СЕМЬ ИСКУССТВ

В наше время творчество З.Е. Серебряковой оценено по достоинству, цены на её картины на международных аукционах растут. В этом зале, где собрано столько шедевров, картины З. Серебряковой воспринимаются как одно из самых значительных достояний нашего музея. Нет, не случайно этот зал называется Серебряковским!

Борис Кадишев

МУЗЕЙ НА СОФИЕВСКОЙ

(К 120-летию Одесского художественного музея)

(продолжение. Начало в №12/2019 и сл.)

5. Серебряковский зал

Один из лучших залов нашего музея, последний зал первого этажа. Его ещё называют Серебряковским залом. Глаза разбегаются от обилия настоящих шедевров, которые украшают его стены. За последние годы экспозиция этого зала подверглась значительным изменениям. Забегая вперёд, скажем, что изменения связаны с новой концепцией музея, которую предложил её новый директор А.А. Ройтбурд (более подробно об этой концепции читайте дальше в очерке о художнике А.А. Ройтбурде). Серебряковский зал обновлён в сторону современного украинского искусства начала ХХ века. Здесь же, правда, висят и некоторые работы второй половины ХХ века, но они, пожалуй, вписались в этот зал и сегодня он является одним из самых интересных залов музея.

Великий художник Н.К. Рерих представлен картинами «Заморские гости» (вариант 1901 г.) «Колдун» (1909) и «Знамение» (1915). О Рерихе теперь написано чрезвычайно много. Впрочем, фигура этого человека столь грандиозна и многогранна, что исчерпать информацию о нём практически невозможно. Великий художник и театральный декоратор, деятель культуры мирового масштаба и мыслитель, путешественник и учёный, писатель, оставивший десятки томов своих сочинений и это далеко не полный перечень его заслуг перед человечеством. Он был широко известен в дореволюционной России, Европе и Америке, в Китае, Монголии и Индии. Но вот в Советском Союзе он был почти неизвестен до середины прошлого века. В 1958 г, ещё будучи студентом, автор этих строк впервые побывал в Ленинграде. Основательно изучив (как мне тогда казалось) Эрмитаж и Русский музей, я однажды пришёл в Русский музей и увидел у входа две большие афиши: «Выставка Репина» и «Выставка Рериха». Выставка Репина рекламировалась, как самая полная за все времена проведения выставок этого художника. И.Е. Репина я, как и многие, знал и любил, а вот имени Рериха даже никогда не слышал. В музеях его картин я не видел. Публикаций о нём никаких не было. На афише было указано, что эта выставка — первая в СССР, , и я решил, что это какой-то иностранный художник. Выставка Рериха начиналась в конце выставки Репина. Когда я добрался до неё и увидел его картины, меня охватило сильное волнение — ничего подобного я никогда не видел. Особенно меня поразила своими красками и таинственностью серия «Гималаи».

Н.К. Рерих (1874–1947) происходил из древнего скандинавского рода (в переводе с древнескандинавского Рерих означает «богатый славой»). Первым учителем Рериха стал друг их семьи, знаменитый скульптор М.О. Микешин, который первым и обратил внимание на художественную одарённость мальчика. Ещё у Рериха с детства проявился интерес к старине, к театру, к народным песням, к археологии. Учился Рерих в Петербургской гимназии фон Мая, где его соучениками были А. Бенуа и К. Сомов. После окончания гимназии в 1893 г. молодой Рерих поступает в Петербургскую АХ и в университет на юрфак одновременно. В университет — это уже по желанию отца, который сам был известным нотариусом. Это было время, когда в АХ пришли передвижники, о чём уже писалось выше (см. очерк о художнике К. Сомове). В АХ Рерих учился у великого художника А.И. Куинджи, который стал его Учителем не только в живописи, но и в жизни. Рерих многое унаследовал от своего учителя: любовь к природе, эпичность, звучные тона, передачу света и тени, новаторство и художественную самобытность, которые неустанно воспитывал в своих учениках Куинджи. Уже первая его крупная картина — его дипломная работа «Гонец. Восстал род на род» (1897) произвела огромное впечатление на современников В.В. Стасова, Л.Н. Толстого и др. А П.М. Третьяков приобрёл её для своей галереи. После Петербургской АХ Рерих учился, также, и в Париже у Ф. Кормона, известного монументалиста и исторического живописца, что сыграло роль в дальнейших художественных исканиях Рериха. После возвращения в Россию Рерих пишет свои знаменитые картины «Идолы» (1901) и «Заморские гости» (1901), в которых определились основные черты творческой манеры Рериха: законченность рисунка, декоративность цвета, связь с русским народным искусством.

В дореволюционные годы он занимается разнообразной деятельностью: продолжает писать картины, занимается археологией и делает несколько открытий в этой области, преподает, коллекционирует древности, выступает за возрождение древнерусских традиций, за сохранение и защиту памятников старины, одним из первых поднимает вопрос о художественной ценности древних икон и древнерусской архитектуры. В 1901 г. Рерих женится на Е.И. Шапошниковой, которая становится его верным спутником и помощником на протяжении всей жизни. Они вместе много путешествуют по России. Среди его друзей писатели Горький, Андреев, Блок. В имении княгини К. Тенишевой Талашкино Рерих вместе с другими художниками Врубелем, Малютиным, Репиным, Бенуа и Коровиным на практике реализует проекты по возрождению древнерусских традиций и народных промыслов. (см., также, очерк о художнике Врубеле). За свою деятельность в области археологии и по возрождению древнерусской культуры Рерих был награждён многими орденами Российской империи. В 1909 г. он становится академиком.

В этом коротком очерке о Рерихе приходится говорить лишь о некоторых чертах его многогранного творчества. М. Горький называл Рериха (1915) «величайшим интуитивистом современности». Понятно, что любой художник должен обладать художественной интуицией. Может быть, Горький имел в виду интуитивизм, как философское направление в познании, которое противопоставляется рациональному познанию и обычному чувственному восприятию? Ведь именно в это время — начало ХХ в. — интуитивизм оформился, как философское учение. Однажды Горький сказал Рериху, что «иногда поверх рассудка нужно хватать самую сущность». Многие произведения Рериха выглядят загадочными, иррациональными. Р. Тагор, посмотрев картины Рериха, написал ему: «Картины Ваши ясны и, всё же, невыразимы словами». Всё это давало повод многим упрекать Рериха в мистицизме. Рерих всегда отвечал, что верит только в то, что существует в природе. «Я не люблю слова «мистика» или «оккультизм», ибо и то и другое синонимы невежества». Во всём живущем черпать вдохновение, уметь увидеть необыкновенное в обыкновенном было сильной чертой таланта Рериха. Он считал, что красота жизни проявляется в будничном. Благословенна миссия человека, утверждающего красоту, прекрасное. Но эта миссия доступна не всем и не всем открывается красота мира, считал Рерих. Человек-творец должен изгнать из своего сердца гнев и раздражение, «мы должны признать и гнев и раздражение разрушительными и непрактичными… научитесь изгонять все ядовитые мысли, научитесь освещать и устремлять вверх сознание ваше, тогда вы научитесь творить для будущего человечества», писал Рерих.

