень скоро стал там успешным художником. Межберг был первым зарубежным живописцем, чья выставка состоялась в Белом доме. Но художник не забыл свой родной город. Несколько раз он ещё приезжал в Одессу, следил за художественными событиями города, переписывался с друзьями. В первый раз ему удалось приехать почти через 30 лет после отъезда… 2002 год. Автор этих строк в Одессе, в ОХМ. Искусствовед А.М. Тюрюмин показывает мне изменения, которые произошли в экспозиции музея. Появились новые имена: Л. Дульфан, А. Ройтбурт, В. Кабаченко и др. «Как жаль, — говорю я, — что в музее нет Межберга». «Да, пока нет. А, кстати, Люсик сейчас в Одессе, Приехал на персональную выставку Д.М. Фруминой», — говорит Тюрюмин. Люсиком называли Межберга его друзья, близкие знакомые. Выставку Фруминой в Музее западного и восточного искусства я уже посмотрел и она мне очень понравилась. А сколько прекрасных одесских художников у неё учились! В 2003 г. Межберг создал портрет своей любимой преподавательницы. В это время он уже жил в Италии в Карраре, где добывали знаменитый мрамор. А перед Италией он несколько лет успел пожить в Париже. И везде ему сопутствовал успех. Его называли одним из лучших колористов в мировой живописи. В последний раз Межберг приехал в Одессу в 2005 г. Он привёз свои акварели и показал их на выставке. Через два года в Карраре Л.Л. Межберг умер. Его картины есть во многих музеях и частных собраниях на Украине и за рубежом, в частности, в Третьяковской галерее, а теперь и в ОХМ.

Выше говорилось о том, что новые открытия науки в ХХ в. породили сомнения в познаваемости мира, в его рациональности. Дальнейшие открытия только усилили эти сомнения. Некоторые из них были столь неожиданны и непривычны, что в истинности их сомневались даже учёные. Так, например, великий Эйнштейн до конца жизни не хотел согласиться с принципом неопределённости Гейзенберга и квантовой механикой, хотя эти открытия были сделаны на основе его теорий. Многие люди в мире разочаровались в надежде на построение более справедливого общественного строя, чему способствовал бесславный развал первой страны социализма. Политическая система Советского Союза никак не могла служить примером такого общественного строя. Известен афоризм Олега Соколова: «Художник — антенна общества». И некоторые художники в своём творчестве уловили и отразили настроения разочарования и сомнения в прогрессивном развитии общества. Одним из них является известный одесский художник С.Н. Белик. Он родился в Одессе в 1953 году. В 1969–1973 гг. Белик учился в ОХУ, затем в Ленинградском высшем художественном училище им. Мухиной. Выставляться начал с 1973 г. По его словам из одесских художников большое духовное влияние на него оказал Ю. Егоров, в мастерской которого он часто бывал. В 1987 г. Белик стал членом Союза художников Украины. Участвовал в республиканских и международных выставках. Его картины продавались на известных мировых аукционах. В 2000–­­­­­­­­2009 гг. жил и работал в Нью-Йорке. Вскоре по возвращению в Одессу состоялись его персональные выставки, на одной из которых «Среда обитания», в Музее западного и восточного искусства (2013), автору этих строк довелось побывать. На огромных холстах изображены различные предметы, интерьеры, натюрморты, композиции. Идеальные геометрические фигуры, выполненные с безукоризненным мастерством. И, может быть, поэтому кажутся холодными и безжизненными. Интерьеры, в которых главное не детали (их мало), а идея: «вход — выход». Куда выход? Ответа нет, как нет и людей, которые, может быть, подсказали бы ответ. Впрочем, на одной из картин изображён человек, скорее даже силуэт человека. Он многократно отражён в зеркалах (в бесконечности) и вот-вот исчезнет в дверях. На другой картине изображены двери (без всяких деталей, одни плоскости). Они раскрыты. Но что за ними неизвестно. Всё это среда обитания — это ясно из названия выставки. Но что автор хотел сказать своими картинами? На выставке присутствовал и сам художник. Вместо ответа Сергей Белик показывает авторское предисловие к выставке. «Среда обитания — ноосфера, есть продукт жизнедеятельности человека. Человек её создал и она существует сама по себе». Вообще то, ноосфера так и не была создана. Обычно это понятие связывают с именем академика В.И. Вернадского (1863–1945), который разработал учение о ноосфере, хотя само понятие принадлежит и не ему. Он считал, что мы живём в эпоху, когда биосфера — среда обитания человека должна превратиться в ноосферу, в которой общество будет разумно использовать свои технические возможности во благо человечества. Но такая возможность в наше время подвергается сомнению, как утопия. Отсюда и пессимизм. «Происходит полный разрыв с искусством, основанным на гуманистической надежде человека», — пишет Белик. Искусство должно запечатлеть реальность, которая исчезает, а иногда «художник конструирует свой мир, который является более актуальным, чем реальность». И, если художник видит смысл в творчестве, значит не всё так мрачно. На одной из его картин из-за стены льётся яркий свет и светится надпись «ЕХIТ»! Его пейзажи и натюрморты очень просты по композиции, но изысканы и выполнены с большим мастерством. В них замечательно передан свет. Художник как бы говорит нам, что и простые предметы и мотивы прекрасны и значительны. Важно увидеть их красоту. Сейчас стало модно говорить о магических, чуть ли не сакральных, свойствах предметов, окружающих нас. Замечательная поэтесса Новелла Матвеева назвала один из своих сборников «Душа вещей», но у неё душа вещей — поэтический образ. Художник, наделяя вещи такими свойствами, одухотворяет их и таким образом отражает состояние своей души. Вопросы будущего нашей планеты и людей, вопросы бытия и духовности, задачи искусства и смысла творчества — вечные вопросы, которые волнуют поэтов и художников:

Когда потеряют значенья слова и предметы,
На землю, для их обновленья, приходят поэты,
Их тоска над разгадкою скверных, проклятых вопросов —
Это каторжный труд суеверных старинных матросов,
Спасающих старую шхуну Земли.
Новелла Матвеева

С. Белик — один из тех, о которых пишет поэтесса. Его персональные выставки состоялись в Одессе, Лондоне, Нью-Йорке, Вашингтоне, Сан-Франциско, Утрехте (Голландия). Иногда художник выступает с лекциями по искусству. В ОХМ имеется несколько произведений С. Белика.

В марте 2018 г. произошло знаковое событие в истории ОХМ. Директором музея впервые за долгие годы был назначен широко известный художник и художественный деятель А.А. Ройтбурд (р. 1961). Хотя назначение произошло в результате его победы на конкурсе, не обошлось без скандала, т. к. художник заявил себя не только в искусстве, но и в политике, заняв чёткую гражданскую позицию. Он участник Майдана и отстаивает интересы Украины в конфликте с Россией. Этого не могли простить ему оппозиционные силы, которые имеют ещё довольно серьёзные позиции в городском совете. Но назначение состоялось вопреки этим силам. Оно выходит за рамки того, что директором музея стал художник, знающий проблемы музея и представивший чёткую программу их решения. А. Ройтбурд хочет изменить концепцию музея, которая исходит из его представлений о том, какая вообще должна быть культурная политика в стране. Он считает, что она должна состоять из двух основных направлений: охрана культурного наследия и культурная модернизация. И, конечно, совершено другое финансирование культуры. Старая концепция (музея XIX века) казалась сама собой разумеющаяся: музей — собрание произведений искусства, которое необходимо сохранить для будущих поколений, по возможности пополняя это собрание. Новая концепция по Ройтбурду: музей — центр культурной коммуникации. Культура является уникальным явлением, имеющим в т. ч. и экономический смысл. Необходимо добиться увеличения посещаемости музея за счёт целого ряда мероприятий. Например, изменить график работы музея, как в других странах, где музеи в определённые дни работают вечером до 20 часов, что удобно посетителям. И, прежде всего, современный музей, считает Ройтбурд, должен быть «приветливой и образовательной средой». С этой целью необходимо привлечение известных деятелей культуры для тематических лекций в музее и такие лекции уже состоялись, а экскурсии по музею проводит и сам директор. Необходимо приглашать в музей музыкальные коллективы для устройства концертов, что органично для художественного музея. Необходимо резкое увеличение числа выставок с привлечением как внутренних ресурсов (в постоянной экспозиции находится только 10% всех художественных ценностей, которыми располагает музей), так и культурный обмен с другими крупными музеями и собраниями, в т. ч. и зарубежными, причём с ориентацией на ведущие европейские культурные центры. Уникальность коллекции музея заключается в том, что её ядром являются произведения художников ТЮРХ. Однако за 120 лет существования музея было создано много достойных произведений искусства и экспозиция музея должна быть пересмотрена за счёт исключения второстепенных и серых работ. В настоящее время ОХМ является областным музеем, а не муниципальным. Кстати, это обстоятельство и позволило обойти городской совет при назначении Ройтбурда директором. Но Ройтбурд считает, что необходимо расширение статуса музея до уровня национального в сторону современного искусства, прежде всего украинского. Предполагается не только капитальный ремонт музея, который годами не производился, но и расширение музея, как за счёт государственных средств, так и за счёт меценатов и работа по их привлечению уже ведётся. Разумеется, все эти идеи возникли не на пустом месте, а связаны с деятельностью Ройтбурда, как художника и современного менеджера.