После 1917 г. Рерих жил за границей: в Финляндии и других скандинавских странах. Он устраивает выставки, участвует в кампании против большевиков. Затем он переезжает в Лондон, где сотрудничает с С. Дягилевым в постановке русских опер. Он знакомится с Р. Тагором, Г. Уэллсом. Д. Голсуорси и другими деятелями британской культуры. По неподтверждённым данным Рерих знакомится с Махатмой Мориа, будущим духовным руководителем семьи Рерихов, личностью, скорее, легендарной. Появляются первые записи учения «Агни-Йога». В 1920 г. Рерихи переезжают в США по приглашению Чикагского института искусств совершить масштабное выставочное турне по 30 городам страны. За три года пребывания в США Рерих осуществляет и другие крупные проекты: создаётся издательство «Алатас», Институт объединённых искусств (Институт Рериха), Центр Международных искусств и др.

В 1923 г. Рерихи покидают США и через Париж приезжают в Индию, где начинается подготовка к грандиозной Центрально-Азиатской экспедиции. Она была осуществлена в 1925–1928 гг. и маршрут её пролегал по Кашмиру, Китаю, Монголии и России. Во время экспедиции Рерих написал около 500 картин. В эти годы резко меняется отношение Рериха к советской власти. Теперь он пытается соединить буддийское учение с коммунизмом. Он побывал в Москве. Существует версия его сотрудничества с ОГПУ и Коминтерном. Однако, он следит за событиями в Советской России и многое из происходящего там его возмущает. В 1928 г. Н.К. Рерих совместно с доктором права Г. Шклявером (Париж) создаёт проект Пакта о защите культурных ценностей (Пакт Рериха) и отличительный знак, который должен развеваться над культурными объектами, Знамя Мира (Знамя Рериха). Это его начинание поддерживают выдающиеся деятели культуры того времени: А. Эйнштейн. Р. Ролан. Т. Манн, Б. Шоу и др. Его выдвигают на Нобелевскую премию мира. В 1935 г. Пакт подписывает Президент США Ф. Рузвельт. В 1934 г. он вновь испытывает неприязнь к большевикам. «Большевизм — тёмная разрушительная сила», пишет Рерих. В долине Куллу Рерих основывает Институт Гималайских исследований «Урусвати» с которым сотрудничают десятки европейских и американских научных учреждений. Здесь, в долине Куллу проходит последний этап жизни Рериха. Несмотря на неприязнь к большевикам, Рерих предпринимает попытки возвратиться на родину, но все его обращения к Советскому правительству остаются без ответа. Во время Второй мировой войны Рерихи с тревогой следят за сражениями на советско-германском фронте. Рерих пишет картины, статьи, устраивает выставки, а вырученные деньги направляет Советскому Красному Кресту и на поддержку Красной Армии. В последние годы жизни Рерих пишет картины на патриотические темы: «Поход Александра Невского», «Партизаны» , «Победа», «Богатыри проснулись». В 1947 г. Н.К. Рерих уходит из жизни. Сегодня во многих странах мира существуют общественные центры Рериха. В Одессе уже много лет существует очень интересный Дом Рериха, где собраны экспонаты, связанные с жизнью и творчеством Рериха.

В наше время Рерих — один из самых дорогих русских художников, не считая художников-авангардистов. Так, его картина «Труды богоматери (Мадона Лаборис)» 1931 г. была продана на аукционе Бонхамс (Лондон) в 2013 г за $ 12 млн.

В этом же зале четыре замечательных этюда одного из корифеев мирового искусства ХХ века — В.В. Кандинского (1866–1944). Ставший впоследствии родоначальником абстрактного искусства, Кандинский часто бывал в нашем городе, участвовал в выставках ТЮРХ. Мемориальная доска на Дерибасовской — лишь один из многих адресов Кандинского в Одессе.

В.В. Кандинский родился в Москве в 1866 г. В 1871  семья переехала в Одессу, где жили уже братья отца В.С. Кандинского. После переезда родители разошлись и воспитанием маленького Кандинского занимались две женщины: мать и её старшая сестра, которая привила ребёнку любовь к музыке, сказке, литературе. Уже став взрослым, В.В. Кандинский всегда помнил об этом. Его мать снова вышла замуж за финансиста М. Кожевникова. В 1876–1885 г. Кандинский учился в гимназии, а после её окончания поступил в Московский университет на юрфак. После окончания университета он некоторое время работает в Вологде. Проявляет интерес к крестьянским художественным промыслам. Будучи в Санкт-Петербурге в Эрмитаже открывает для себя Рембрандта. Совершает поездку в Париж (1892) В 1893 г. работает доцентом в Московском университете. Хотя Кандинский с детства любил рисовать, призвание пришло к нему не сразу. В конце концов, он принял решение стать художником и в 1896 г. уезжает в Мюнхен, где посещает художественную школу А. Ашбе. Там он подружился с Явленским и его подругой Марианной фон Верёвкин, бывшими учениками И. Репина, впоследствии известными художниками. В 1898 г. состоялся его дебют, как художника, в Одессе на выставке ТЮРХ. В 1900 г. Кандинский поступает в живописный класс Мюнхенской академии художеств, где учится у выдающегося художника Франца фон Штука. Здесь он знакомится с Паулем Клее, художником из Швейцарии. В 1902 г . Кандинский открывает собственную школу, где занятия проходят в непринуждённой обстановке. Одна из учениц, Габриела Мюнтер, становится его подругой. В 1908 г. они поселяются в Мурнау, Бавария. В эти годы Кандинский совершает множество поездок по Европе, знакомится со многими выдающимися художниками, принимает участие в многочисленных выставках в разных странах и городах: в Париже, Берлине, Москве, Одессе, где он бывает особенно часто. Постепенно меняется его живопись: от сказочных пейзажей и жанровых сцен в стиле модерн к экспрессионизму. В 1909 г. Кандинский со своими друзьями, имена которых уже приведены выше, создаёт Новое мюнхенское художественное объединение. Один из членов объединения Ф. Марк, познакомил Кандинского со своим новым другом, молодым, но уже известным в Германии художником Августом Макке. В это время Кандинский выдвинулся в ряд самых интересных художников Германии. Впечатлительный Макке был от него в восторге: «Он романтик, мечтатель, фантаст и сказочник…он полон безграничной жизни». Кандинский приглашает его к себе в Мурнау, где они обсуждают план создания нового объединения «Синий всадник». Первая выставка этого объединения открылась в Мюнхене в 1911 г. В этом же году выходит (впервые на немецком, а уже позднее на русском) его главный теоретический труд «О духовном в искусстве». Первые абстрактные акварели появляются уже в 1910 г. Затем появляются серии «импровизаций» и «композиций». Начинается Первая мировая война и художник возвращается в Москву. Он расстаётся с Габриелой Мюнтер и женится на Нине Андреевской. После революции Кандинский живёт в Москве, участвует в работе отдела изобразительных искусств Комиссариата просвещения. Он профессор Государственных художественных мастерских в Москве. Состоялась его выставка в галерее «Штурм» в Берлине, но после революции не написано ни одной картины почти до середины 1919 г. В этом году состоялись его выставки в Москве и Петрограде. В Москве — он один из основателей Музея живописной культуры. В 1920 г. состоялись его выставки в Москве и Нью-Йорке. Он — профессор Московского университета. В 1921 г Кандинский навсегда покидает Россию. Он поселяется в Берлине, а затем становится профессором Баухауза в Веймаре. В 20-х и 30-х годах разворачивается кипучая творческая деятельность Кандинского. Многочисленные выставки в Германии и за её пределами, новые теоретические работы, новые творческие союзы, встречи с деятелями искусства, театральные постановки, путешествия. С приходом к власти нацистов и закрытием Баухауза в 1933 г. Кандинский переселяется в Париж. Нацисты объявляют произведения Кандинского, как и многих других деятелей современного искусства, «вырождающимся искусством». В период оккупации немцами Парижа некоторое время живёт в Пиренеях, но затем возвращается в Париж. Умер В.В. Кандинский в декабре 1944 г.

Сегодня Кандинский один из самых дорогих русских художников-авангардистов (дороже только Малевич). Его картины продаются за многие миллионы долларов. В 2017 г. был установлен рекорд продаж картин художника. Его картина «Пейзаж в Мурнау (с белыми линиями)» была продана на аукционе Сотбис (Лондон) за $ 41,8 млн.

На картине выдающегося русского художника Б.М. Кустодиева (1878‒1927) изображена его жена Ю.Е. Кустодиева (Прошинская). Художник создал семь её портретов. Один из них, например, можно увидеть в Русском музее (Петербург). Портрет из нашего музея, безусловно, лучший из них и, пожалуй, один из лучших женских портретов всей русской живописи. На этом портрете (1909) изображена молодая женщина с красной шалью с узорами из листьев на фоне белой коры берёз. Эта прекрасная вещь не случайно является одним из символов нашего музея. Портрет этот характерен для Кустодиева, который, помимо создания определённого образа почти всегда решал и декоративные или жанровые задачи. Поэтому его портреты можно называть и картинами.

Художник родился в Астрахани, учился в гимназии и брал уроки рисунка у выпускника Петербургской академии художеств (АХ), куда в 1896 г. поступает и сам. Он учится у В.Е. Савинского, затем у И.Е. Репина. Ещё учась в АХ, Кустодиев проявил себя как прекрасный портретист и И.Е. Репин привлёк его к участию в картине «Государственный совет» (1901–1903), причём художники должны были изобразить на картине 100 государственных деятелей. Кустодиев написал треть полотна. Несмотря на это, для своей конкурсной работы он неожиданно выбрал тему «На базаре». Его влекла жизнь русской провинции и художник едет на этюды в Костромскую губернию, где и познакомился со своей будущей женой Ю.Е. Прошинской. Ещё до окончания АХ Кустодиев принял участие в международных выставках в Петербурге и в Мюнхене и получил большую золотую медаль Международной ассоциации. В 1903 г. он оканчивает академию с золотой медалью и уезжает с женой и маленьким сыном в Европу. Художник побывал в Германии, Италии, Испании и через полгода возвращается в Россию. И, хотя после участия в картине «Государственный совет» Кустодиев быстро завоевал славу одного из лучших портретистов России, его больше интересует тема народной жизни. Поэтому он снова едет в Костромскую губернию, где работает над сериями картин «Ярмарки» и «Деревенские праздники». Жизнь русской глубинки становится главной темой его творчества. В своих картинах он отражает жизнь народа, его быт, традиции, нравы. И всё это с большой любовью, иногда с иронией, но без печали. Его Россия могучая и обильная. Он, как бы, не хочет вспоминать о нищете и вековой отсталости, о разорении крестьянских хозяйств. Его Россия идеальная и утопическая, а жизнь народа — вечный праздник, ярмарка. Сам художник сознавал это: «…все мои картины — сплошная иллюзия…» Его «Ярмарка» (1906) и другие подобные картины напоминают Некрасова («Кому на Руси жить хорошо»).

Пестро, красно кругом!
Штаны на парнях плисовы,
Жилетки полосатые,
Рубахи всех цветов;
На бабах платья красные,
У девок косы с лентами,
Лебёдками плывут.

В своих пейзажах, многочисленных бытовых сценах художник изобразил природу и архитектуру характерную для Волги. Причём, это Верхняя Волга: от Ярославля до Нижнего Новгорода. Это русская провинция ещё долго сохраняла черты патриархального быта начала ХIХ и, даже, ХVIII вв. благодаря распространённому здесь старообрядчеству. Изображение такой Руси — творческая установка художника. По-своему Кустодиев продолжает традиции русских пейзажистов Шишкина, Куинджи, Левитана: русские просторы, раздолье, пространственная перспектива. Что-то в изображении народной жизни роднит его с В.Суриковым, наиболее ценимым Кустодиевым из всех русских художников. Говоря о творчестве Кустодиева, такой серьёзный критик, как А. Бенуа, несмотря на известность художника, как портретиста, считал, всё-же, что не портреты являются главным в его творчестве, а, что «… настоящий Кустодиев — это русская ярмарка». Б.М. Кустодиев был членом художественного объединения «Мир искусства», а в 1904 г. членом-учредителем Нового общества художников. В следующем году под руководством А. Головина оформляет спектакли в Мариинском театре. С 1907 г. он, также, является членом Союза русских художников. В 1909 г. по предложению Репина Кустодиев избирается членом Петербургской АХ.