В 1983 г. Ройтбурд окончил художественно-графический факультет Одесского педагогического института, т. н. «худграф», созданный в 1964 г. известным одесским художником В. Гегамяном (1925–2000), из которого вышло много знаменитых одесских художников. Отслужив в армии и вернувшись в Одессу, Ройтбурд стал писать и очень скоро привлёк себе внимание художественного мира. «Одним из первых серьезных художников, с которым я столкнулся в жизни, был Олег Соколов — одесский нонконформист, ученик Теофила Фраермана. И Юрий Егоров, конечно же», рассказывал он позднее. Дальнейшее формирование Ройтбурда. как художника проходило под влиянием среды неофициального искусства, которая складывалась в Одессе в 60–80-е годы, о чём писалось выше. Её представляли художники В. Хрущ, Л. Ястреб, Л. Дульфан, И. Островский, А. Ануфриев, Л. Войцеховский, Ю. Лейдерман и др. Это был т. н. «второй одесский авангард». Успешной стала для Ройтбурда выставка «Молодость страны» в Киеве, где он заявил о себе, как один из самых интересных художников. В это время Ройбурд и другие украинские художники познакомились с концепцией итальянского трансавангарда (букв. после авангарда) итальянского искусствоведа А.Б. Олива. Течение возникло в конце 70-х годов, как противопоставление концептуальному искусству, одному из направлений постмодернизма — искусства второй половины ХХ века. Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмысливанию произведения искусства. Оно игнорирует живописность, в то время. как трансавангард ориентирован на эмоциональное восприятие и эстетическое наслаждение от живописи. Он стремится возродить национальные традиции и свободное сочетание художественных стилей прошлого. Эти идеи легли на благодатную почву и были творчески переосмыслены. Так возник украинский трансавангард, в который вошли художники А. Гнилицкий, О. Голосий, А. Савадов, А. Ройтбурд и др.

Уже в 1985 г. состоялась его первая персональная выставка в Москве. В 1990 г, там же, состоялась его выставка в галерее Марата Гельмана, известного тогда в России художественного деятеля, с которым Ройтбурд в дальнейшем тесно сотрудничал. Это сотрудничество продолжается и в настоящее время, т. к. Гельман вынужден был покинуть Москву и теперь работает в Киеве. В 1991 г. ещё одна персональная выставка в Москве, а в 1993 г. в Москве прошли три его персональных выставки. В этом же году Ройтбурд основал ассоциацию «Новое искусство» и стал директором а в 1999–2001 гг. президентом этой ассоциации. В 1997‒1999гг. он председатель правления Центра современного искусства Сороса в Одессе. В конце 90-х годов Ройтбурд уехал в США, но жизнь и работа там не стали какой-то вехой в его творчестве. Его тянуло назад, где у него уже был успех и где он немало сделал, как художник и художественный деятель. Поэтому в 2002 г. он принял предложение М. Гельмана и возглавил его галерею в Киеве. С открытием этой галереи, с приходом Ройтбурда­, художественная жизнь в Киеве, как считают многие, оживилась. Тогда ещё не было галереи современного искусства Пинчука и именно команда Ройтбурда разрабатывала концепцию этой галереи. Начиная с 2001 г. Ройтбурд принимает участие в Венецианской биенале и одна из его картин была приобретена крупнейшим музеем современного искусства МоМА (Нью-Йорк). Другая его картина из серии «Прощай Караваджо» (20008–2009) была продана на аукционе Филлипс де Пури и Ко (Лондон) за $97 тыс. Сегодня он один из самых дорогих художников Украины. Ройтбурд работает в разных жанрах. Это живопись в духе постмодернизма и трансавангарда, о чём говорилось выше. Значительную часть его живописи составляют портреты, в т. ч. портреты известных деятелей, выполненные в характерной для постмодернизма игровой манере с юмором и иронией. Сюда же относятся и автопортреты, выполненные в том же духе, иногда даже в виде карикатур. Жанровые сцены и художественно-ассоциативные композиции, фантастические пейзажи. графика, видеоинсталляции — ещё одна часть творчества Ройтбурда. Большинство его произведений, как уже говорилось выше, укладывается в понятие постмодернизма. Но, как и всякий большой художник, он не ограничивается какими-то рамками. Так, например, многие его натюрморты выполнены в добротной манере старых мастеров. Это великолепная живопись, которая с большим мастерством передает материал предметов. Раньше художники писали т. н. тематические картины. Они создавались в течение многих месяцев, а, иногда, и лет. В наше стремительное время художник пытается отразить быстро меняющиеся события. У Ройтбурда много идей и богатая фантазия, так что иногда бывает трудно в одной картине выразить все смыслы. Поэтому он пишет серию картин, объединённых одной темой. Такие серии ещё называют проектами. Уже упоминалась серия «Прощай Караваджо», созданная под впечатлением от кражи из одесского музея Западного и восточного искусства картины работы Караваджо. Известны серии: «Распятый Будда», «Если в кране нет воды…», «Добросовестное использование». Серия «Мантру геть» навеяна событиями Майдана (2014) в Киеве, свидетелем и участником которых был художник. Многие картины этой серии содержат короткие тексты, что характерно для произведений концептуализма. Но это живопись, которая, к тому же, говорит о том, что Ройтбурд прекрасный колорист. Одна из картин этой серии «Резня в Хиосе» — отражение трагических событий тех дней. На картине изображены две женщины. Одна из них со скорбным лицом, другая закрыла лицо руками. Сюжет прост, но художнику удалось передать чувство трагизма. Что касается названия картины, то оно заставляет нас вспомнить о трагедии двухсотлетней давности, когда в ходе войны за независимость Греции от турецкого владычества турки уничтожили почти всё население большого греческого острова и города Хиос. Тогда же, по свежим впечатлениям от этой трагедии великий французский художник Э. Делакруа написал картину «Трагедия на Хиосе» (1824). В данном случае название картины как бы обозначает трагедию, но, как говорит сам художник, названия его картин не всегда напрямую связаны с их содержанием. Когда Ройтбурд был назначен директором ОХМ, некоторые его недоброжелатели выступили с нелепыми обвинениями, что он, якобы, намерен заменить некоторые картины музея копиями. Серия «Подделки» остроумный ответ художника на эти обвинения. Каждая из «подделок» представляет собой своеобразное повторение известной оригинальной картины из собрания ОХМ в стиле Малевича. Остановимся на одной из них. Это «Портрет М. Савиной» (Точнее «Портрет неизвестной», но установлено, что это портрет актрисы М. Савиной) работы С. Юнкер-Крамской, известной до революции художницы, судьба которой в советское время сложилась трагически (см. очерк о художнике И. Крамском). Всего к настоящему времени Ройтбурд написал около 2000 картин.