В 1911 г. у него случился острый приступ болезни, с которой он дальше безуспешно боролся до конца своих дней. Он поехал в Швейцарию, где ему установили диагноз — опухоль спинного мозга, а немецкий хирург сделал операцию. Наступило улучшение, и Кустодиев вернулся в Россию. Художник много и плодотворно занимается оформлением театральных спектаклей и книжной иллюстрацией. Всего Кустодиев оформил 11 театральных спектаклей. В 1916 г. его болезнь снова обострилась, но поехать в Германию стало невозможно — шла война. Пришлось делать операцию в России, после которой он потерял подвижность ног… Кустодиев, однако. не пал духом и продолжал работать даже больше, чем раньше. В 1916 г. он написал замечательную картину «Масленица». И.Е. Репин высоко оценил эту картину. Он называл Кустодиева «богатырем русской живописи», а художник уже до конца своей жизни оставался прикованным к инвалидной коляске…

Революцию 1917 г. Кустодиев принял. В 1918 г. участвовал в оформлении Петрограда к годовщине революции. Написал большую картину «Большевик» (1919), и другие произведения на революционные темы. В эти годы он много занимается книжной графикой (оформляет произведения Н. Некрасова, Н. Лескова), продолжает работать над театральными декорациями. В 1918 г. художник пишет свою знаменитую «Купчиху за чаем», моделью для которой была настоящая баронесса Г.В. Адеркас. Он знал её ещё девушкой в Астрахани, когда та была студенткой медицинского института. В советское время, поработав хирургом, она оставила профессию медика, вышла замуж и стала выступать в цирке. В 1921 г. Кустодиев пишет «Портрет Ф.И. Шаляпина». В 1925–1926 гг. художник работает над своей известной картиной «Русская Венера». Моделью для этой картины стала его дочь Ирина. Ему разрешили поехать лечиться в Германию, но оформление документов затянулось. В одной поездке он простудился и в 1927 г. Б.М. Кустодиев умер от воспаления лёгких. В нашем музее, кроме указанного выше портрета жены художника, находятся также портрет уроженца Одессы, министра финансов и председателя Совета министров России С.Ю. Витте (этюд к картине «Государственный совет») и «Голова старика». Следует отметить, что в наше время интерес к творчеству Кустодиева не ослабевает и не только на родине художника. Свидетельством этому являются высокие цены за его картины на международных художественных аукционах. Так, одна из его «Купчих» в 2011 г. на аукционе Мак Дугаллс в Лондоне была продана за 1,8 млн фунтов стерлингов, а другая картина «Извозчик» в следующем году на аукционе Кристи (Лондон) — за 4,4 млн фунтов, что стало на тот момент мировым рекордом для работ русских художников реалистического направления. Следует заметить, что интерес к русским художникам этого направления на заграничных аукционах в последующие годы значительно вырос. Очень высоко ценятся картины В. Серова, Н. Рериха, И. Левитана И. Айвазовског, И. Шишкина, З. Серебряковой, К. Сомова, Ф. Малявина и др.

Выдающийся русский художник И.И. Бродский (1883–1939) занимает особое место в истории русского и советского искусства. После падения советской власти о нём , если и пишут, то обязательно подчёркивают, что он являлся выразителем и важнейшим представителем официоза в советском искусстве. Такая оценка его роли в искусстве затмевает тот факт, что он уже до революции 1917 года стал выдающимся русским художником. Именно поэтому советская власть обратилась к нему, чтобы реализовать свою идеологию в искусстве с целью пропаганды нового строя. Но эта работа была органичной для художника, который ещё во время революции 1905 года участвовал в митингах, осуждающих самодержавие, и чуть не погиб 9 января от казацкой шашки. Бродский проявлял активность во всех революционных мероприятиях Петербургской АХ, где он тогда учился, делал зарисовки сцен крестьянского восстания, которые публиковались в революционных журналах. Он был одним из первых в списке неблагонадёжных, которые подлежали отчислению из академии, и был исключён, но, только благодаря заступничеству его учителей Репина, Куинджи и Беклемишина, смог, всё-же, продолжить учёбу. В 1906 г. он написал картину «Красные похороны» (о похоронах жертв «кровавого воскресенья» 1905 года) на академический конкурс. Совет АХ не допустил картину на конкурс вопреки требованию И. Репина. Бродский с воодушевлением встретил Февральскую революцию и даже начал писать портрет А. Керенского, который закончил в 1918 г. уже после свержения его правительства. Политические изменения в стране после октябрьского переворота он воспринял, как развитие революции. Поэтому охотно писал портреты вождей революции Ленина, Троцкого, Луначарского и др. Так началось его сотрудничество с новой властью. Во всяком случае, его участие в советском искусстве было искренним, в то время, как некоторые деятели искусства пошли на сотрудничество с советской властью по необходимости, а иногда и из корыстных соображений…

И.И. Бродский родился в семье торговца недалеко от Бердянска, где он учился в городском училище, и этот город считал своим родным городом. Имея с детства тягу к искусству. уехал в 1896 г. в Одессу учиться в ОХУ, где его учителями были Иорини, Костанди и Лодыженский. Бродский всегда с благодарностью вспоминал этих своих учителей. Он писал позднее, что Ладыженский научил его писать красками, а Костанди привил ему любовь к натуре. Бродский с отличием закончил ОХУ и в 1902 г. был принят в Петербургскую АХ. Учился он у И. Репина и был его любимым учеником. Бродский вспоминал, что от Репина он «воспринял не его манеру письма, а его отношение к искусству, … как к делу жизни». В 1907 Бродский написал много этюдов с натуры («Старые лодки», «Академическая дача» и др.), которые были хорошо приняты художественной критикой. Общество поощрения художников назначило ему самую высокую стипендию. При этом отмечались виртуозность рисунка и колористическая тонкость его полотен. Уже в это время он выработал свой особый стиль , т. н. «ажур» — филигранная «рисуночная» техника живописи. «Автопортрет» 1904 г. с причудливой игрой светотени свидетельствует об увлечении молодого художника Рембрандтом.

В качестве выпускной работы Бродский представил несколько десятков картин, которые сразу обратили на себя внимание критики. Знаменитый художник и выдающийся искусствовед А.Н. Бенуа (очерк о нём см. выше) высоко оценил их. Он отметил своеобразие стиля Бродского:

«…его большая картина «Тёплый день» не что иное, как огромный рисунок, почти орнаментального характера, у которого главный интерес заключён в хитросплетениях ветвей, мозаике всюду рассеянных солнечных бликов, … в этой определённости задач сказывается, что Бродский — настоящий художник».

Художник А.А. Рылов вспоминал, как захватили его работы Бродского своей новизной, непохожестью на работы других художников. «Ученик Репина, но репинского в живописи Бродского совсем ничего нет», — писал он. Но самой дорогой для Бродского была оценка В.А. Серова: «Он одинаковый мастер во всех манерах и везде интересен. Предсказываю ему прекрасное будущее». Кроме картины «Тёплый день» Бродский представил ещё несколько портретов: своей жены Л.М. Гофман, артистов П. Самойлова, Н. Шаповаленко и много пейзажей. За картину и портрет жены ему была присуждена Большая золотая медаль и право на заграничную командировку. Сначала он поехал во Францию. Но современное французское искусство ему не понравилось. Ни Матисс, ни Пикассо. Ученик Репина и Костанди, он был слишком привержен классическому искусству. Новое современное искусство он не понял и не принял. Затем по совету Репина Бродский поехал в Испанию и написал там множество картин. Он работал по 9‒10 часов под палящим солнцем. Местная пресса высоко оценила работы «знаменитого русского художника». Одна из картин «Бой быков» особенно подкупала своей яркостью, темпераментом. Страсть испанцев к этому обычаю показалась ему дикой, но он сумел передать это в своей картине. Около 100 картин Бродский привёз из Испании в Петербургскую АХ и Совет академии принял решение продолжить его командировку. Кроме Испании он работал ещё в Италии (Рим, Венеция, Флоренция, Неаполь). Побывал он и на Капри у Горького и написал свой первый портрет писателя, а также очень удачный портрет его жены М.Ф. Андреевой. Картина «Сказка», написанная там же в Италии (1910) на Всероссийском конкурсе общества поощрения художников 1911 года удостоилась премии в 2000 руб, что дало ему возможность ещё раз побывать в Италии, где на Капри он снова встречался с Горьким. Там Бродский написал большую картину «Италия». После окончания АХ он становится известным пейзажистом и портретистом. О его портретной живописи восторженно отзывался Репин: «простота. изящество, гармония и правда, правда выше всего… Да, он большой талант». Летом 1912 года Бродский с семьёй живет в Куоккало. Он часто посещает Репина в Пенатах. Художник создаёт портреты Репина, Короленко, Чуковского, Шаляпина. В 1913 году один из друзей уговорил Бродского послать на конкурс в Мюнхен картину «Зима в провинции», которой сам художник не придавал большого значения. Он доработал её и послал. Бродский получил за неё золотую медаль, а картина была приобретена в Мюнхенскую пинакотеку.

В этом же году он создаёт один из лучших портретов своей жены. Молодая женщина с цветастой шалью, слегка приспущенной с плеч, сидит вполоборота к зрителю. Чёрные волосы, смуглая кожа женщины и шаль придают особый шарм модели и декоративность всей картине. Репин назвал её лучшей картиной сезона. Это настоящий гимн любви, молодости и радости жизни. То же чувство он вкладывает и в пейзажи. Затейливые узоры деревьев, разноцветье, блики солнечного света, поэтическое мировосприятие и оптимизм — всё переполнено одним чувством — радостью бытия. Бродский становится одним из самых выдающихся художников России. Прав был В. Серов — он одинаково хорош во всех жанрах: и как пейзажист и как портретист.

Выше уже писалось о работе Бродского после 1917 года. Одним из первых и самых крупных произведений Бродского стала картина «Торжественное открытие II конгресса Коминтерна», которую он писал в 1920–1924 гг. Для этой картины он сделал более 150 портретов деятелей Коминтерна, часть из них только в зарисовках. Эта работа выполнялась в тяжёлых условиях, но её отличает высокое мастерство. В 1925 г. он написал картину «Расстрел 26 бакинских комиссаров», которая оказалась очень востребованной в целях пропаганды В дальнейшем появились и другие картины на революционную тему, в которых центральной фигурой был Ленин. Один за другим возникали многочисленные портреты Ленина, которые заказывали ему различные журналы, клубы, учебные заведения. И, если вначале эта работа требовала творческих усилий, то потом она превратилась в рутину, отвлекавшую художника от творчества. Но и отказаться от этой работы он уже не мог. Когда в начале 30-х годов были провозглашены идеологические принципы соцреализма, эти картины Бродского были объявлены классикой этого направления, а само направление превратилось в догму. Но, ведь когда он только начинал писать картины на революционные темы, это было для Бродского большой творческой задачей, с которой он блестяще справился. Кстати, свои высокие гонорары Бродский иногда жертвовал на оборону страны или, будучи страстным коллекционером, тратил на покупку произведений искусства. Свою огромную и богатейшую коллекцию произведений искусства, которую он собирал всю жизнь (более 1 000 произведений выдающихся русских и советских художников), Бродский завещал городу Ленинграду. Сегодня это Музей-квартира Бродского в Петербурге. Около 200 произведений искусства Бродский подарил своему родному Бердянску, что стало основой картинной галереи города.

Многие утверждают, что, занимаясь заказными работами, Бродский растерял свой талант и мастерство. Но достаточно посмотреть его работы конца 20-х и 30-х годов, чтобы убедиться, что это не так. Он продолжал писать пейзажи («Город ночью» (1929), «Аллея парка» (1930), «Алупка» (1937) и др.). Они написаны в той же замечательной живописной манере, так характерной для Бродского, с удивительной игрой света и тени, с виртуозно переданным скрещением. веток деревьев. Интересны «брейгелевские», как называл их сам Бродский, зимние пейзажи с фигурками людей. Во всех картинах последнего периода Бродский выступает, как продолжатель традиций выдающихся русских художников. Он прекрасно знал живописную технику многих русских художников, в особенности своего любимого учителя И.Е. Репина. Он мог на ощупь, с закрытыми глазами отличить его картины от картин других художников и однажды на спор доказал это. К нему часто обращались, как к эксперту, за атрибуцией различных картин.

Бродский был выдающимся художественным деятелем и педагогом. Его заслуги в деле возрождения Петербургской АХ в советское время неоценимы. В 20-е годы академия переживала тяжёлые времена. В ней господствовали авангардисты. Русский авангард — интереснейшее явление в искусстве и сегодня пользуется популярностью во всё мире. Но художники-авангардисты в Советской России, называвшие своё искусство «левым», были необычайно агрессивны. Засевшие в руководстве академии «леваки» упразднили традиционное образование. А. Остроумова-Лебедева вспоминает: «Научные предметы: анатомия, перспектива, рисунок и история искусств были изгнаны, как ненужные знания для художников». В 1934 году Бродский был назначен директором Всероссийской академии художеств. Так теперь стала называться академия. Бродский понимал, что какой бы путь в дальнейшем не выбрал начинающий художник, он должен получить основы профессиональных знаний и он с огромным трудом, преодолевая сильное сопротивление, восстановил в Академии традиционное образование.