С 2013 по 2018 год Ройтбурд жил и в Киеве и в Одессе, причём больше в Киеве. Как-то он сказал: «Мне нигде не будет лучше, чем в Одессе. Я здесь переживаю цельность своей жизни». Ройтбурд считает себя политическим украинцем, стоит за развитие украинской культуры и упрочение позиций украинского языка (но только не путём насаждения) и неплохо говорит по-украински, но считает наличие в Украине двух основных культур — украинской и русской — естественным, а двуязычие скорее достоинством, чем недостатком. Что касается еврейской культуры в Украине, то она представляется художнику «Атлантидой, почти канувшей в Лету».

«Моя еврейская идентичность связана не с религией, а с этой исчезающей Атлантидой. Часть моих работ — это рефлексии, навеянные хасидскими притчами или какими-то представлениями о быте моих предков».

С назначением на должность директора ОХМ он, конечно, будет жить в Одессе. Но некоторые искусствоведы считают, что это назначение является шансом не только для ОХМ, но и для музейного дела всей Украины. То, что план мероприятий, намеченный новым директором вполне реален показали результаты уже первого (неполного) года работы музея под руководством Ройтбурда. Выручка от продажи билетов и услуг увеличилась в 2,4 раза по сравнению с 2017 годом. Запущен ряд благотворительных программ, что принесло увеличение благотворительных взносов в 20 раз. Благодаря помощи меценатов улучшено хранение многих экспонатов, а некоторые ценные экспонаты отреставрированы. Проведено несколько интересных выставок и конференция на тему: «Музей. Концепция открытости» в которой участвовало 89 человек из 16 городов Украины. Новая концепция музея воплощается в жизнь.

8. Графическое искусство в музее

В рассказе об ОХМ трудно обойтись без хотя бы небольшого очерка о том, как представлено графическое искусство в музее. Конечно, это отдельная и большая тема. Это искусство представлено в музее многими известными именами. Почти все выдающиеся живописцы в своём творчестве обращались и к графическому жанру. Прекрасными рисовальщиками были И.К. Айвазовский, И.Н. Крамской, И.Е. Репин, М.А. Врубель, В.В. Верещагин, В.А. Серов, Л.О. Пастернак, К,К. Костанди, Н.Д. Кузнецов, П.А. Нилус, О.Э. Браз, К.А. Сомов, А.Н. Бенуа, Н.К. Рерих, И.И. Бродский, Г.С. Головков, Т.Я. Дворникрв, С.Ф. Колесников, Т.Б. Фраерман, П.Г. Волокидин и др. Очерки о них можно прочитать выше.

Своими графическими работами представлены знаменитые российские художники первой половины XIX в К.П. Брюллов, А.А. Иванов, О.А. Кипренский, Т.Г. Шевченко, Ф.П.Толстой, Н.С.Пименов и др. В музее экспонируются рисунки, офорты и литографии русских художников второй половины ХIX — первой половины ХХ вв: В.Д. Поленова, А.М. Васнецова, Ф.А. Рубо, Ф.А. Малявина, М.В. Добужинского, А.Я. Головина, Л.С. Бакста, И.Я. Билибина, К.Ф. Богаевского, Е.Е. Лансере, А.Ф. Гауша и др.