В наше время творческое наследие Бродского многими подвергается критике за его картины на революционные темы и сотрудничество с советской властью. Эта критика во многом является несправедливой и не учитывает того, как это произошло исторически, что описано выше. Вообще, «ниспровержение бывших кумиров» было любимым занятием в несвободном советском обществе, да и в постсоветском российском тоже Но теперь о творческом наследии И.И. Бродского есть и объективные исследования, да и просто другие суждения. Вот мнение известного российского искусствоведа А.А. Харшака:

«Личность этого выдающегося мастера многими воспринимается очень однобоко. Его место в истории искусства определяется, как место официального правительственного живописца. При этом забывается, что он был тонким лирическим пейзажистом и автором блистательных портретов близких ему людей».

Умер И.И. Бродский в августе 1939 г. от лейкемии. (См. статью Б. Кадишева, посвящённую 80-летию со дня смерти художника «Радость бытия»). В ОХМ имеется 9 картин и этюдов Бродского.

Выдающаяся русская художница З.Е. Серебрякова (1884–1967) представлена характерными для нее полотнами. Она писала портреты, автопортреты, пейзажи и натюрморты. Родилась и росла З. Серебрякова в семье, где были известные художники и архитекторы. Брат матери, выдающийся художник А.Н. Бенуа, был одним из руководителей «Мира искусства», художественного объединения в Петербурге. Брат З. Серебряковой Е.Е. Лансере был также известным художником. Интересно, что муж её двоюродной сестры был выдающийся английский актёр Питер Устинов. Жизнь З. Серебряковой сложилась тяжело, хотя начиналась счастливо и успешно. Любимый муж (её кузен), привольная жизнь в имении Нескучное под Харьковом, первые успехи в искусстве. Она училась живописи в Тенишевском училище, затем у художника О.И. Браза (очерк о нём см. выше). З. Серебрякова училась, также, в Париже, а после возвращения в Россию, в студии И.Е. Репина. Её первым большим успехом был автопортрет «За туалетом» (1909), который с выставки был куплен Третьяковской галереей. Она написала много портретов и автопортретов, которые говорят о её замечательном мастерстве портретиста. Все они полны подкупающей искренностью, оптимизмом, очень живописны и выразительны. Таков ее автопортрет в костюме «Пьеро» (1911), один из многочисленных автопортретов художницы. Выросшая в сельской местности, художница воспринимала жизнь крестьян, как часть своей жизни, с искренним интересом наблюдала за крестьянским трудом. Может быть, поэтому крестьяне на многих её картинах выглядят так значительно, композиции монументальны и классичны. Примером может служить картина «Жатва» в нашем музее, написанная в пору расцвета её таланта в 1915 г. Радость жизни, красота женского тела, мир детей — вот темы её картин.

Но вот грянула революция, начались неурядицы. Внезапно от тифа умирает муж и молодая художница остаётся с матерью и четырьмя детьми на руках, практически без средств к существованию. Они переезжают в Петроград и живут в семье А.Н. Бенуа. Эти годы были для З. Серебряковой очень тяжёлыми: разруха, нужда, невозможность заработать на жизнь искусством. К тому же, в искусстве тогда господствовал авангард и её живопись казалась старомодной. Она принимает решение уехать в Париж на заработки, но и там в это время реализм был не в моде и её талант оказался неоценённым и в Париже. Двое из её детей жили вместе с ней, двое других остались в Советской России. В 20-х и 30-х годах прошло несколько персональных выставок Серебряковой и, хотя отзывы о её портретах были очень хорошими, приобретались они редко — в моде был абстракционизм. К тому же, как писал К. Сомов, живший тогда тоже в Париже, художница была очень непрактичным человеком. Она часто отдавала свои блестящие работы даром за обещания рекламы её творчества людям необязательным… Отчаявшись, в конце 30-х годов она приняла решение вернуться на родину, но оформление документов затянулось, а потом началась Вторая мировая война, немцы оккупировали Париж и выехать в Союз стало невозможным. После окончания войны дети, которые жили в Союзе (Татьяна и Евгений), и друзья-художники зовут её вернуться на родину, но она так и не решилась. В 1960 г. Татьяна и Евгений побывали в Париже и повидались с матерью. В середине 60-х стараниями детей и друзей в Союзе состоялись большие выставки работ З. Серебряковой в Москве, Ленинграде и Киеве. В 1967 г. З.Е. Серебрякова ушла из жизни.

В наше время творчество З.Е. Серебряковой оценено по достоинству, цены на её картины на международных аукционах растут. В этом зале, где собрано столько шедевров, картины З. Серебряковой воспринимаются как одно из самых значительных достояний нашего музея. Нет, не случайно этот зал называется Серебряковским!

Одним из корифеев одесской школы живописи был С.Ф. Колесников (1879–1955). Он учился в ОХУ у Г.Л. Ладыженского и К.К. Костанди, где подружился с будущими выдающимися художниками И. Бродским, М. Мартыщенко (М. Греков), Д. Бурлюком. Затем в Академии художеств, где его картины на выставках пользовались успехом и не раз отмечались «куиджиевскими» премиями. В 1905 г. за картину «Весна» на международной выставке в Мюнхене С. Колесников получил высшую награду — Большую золотую медаль, а от Николая II — золотой портсигар. После окончания академии в 1909 г. за картину «В новой усадьбе» ему присвоили звание художника. Почти ежегодно проходят его выставки, в т. ч. и за границей: в Лондоне (1910), Риме (1911), Венеции (1914). В 1912–1914 гг. С.Ф. Колесников организовал экспедицию в Туркестан и Монголию. В 1914 г. он становится академиком живописи. В 1915 г. поселяется в Одессе и активно участвует в деятельности ТЮРХ. Художник писал пейзажи и жанровые сцены из сельской жизни. Он любил писать меняющиеся состояния природы: весной, когда сходит последний снег («Весна», 1911) или, когда приближение весны уже чувствуется («Зима», 1918). Как прекрасен колорит в его картине «Деревня» (1907), выдержанной в красивых коричневых тонах с бирюзовой луковкой церквушки, виднеющейся сквозь деревья и перекликающейся с цветом неба, проступающим сквозь тучи! Другая его картина «Перед грозой» (1909) с великолепными световыми эффектами передает соответствующее состояние природы. Всего в нашем музее 15 картин художника.