В музее можно увидеть рисунки известных одесских художников, членов ТЮРХ (Ощества им. Костанди): Ю.Р. Бершадского, С.Я. Кишинёвского, М.Я. Феферкорна, Б.И. Эгиза, В.С. Бальца. Прекрасные художники-графики В.Х. Заузе и и М.И. Жук, чьи произведения экспонируются в музее, были и известными преподавателями этой дисциплины. Многие их ученики стали в дальнейшем замечательными гравёрами.

Графика советского периода широко представлена именами художников-академиков: А.П. Остроумовой-Лебедевой, Г.С. Верейского О.Г. Верейского (чл.-корр. АХ), Е.А. Кибрика (учился в ОХУ), А.А. Шовкуненко (учился в ОХУ), В.А. Фаворского.

В ОХМ находится богатое собрание акварелей одних из лучших акварелистов России XIX и XX вв. Г.А. Ладыженского (1853–1916) и П.А. Шиллинговского. (1881–1942). Ладыженский, окончив Петербургскую АХ, большую часть жизни прожил в Одессе, где более 30 лет преподавал в ОХУ. С 1910 г. имел звание академика. Его учениками стали многие выдающиеся художники. Шиллинговский, окончив ОХУ (1901), учился в АХ, а затем и преподавал там. Он был профессором АХ в 1921–1942 гг. Умер в блокадном Ленинграде от голода. В музее имеется ряд портретов деятелей русской культуры, выполненных выдающимся графиком, академиком (1890) В.В. Матэ (185–1916). Он был, также, известным преподавателем, у которого учились многие выдающиеся русские и советские графики.

Одним из самых известных одесских графиков ХХ в. был А.Б. Постель (1904–1989). Он родился в Одессе и после окончания школы учился в ОХУ с двухлетним перерывом (жил в Москве) с 1920 по 1929 год, одновременно работая. Живописи он учился у Т.Б. Фраермана, а графическому искусству у В.Х. Заузе. После окончания училища стал работать и принимать участие в областных, республиканских и всесоюзных выставках. В 1931–1941 гг. Постель преподавал рисунок и живопись в Одесском художественном институте и в Строительном институте. В годы войны находился в эвакуации в Ташкенте, где тоже преподавал. После окончания войны вернулся в Одессу и продолжал преподавать в Одесском инженерно-строительном институте (ОИСИ) до 1967 г. Автор этих строк в середине 1950-х годов слушал его лекции в ОИСИ. Кроме того с 1945 по 1950 год художник преподаёт в ОХУ. Как график, Постель работал в технике офорта, создавая виды родного города, морские виды, в т. ч. одесского порта. Кроме того Постель создавал натюрморты, изображал жанровые сцены, делал портреты. Художник писал, также, пастелью и гуашью. Он выполнил огромное количество офортов посвящённых Одессе. Занимался Постель и книжной иллюстрацией. В частности, он создал серию офортов к одесской главе «Евгения Онегина», а другая серия «Пушкиниана» находится в музее А.С. Пушкина в Одессе. В 1963 г. Постелю было присвоено звание Заслуженного деятеля искусств УССР, а в следующем году в Одессе состоялась его персональная выставка. Его офорты можно было увидеть не только на выставках и в музее. Они находились во дворцах культуры, в фойе кинотеатров. Их можно было увидеть на судах Черноморского флота. В 1989 г. художник ушёл из жизни. В 1990 г. состоялась посмертная выставка произведений Постеля. В ОХМ находится 10 офортов А.Б. Постеля.

Из современных одесских графиков наиболее известен прекрасный художник Г.В.Гармидер (р.1945). Будущий художник родился в Воронеже, но в 1953 г. семья переехала в Одессу, где Гармидер, окончив школу, в 1961 г. поступил в ОХУ и учится у Т.И. Егоровой. После окончания училища в 1966 г. он поступает в Киевский государственный художественный институт. Гармидер учится в институте, в 1971–1973 гг. служит в армии и в 1974 г. оканчивает институт. После окончания института он преподаёт в ОХУ и много работает. Начиная с 1972 г, художник принимает участие в областных, республиканских ,всесоюзных и международных выставках.

Начиная с 1970 г. на протяжении 20 лет он пишет пейзажи различных мест Украины, которые вошли в его серию «Пейзажи Украины». В 2001‒2002 гг. художник продолжает эту серию и создаёт «Пейзажи Черниговщины».

Однако настоящим призванием Гармидлера стала графика. Он работает в сложной технике офорта, которая как нельзя лучше подходит его увлечению архитектурой Одессы. Его влекут, также, красота и романтика её улиц, морских берегов, виды Одесского порта. Он, как и график А. Постель, о котором писалось выше, много работает над этими темами. Но, в отличие от Постеля, его интересует, также, история города на Чёрном море, быт Одессы в годы её становления, как крупнейшего центра Российской империи. В 1981 г. художник представил серию «Одесса первой половины ХIX в», состоящую из 38 офортов, эпиграфом к которой послужили слова поэта К. Батюшкова: «Я приехал в лучший из городов наших — в Одессу». В эти же годы он работает над серией «Быт Одессы», воспевает неповторимую прелесть одесских двориков с их галереями, наружными лестницами, с бельём на верёвках, перекинутых через весь двор (серия «Одесские дворики»). Есть у него серия «Крыши Одессы». Большинство его офортов населены людьми — жителями Одессы: простыми обывателями коммерсантами, биндюжниками. Вот возле издательства люди читают свежие газеты (в старой Одессе выходило множество газет, в разы больше, чем при советской власти), а вот идёт бойкая торговля арбузами прямо с биндюги. Их только что привезли из порта, куда они доставлялись на дубках из Херсона, Мелитополя или выращивались на баштанах в степи под Одессой. Художнику интересно всё, что связано с Одессой: её люди — серия «Одесситы и одесситки» и даже коты — серия «Одесские коты». Одесса развивалась, как европейский, вообще западный город, строили её европейские архитекторы. Это заметил ещё Марк Твен, который посетил Одессу в середине ХIX в. Её сравнивали с Марселем. А во время Второй мировой войны К. Симонов, бывший среди защитников города, написал: «Здесь, в похожей на Мадрид Одессе…» Гармидер , будучи в Афинах, увидел много общего между этим городом и Одессой. Так родилась серия «Афины — Одесса» (1999). В 1997 г. Г. Гармидер и известный одесский поэт И. Потоцкий создали офортную книгу «Одесская рапсодия», куда вошли замечательные офорты художника и не менее замечательные стихи поэта:

Вот Одесса плывет, паруса развевая тугие,
и каюты, как улочки, полнятся смехом под утро
и последние звёзды-снежинки искрят, а её мостовые —
капитанские мостики, сделанные из перламутра.
Мы Одессой пройдемся, вдыхая осеннюю свежесть,
но покажется снова: с тобою качаемся в море…

Эту офортную книгу приобрели многие библиотеки: Одессы, Москвы, Парижа, Варшавы, а сотрудничество поэта и художника продолжилось в других проектах. Значительная часть творческой деятельности Гармидера связана с книжной иллюстрацией. Художник проиллюстрировал более 200 книг. В 1981 г. состоялась его персональная выставка в Одессе, а в следующем году в Киеве и в Генуе. В последующие годы состоялось большое количество его персональных выставок, в т. ч. в Финляндии (1988), в США (1996) и в других странах. Работы Гармидера находятся во многих музеях Украины, России, Болгарии, Венгрии, США, Франции, Финляндии, Италии

Закончен осмотр музея, мы увидели тысячи картин, много скульптурных произведений и рисунков. В них история страны, портреты ее выдающихся людей, дорогие нашему сердцу пейзажи родного города, наконец, история самого отечественного искусства, весомой составной частью которого является творчество художников Одессы. Именно тем и интересен наш музей, что на протяжении многих лет его экспозиция формировалась, в основном, произведениями одесских художников. Тем обиднее, что по разным причинам произведения некоторых достойных художников не попали в музей. Не представлен в музее прекрасный скульптор М. Нарузецкий. Сейчас он живет и работает в Лос-Анджелесе. Он автор памятников Неизвестному Матросу и Л. Толстому в Одессе, а в 2005 г. по его проекту открыт памятник воинам Второй мировой войны 1941–1945 гг. в Лос-Анджелесе. Нет в музее, также, картин самобытного одесского художника Ю. Горбачёва. Он учился и 20 лет прожил в Одессе. Его картины экспонируются в 20 музеях мира, в т. ч. в Лувре. Сейчас художник успешно работает в Нью-Йорке. Этот список можно было бы продолжить…

Одесскому художественному музею исполнится скоро 120 лет. Срок небольшой для музея, но как много интересного собрано в нем, и можно не сомневаться, что настоящие ценители искусства будут всегда восхищаться его сокровищами.