С 1920 г. С.Ф. Колесников живет за границей, в Югославии, где проходит около половины его жизни и делится она на две части: до и после войны. В Белграде, где он поселился до войны, была одна из самых многочисленных колоний русских эмигрантов. Отношение к ним было очень благожелательным. С.Ф. Кодесников быстро становится одним из ведущих художников страны. Он много работает, пишет замечательные пейзажи, портреты. Он принят при дворе короля Александра I, получает от него многочисленные заказы, в т. ч. такой престижный, как роспись плафона Народного театра. В Сербии ему присваивают звание академика, теперь уже, этой страны. Состоялась его выставка в королевском дворце. Сербы считают его творчество своим культурным достоянием. Автору этих строк рассказали в Днепропетровском художественном музее (Екатеринославская губерния — родина художника) как одна женщина, приехавшая из Белграда, воскликнула, увидев картину художника в музее: «Да ведь это наш Колесников!», а Колесников очень тосковал по родным местам, о чем писал И.Е. Репину, учеником которого он себя считал и с которым переписывался, живя в Белграде. Вторая мировая война всё изменила. Немцы оккупируют Югославию. Часть русской эмиграции поддерживает немцев против Советского Союза. 12 сентября 1941 г. был сформирован отдельный русский корпус в составе Вермахта. Этот корпус не участвует в боях на Восточном фронте (Гитлер не доверяет русским), но охраняет дороги, мосты, рудники от партизан Тито. В конце войны, когда немцы оставили Югославию, вместе с ними ушли многие русские эмигранты (около трети всех, которые жили в стране). Вместе с ними ушла и дочь художника Люба. С приходом новой власти отношение к русским меняется, особенно после разрыва отношений с Советским Союзом в 1949 г. Страну покидает 4/5 оставшихся русских. Они уезжают, в основном, на Запад. С.Ф. Колесников переживает тяжёлые времена: семейные неурядицы, смерть дочери и сына. Тяжёлым ударом было для него решение властей уничтожить роспись плафона в Народном театре. Последние 12 лет он страдает болезнью Паркинсона и не может писать. В 1955 г. художник уходит из жизни…

Теперь в Серебряковском зале висят картины многих одесских художников начала ХХ века, которые раньше находились в запасниках музея. Например «Купальщицы» А. Нюренберга (1887‒1979), того самого Нюренберга, который был чуть ли не главным экспроприатором произведений искусства в первые годы советской власти в Одессе, о котором писалось выше. Но он был выдающимся художником, одним из «одесских парижан» (см. выше очерк о коллекции Я. Перемена). Нюренберг учился в ОХУ у Костанди, затем в Париже. В 1918 г. в Одессе стал лидером «Независимых». Сотни его картин находятся в музеях Москвы (только в Третьяковской галерее 67 работ), Украины, США, Израиля. Кстати, название его картины «Алые паруса» (1910) было заимствовано А. Грином для названия самой знаменитой своей книги.

Здесь же, «Интерьер» Т.Б. Фраермана, ещё одного «одесского парижанина» (см. выше очерк о нём). В этом зале два известных и замечательных портрета П.Г. Волокидина, очерк о котором можно прочитать выше, как и очерки о людях, изображённых на этих портретах: А.М. Дерибасе и М.В. Брайкевиче. Теперь в этом зале висят две больших картины классика одесской школы живописи М.Ю. Егорова «Юность» (1966) и «Двое» (1967). Очерк об этом выдающемся художнике читайте ниже.

 В этом зале можно увидеть два портрета работы известного одесского художника М.И. Жука, о котором уже писалось выше, и многие другие картины известных одесских художников.

Выдающийся украинский деятель культуры М.И. Жук (1883–1964) был многогранной творческой личностью. Замечательный художник, писатель, переводчик, художественный критик, прекрасный преподаватель. При жизни он был обделён вниманием власти да и общества, в котором он жил, возможно, потому, что любое проявление национального самосознания в этом обществе расценивалось, как национализм. К тому же, он не был замечен в симпатиях к соцреализму — официальному направлению в искусстве того времени. Его имя было предано забвению и только сейчас его деятельности и богатому творческому наследию воздаётся должное.

М.И. Жук родился в Каховке в семье рабочего. В 1896–1900 гг. учился живописи в Киевской рисовальной школе Н.И. Мурашко, а затем в 1900‒1904 гг. в Краковской академии изящных искусств. В эти годы он тесно общается с украинскими деятелями культуры Кракова а, бывая во Львове и Вене, познакомился и был в близких отношениях с выдающимися писателями И. Франко и В. Стефаником. Он и сам начинает заниматься литературной деятельностью. После окончания академии, в Киеве прошла его первая и единственная при жизни персональная выставка, на которой он предстал, как один из первых в украинском искусстве модернистов. Жук усвоил этот стиль, учась на Западе, в то время, как на Украине модерн ещё не получил распространения.

В 1905 г. Жук с семьёй переехал в Чернигов, где стал преподавать рисование в женской гимназии, в еврейском училище, а также в духовных училищах города. В Чернигове он подружился с М.М. Коцюбинским, одним из самых выдающихся украинских писателей и создал два его портрета.

В 1919 г. Жук вместе с известными украинскими художниками А.А. Мурашко, В. и Ф. Кричевскими, А. Маневичем, М. Бойчуком и др. участвует в создании Украинской академии художеств и становится её профессором.

В 1925 г. Жук был приглашён в Одессу в качестве профессора графики и керамики Одесского политехникума искусств. С тех пор и до конца жизни (около 40 лет) Жук живёт в Одессе. Он пишет портреты, занимается книжной иллюстрацией, декоративным искусством, керамикой, литературной деятельностью, много выставляется и, конечно, преподаёт. В первые десятилетия ХХ века выходят десять книг его литературных произведений. В театрах идут его пьесы. Он переводит О. Уальда и А. Блока на украинский язык. Жук становится одним из крупнейших деятелей украинского искусства. Поэтому 25-летие его творческой и преподавательской деятельности в 1930 г. широко отмечалось и в Одессе и в столичной прессе. Жук создает портреты многих деятелей украинской культуры: Т. Шевченко, И. Франко, В. Стефаника, Г. Сковороды, Марко Вовчок, Леси Украинки, И. Нечуя-Левицкого, А. Мурашко, Н. Вороного, Г. Нарбута и др., из которых многих он знал лично. Он работает в разнообразной графической технике: литографии, ксилографии, линогравюре. С 1928 г Жук начинает работать в технике офорта. В этой технике выполнены многие портреты украинских писателей, но с начала 30-х Жук занимается в основном керамикой. В годы Второй мировой войны он оставался в оккупированной Одессе, но в сотрудничестве с оккупантами замечен не был (см. очерк о художнике Е. Буковецком). После войны Жук возвратился к преподаванию керамики в ОХУ. В 1955 г. отмечалось 50-летие творческой и преподавательской деятельности Художника. Отмечалось очень скромно: ни выставок, ни статей о нём не было. В последние годы жизни Жук болел, был прикован к постели и умер в забвении.

Произведений Жука в ОХМ очень мало.