Библиография

1.Каталог. Одесса. 1997 г. Составитель Л.Н. Калмановская.
2. Одесский художественный музей. Графика. Скульптура. Каталог. «Мистецтво». К. 1974 г. Составитель Л.Н. Калмановская.
3. Одеський художнiй музей.100 рокiв. Каталог виставки. Одеса 1999 г.
4. И.Е. Репин.Далёкое близкое. Изд. 7. «Искусство».М. 1964 г.
5. Константин Коровин. Воспоминания. Изд. 2. «Изобразительное искусство». М. 1990 г.
6. Одесская государственная научная библиотека им. М. Горького. Чёрный квадрат над чёрным морем. Сборник. Материалы к истории авангардного искусства Одессы. XX век. Одесса 2007 г.
7. В.А. Абрамов, Н.С. Полищук, В.В. Савченко. Из истории формирования коллекции академической живописи в собрании ОХМ. Изд. «Друк». Одесса. 2001 г.
8. В.А. Абрамов. Судьба коллекции А.П. Руссова. Вестник ОХМ. Изд. ВМВ. Одесса 2015 г.
9. О. Губарь. Миллионер и меценат. Вечерняя Одесса. 9.02.2011. http://vo.od.ua/rubrics/odessa-gody-i-sudby/16733.php
10. Л.А. Еремина. Коллекция ОХМ в период ВОВ (1941-1944). Вестник ОХМ. Изд. Плутон. Одесса. 2014 г.
11. В.В. Криштопенко. ОХМ. Путеводитель. Изд. Маяк. Одесса 1989 г.
12. П.К. Суздалев. Врубель. Музыка. Театр. Изд. Изобразительное искусство. М. 1983 г.
13. М.А. Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. Изд. Искусство. Ленинград-Москва. 1963 г.
14. Д.В. Сарабьянов. Врубель. Изд. Изобразительное искусство. М. 1981 г.
15. З.Е. Серебрякова. Избранные произведения. Автор-составитель Т.А. Савицкая. Изд. Советский художник. М. 1989 г.
16. В.Н. Докучаева. Борис Кустодиев. Жизнь в творчестве. Изд. Изобразительное искусство. М. 1991 г.
17. Николай Рерих. Зажигайте сердца. Изд. Молодая гвардия. М. 1975 г.
18. Валентин Сидоров. На вершинах. Изд. Советский писатель. М. 1988 г.
19. Р.Д. Бащенко. К.Ф. Богаевский. Изд. Изобразительное искусство. М. 1984
20. С. Капланова. От замысла и натуры к законченному произведению. Изд. Изобразительное искусство. М. 1981 г.
21. М.И. Горелов. Станислав Юлианович Жуковский. Жизнь и творчество 1875‒1944. Изд. Искусство. М.. 1982 г.
22. А.П. Остроумова-Лебедева. Автобиографические записки. Изд. Изобразительное искусство. М. 1974 г.
23. В.И. Косик. Что мне до вас мостовые Белграда? Очерки русской эмиграции Белграда (1920‒м1950). Изд. Институт славяноведения РАН. М. 2007 г.
24. Дёмин Л.М. С мольбертом по земному шару. Мир глазами В.В. Верещагина. Изд. Мысль. М. 1991 г.
25. Michel Conil Lacoste. Kandinsky. Aus dem Französischen von Lilli Gastrock. Lizenzausgabe für Gondrom Verlag GmbH & Co. KG. Bindlach 1993
26. В.А.Абрамов. СемьяВ.В.КандинскоговОдессе. Дерибасовская-Ришельевская. Изд.АО «Пласке». Одесса 2016.
27. В.А.Абрамов. В.Кандинский среди других мастеров утраченного авангарда. Дерибасовская-Ришельевская. Изд. Печатный двор. Одесса 2008.
28. Б.Кадишев. Вечное движение. Выставки Одессы и городов Украины. № 11. 2010 г.
29. А. Горчаков. Руфин Судковский мастер марин Юга. Выставки Одессы и городов Украины.№ 11. 2010 г.
30. Л.А,Еремина. Леонид Пастернак в Люксембургском музее. Вестник ОХМ. Изд. Пласке. Одесса 2012 г.
31.Автобioграiя Т.Г.Шевченко (Лист до редактора часописi «Народное чтение». 1860.
32. Письмо В.Г.Белинского П.В.Анненкову. 1847. Петербург.
33. Л. Ковальская. Павел Волокидин. «Советский художник».М. 1981г.
34. И.Никонова. М.В.Нестеров. М. «Искусство». 1984
35. Александр Мурашко. Альбом. Автор-составитель Л.Г.Членова. Киев. «Мистецтво». 1980
36. В.П.Снежков. Краткая история художественного общества имени К.К.Костанди. Публикация ОльгиТангян. https://www.odessitclub.org/publications/almanac/alm_33/alm_33_218-234.pdf
37. Б.Кадишев. Притча о прекрасном. К столетию гибели выдающегося немецкого художника Августа Макке. http://7iskusstv.com/2015/Nomer1/Kadishev1.php
38. Б.Кадишев. Души возвышенной стаккато. О поэтическом творчестве художника О.Соколова. http://7iskusstv.com/2016/Nomer11/Kadishev1.php
39. Александр Левицкий, Дмитрий Шаматажи. История дореволюционного периода. Усадьба Толстых http://archodessa.com/all/sabaneev-most-4-history-before-1919/
40. Валерий Нетребский, Валерий Шерстобитов, Забытый музей http://izvestiya.odessa.ua/ru/2015/08/15/zabytyy-muzey