Замечательный художник А.И. Лоза (1931–2003) известен своими красочными архитектурными пейзажами, примером которых может служить картина с одноименным названием, экспонируемая в музее. Это стилизованный вид Одессы с оперным театром. Ещё одна картина Лозы «Ворота» находится в Серебряковском зале.

6. Искусство советского времени и постсоветское искусство.

Этот большой раздел музея — отдельная тема, заслуживающая более подробного изложения. Здесь мы ограничимся лишь кратким очерком.

По советской традиции экспозиция музея разделялась на дореволюционное и советское искусство, что стало анахронизмом. Теперь такого деления нет и экспозиция, в основном, отвечает хронологическим требованиям. Искусство советского времени и постсоветское искусство находится на втором этаже музея. Определённое количество работ этого отдела музея можно отнести к соцреализму. То, что они находятся в экспозиции музея правомерно, поскольку это направление имело место в истории искусства и экспозиция музея должна отражать эту историю. Кстати, в 2018 году в ОХМ состоялась выставка «ЭКСГУМАЦИЯ. Соцреализм из собрания ОХМ». Это был своеобразный рассказ об искусстве в тоталитарном государстве.

 В советское время действовали идеологические ограничения, а многие направления мирового искусства отвергались. Выше уже писалось, что в первые послереволюционные годы искусство развивалось относительно свободно, а модернистское искусство (конструктивизм, супрематизм и т. д.), т. н. «левое» искусство, некоторое время пользовалось поддержкой новой власти. В нашем музее можно увидеть произведения левых художников, хотя они и не представлены характерными для этих направлений картинами. Это такие художники как А.В. Лентулов, А.Ф. Пахомов, В.В. Лебедев, Н.С. Гончарова, А.А. Осьмеркин, А.В. Куприн и др.

В середине 30-х годов заканчивается время относительно свободного развития искусства. В стране насаждается т. н. «социалистический реализм», который утверждается как единственно верное направление в искусстве. Хотя это и сдерживало творческие возможности художников, многие из них прекрасно решали свои живописные задачи, по возможности обходя догматические препоны. В нашем музее можно увидеть картины выдающихся художников, отличающихся яркой индивидуальностью, таких как М. Сарьян, К.С. Петров-Водкин, А.В. Туржанский, А.А. Дейнека, Б.Н. Яковлев А.М. Грицай, И.И. Бокшай, Т.Н. Яблонская, Я.Д. Ромас, Ю.И. Пименов, С.В. Герасимов, В.Ф. Стожаров и др.

В советское время многие одесские художники продолжали традиции одесской школы живописи.

 Прекрасным художником был А.А. Шовкуненко (1884–1974), который также учился в Одесском художественном училище, в Академии художеств и был членом ТЮРХ. Он писал пейзажи, натюрморты, портреты. Очень хорош его Портрет, пейзаж «У водоема» и др.

 Замечательный одесский художник В.М. Синицкий (1896–1986) также учился в Одессе у Костанди и Ладыженского, а затем у Волокидина. Он прожил всю жизнь в Одессе и все свои работы завещал родному городу. В его пейзажах мы узнаем Одессу, одесские берега и море. Очень хорош его натюрморт «Зимние сумерки» (1973).

Признанными мастерами одесской школы живописи, которые развивали ее лучшие традиции во второй половине ХХ в. были такие художники как: жанрист и пейзажист К.М. Ломыкин (1924–1993), портретист и пейзажист М.М. Божий (1911–1990), пейзажисты М.Д. Тодоров (1915–1997) и В.Г. Власов (1927–1995), пейзажист и портретист Л.И. Ольшанецкий (1898–1982), пейзажист Г.М. Павлюк (1925–1987), живописец и график Г.А. Палатников (р. 1946) и многие другие. В нашем музее можно увидеть работы известных одесских художников: жанристов и пейзажистов А.В. Русина (р. 1926), Г.И. Бельцова ( 1920–2009), А.С. Гавдзинского (1923–2014), замечательного пейзажиста и портретиста В.В. Токарева (1917–2001). Интересен его натюрморт «Подсолнухи». Кто только не писал подсолнухи! Подсолнухи Токарева спелые, высушенные под палящими лучами южного солнца и по-своему очень интересны. В.В. Филиппенко (р. 1935) представлен очень интересной картиной «Девочка на коне».

Отошли в прошлое времена, когда художники были скованы идеологическими ограничениями, о которых говорилось выше, и это не замедлило сказаться на экспозиции музея. Появились такие произведения, как «Черный тоннель» В.П. Кабаченко (р. 1958), «Спутники» А.А. Ройтбурда (р. 1961), «Остров» Л.В. Дульфана (р. 1942) и ряд других. Впрочем, всё это можно было увидеть ещё в начале 2000-х годов. Сегодня, например, Ройтбурд представлен тремя большими картинами, в т. ч. картиной «Сидящий пророк» (1988). Успешно работают художники: В.Л. Басанец (р. 941), Е. Рахманин (р. 1947). О. Волошинов (р. 1936), В.Ф. Цюпко (1936) и др. Здесь можно увидеть картины таких замечательных одесских художников, как В.А. Гегамян (1925–2000), который стал известен и как прекрасный преподаватель. Он организовал в Одесском педагогическом институте художественно-графический факультет, знаменитый «худграф», который окончили многие известные одесские художники. Художники С.И. Сычов и В.Д. Хрущ вошли в историю современного искусства Одессы, как участники знаменитой «заборной выставки», о которой более подробно можно прочитать в следующем разделе.

Одна из самых ярких фигур одесского неофициального искусства Л.Л. Ястреб (1945–1980), как и многие одесские художники, окончила ОХУ. Училась она у Д.М. Фруминой. После окончания училища Л. Ястреб очень скоро обратилась к экспериментам в области формы, ничего общего не имеющим с господствующим тогда соцреализмом. С конца 60-х художница начинает принимать участие в выставках, в т. ч. республиканских и всесоюзных. На одной из них, в Москве, художницу из Одессы заметили и она даже получила стипендию, установленную СХ СССР для поддержки молодых талантов. Это, однако, не отвратило её от творческих поисков в области формы. Она вошла в группу молодых одесских художников-нонконформистов, стала душой этой группы. Л. Ястреб была прекрасным колористом, мастером света, занималась графикой. Художница рано ушла из жизни, но оставила заметный след в современном искусстве Одессы. Её картины находятся во многих одесских музеях, в частных коллекциях на родине и за рубежом.

Многие из названных в этом разделе художников являются представителями т н. «второго одесского авангарда», рассказ о котором впереди.

Экспозиция современной одесской живописи убеждает нас в том, что в нашем городе во все времена были хорошие художники. Многие из них продолжают жить и работать в Одессе. Другие успешно работают во многих странах мира.

(окончание следует)