41. Виктор Головань. 90 лет со дня смерти Бориса Эдуардса–атора памятников А.В.Суворову и ЕкатеринеII http://timer-odessa.net/statji/90_let_so_dnya_smerti_borisa_duardsa_avtora_pamyatnikov_suvorovu_i_ekaterine_ii_652.ht
42.Вероника Драгун. Пастернак Леонид Осипович. http://odessa-memory.info/index.php?id=243
43. Юрий Амосов. Обязательно к прочтению. История жизни и тайна смерти Александра Мурашко. Беседа с исследователем жизни и творчества А.Мурашко Дарьей Добриян http://officiel-online.com/hommes/hero/obyazatelno-k-prochteniyu-istoriya-zhizni-i-tayna-smerti-aleksandra-murashko/
44.Анна Вчерашняя. Айвазовский без моря. Нетипичные картины великого мариниста. https://subscribe.ru/group/rossiya-evropa-amerika-dalee-vezde/14396105/
45. Мурашко Олександр Олександрович https://uk.wikipedia.org/wiki
46. С.А.Седых. К атрибуции картины Р.Г.Судковского «Кораблекрушение». Вiсник Одеського художнього музею №2. 2015.http://ofam.od.ua/pdf/ohm2/ohm2sedykh-s.pd
47. Товарищество южно-русских художников https://artinvestment.ru/auctions/?c=63450
48. Б.И.Эгиз. Воспоминания о К.К.Костанди. Публикация Марины Верховецкой https://www.odessitclub.org/ /almanac/alm_48/alm_48_313_327.PDFмpublications
49. Кузнецов Николай Дмитревич. http://odessaart.org.ua/biography/
50. Искусство и архитектура русского харубежья. http://www.artrz.ru/menu/1804645939/1804784380.htm
51. О.М.Барковская Одесское художественное училище. Хроника 1865-1940. Вiсник Одеського художнього музею №2.
52. А.Музыченко. Владимир и Наталья Лазурские в культурной жизни Одессы первой половины ХХ века. Вiсник Одеського iсторiко-краезнавчего музею.Випуск №8.
53. Сергей Лущик. Одиночество художника Нилуса. https://www.odessitclub.org/publications/almanac/alm_53/alm_53-228-253.pdf
54.В 1865. Одесская художественная школа. Воспоминания бывших учеников. 1865-1940. Составитель О.М.Барковская. Одесса 2015.
55. Каталог посмертной выставки картин Т.Я.Дворникова. Одесса 1926. Изд.Художественного общества им. К.К.Костанди.
56. Н.И.Скроцкий. Павел Волокидин: глазами современника. Доклад на посмертной выставке 25.03.1938. Публикация Л.Ерёминой.
57. О.Барковская. Обшество независимых художников в Одессе. http://catalog.odnb.odessa.ua/ONNB_ec/NashiVid/sNaykVidan/sc274182.pdf
58. Н.Балакова. Исаак Бродский. Художник и коллекционер. «Наше наследие» №100. 2011. http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/10019.php
59. А.А.Харшак. Пётр Евгеньевич Корнилов(1896-1981)Творческий путь . Восхождение.Новейшая история России. 2014. №1
60. А.А.Сидоров.Русская графика начала ХХ века. М. «Искусство». 1969.
61. Михаил Не-Коган. Знаки еврейства. Лехаим № 5(193). 2008.
62. В.В.Савченко. Море Егорова: к анализу генезиса образа.
63. А.Чацкий. Художник Александр Фрейдин (К 80-летию со дня рождения) Тиква-ор самеах. 2006.
64. Л.И.Турунова.Выставка произведений А.П.Ацманчука. Каталог.ОХМ, 1975. http://ofam.od.ua/pdf/catalog/acmanchykomzvi.pdf
65. Дмитрий Хазан. Лев Межберг — художник, при жизни получивший признание. https://grad.ua/istoriya-odessy/77365-lev-mezhberg-hudozhnik-pri-zhizni-poluchivshij-priznanie.html
66. Марiя Гудима. Олександр Ройтбурд: Музеἲ нашiй краἲ ни iснують, у кращому разi, у форматi cтолiтньоἲ давностi. https://dt.ua/ART/oleksandr-roytburd-muzeyi-v-nashiy-krayini-isnuyut-u-kraschomu-razi-u-formati-stolitnoyi-davnosti-271003_.html
67. С.Белик. Среда обитания. Предисловие к выставке. Одесса. 2013.
68. В. Погодин. Новое о мастере. (О.Э.Браз). «Антикварное обозрение» № 2. 2012.
69. Публикация В.Волошина. Осип Браз — живопись и судьба. 2015 https://vladimir71.mirtesen.ru/blog/43336559339/ZHivopisets-Osip-Brazм
70. По материалам одесских газет. 1915. https://forum.artinvestment.ru/printthread.php?s=db09ae7ee82e2529d3cc8f99762e12df&t=40875&pp=10&page=
71. Воспоминания. Игорь Михайлосич Безчастнов. http://www.73.odessa.ua/topic/173-vospominaniia-igor-mikhajlovich-bezchastnov
72. М. Котляр. Д.К. Крайнев. Образотворче мистецтво. № 9. !939 http://ofam.od.ua/pdf/article/kotlyar-kraynev.pdf
73. Б. Кадишев. Радость бытия. Еврейская панорама.№8. 2019.
74. Т. Максимюк. Жук М.И.