СЕМЬ ИСКУССТВ

Выдающийся русский художник Л.О. Пастернак (1862–1945), чьи произведения представлены в этом зале, родился в Одессе. Художник с мировым именем в советское время был не то чтобы забыт, но значение его, его вклад в русское искусство были сильно занижены. И только теперь на родине ему стали отдавать должное.

Борис Кадишев

МУЗЕЙ НА СОФИЕВСКОЙ

(К 120-летию Одесского художественного музея)

(продолжение. Начало в №12/2019)

3. На рубеже веков

Великий русский художник В.А. Серов (1865–1911) родился в семье музыкантов: композитора А. Серова и В. Серовой (урождённой Бергман). В детстве его учили музыке. Но своё призвание художника он ощутил слишком рано и уже в восьмилетнем возрасте стал учиться рисованию, сначала у гравёра Кёппинга в Мюнхене, а затем в Париже у И.Е.Репина, давнего друга семьи Серовых. После возвращения в Россию в 1876 году, юный Серов жил в Абрамцево у Мамонтовых. Затем в Киеве, где учился в рисовальной школе Н.Н.Мурашко, друга Репина и дяди выдающегося украинского художника А.Мурашко, До 1880 года Серов жил вместе с Репиным в Москве и Петербурге, путешествовал с ним по Украине и Крыму.

В 1880–1886 годах учился в Петербургской АХ. В 1885 году жил в Абрамцево, приезжал в Одессу, чтобы повидаться с О.Трубниковой, с которой познакомился ещё в 1879 г. в Петербурге. Она стала его женой в 1889 году. В Одессе Серов часто виделся со своим другом М.А.Врубелем и одно время они думали о том, чтобы жить в Одессе постоянно, но потом отказались от этого..

В 1886 году Серов уходит из академии и поселяется у Мамонтовых в Абрамцево, где в 1887 году пишет свою знаменитую картину «Девочка с персиками» ( В.С.Мамонтова). Вере Мамонтовой было тогда 12 лет, а Серову, только что приехавшему из Италии 22 года и он был своим человеком в семье Мамонтовых, вырос у них. Вера терпеливо позировала Антону, как называли Серова в семье Мамонтовых, около двух месяцев. Она выросла и превратилась в красивую молодую женщину. Вышла замуж, родила троих детей и…умерла в возрасте 32 лет. В следующем году появляется ещё один его шедевр «Девушка, освещённая солнцем», которую купил П.М.Третьяков. Моделью для этой картины стала его кузина со стороны матери М.Симонович. Она прожила долгую жизнь и умерла в возрасте 91 года. Серов становится известным портретистом и в последующие годы пишет много прекрасных портретов: портреты своего друга К.Коровина и художника П.Кончаловского (оба в 1891 году), И.Е.Репина (1892), И.И.Левитана (1893), Н.С.Лескова (1894), С.И.Третьякова (1895) и др. В 1896 году присутствует на коронации Николая II в Успенском соборе и становится придворным живописцем. В 1897 году начинает преподавать в Московском училище живописи ваяния и зодчества. Его учениками были будущие выдающиеся художники: Н.Сапунов, М.Сарьян, К.Петров-Водкин, П.В.Кузнецов и др.. В 1898 году Серов удостоен звания академика. Он пишет портреты: М.К.Тенишевой, Н.Римского-Корсакова, избирается в совет Третьяковской галереи (1898). С 1900 года Серов пишет заказные портреты членов царской семьи, в т.ч. портрет Николая II. За портрет великого князя Павла Александровича Серов удостоен большой почётной медали на Парижской выставке. В 900-х годах он пишет портреты, которые вошли в сокровищницу русского искусства: в 1901 году портрет Мики Морозова, четырёхлетнего сына известного промышленника, мецената, коллекционера и литератора М,А.Морозова. Изображённый на портрете мальчик вырос и превратился в знаменитого шекспироведа М.М.Морозова.

В том же году Серов пишет автопортрет (ОХМ), портрет З.Н. Юсуповой (1902) и других князей Юсуповых (1903). В 1903 году Серов совершает путешествие в Италию. В Риме открывается выставка, где ему ( как и Репину) выделяется отдельный зал. Вот какую оценку даёт Серову присутствовавший на этой выставке А.Н. Бенуа:

«…Серов… один из чудеснейших художников нашего времени «классик», занимающий обособленное, совершенно свободное, самостоятельное положение…приходится изумляться благородству искусства Серова, его гордой скромности, его исключительному вкусу… Его мера — настоящая, золотая мера, его вкус –настоящий вкус, тончайший и благороднейший из когда-либо бывших в истории искусства… И замечательнее всего при этом—сдержанность мастера, абсолютная его искренность, иногда доходящая до дерзости, но в большинстве случаев говорящая просто и красиво то, о чём стоит говорить».

В жизни он был очень принципиальным человеком и, «когда он видел несправедливость… глаза его загорались. И тогда он был суров и непреклонен. Тогда, выясняя правду и добиваясь справедливости, он готов был идти до конца» (К. Коровин). Когда Серову что-то не понравилось во время работы при дворе, он прервал работу, ушёл и больше не писал для двора. А в 1905 году вышел из Императорской АХ в знак протеста против «кровавого воскресенья» и написал сатирическую картину «Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?»

Он написал ещё много замечательных портретов, картин, театральных декораций. Его жизнь трагически оборвалась в 1911 г. от сердечного приступа в расцвете творческих сил…

В наше время интерес к искусству Серова-портретиста огромен и у нас и за рубежом. Его портреты—самые дорогие произведения русского реалистического искусства, которые когда-либо продавались на заграничных аукционах. Так его «Портрет Оскара и Розы Рузенберг» был продан на аукционе FAAM в Майами в 2012 г за $ 4,1 млн, а «Портрет Марии Цетлиной», написанный незадолго до смерти, был продан в Рамат-Гане (Израиль) на аукционе Христис в 2014 г за $ 14,5 млн, что стало рекордом продаж картин русских художников-реалистов.

До обидного мало картин (всего две!) гениального М.А. Врубеля (1856–1910), чья жизнь и творчество тесно связаны с нашим городом. Да, некоторые искусствоведы считают, что в России было только два по-настоящему гениальных художника: А.И. Иванов и М.А. Врубель. Кто гений, кто великий, а кто «просто» выдающийся сказать нелегко — неблагодарное это дело рассуждать о рангах. Но оснований утверждать, что творчество М.А. Врубеля отмечено печатью гениальности было предостаточно. М.А. Врубель был удивительный художник и удивительно широко образованный человек. Он окончил Одесскую Ришельевскую гимназию с золотой медалью и два факультета Петербургского университета философский и исторический, и оба, также, с золотыми медалями. Художественное образование Врубель получал сначала, посещая классы Одесской рисовальной школы, а затем в Петербургской АХ, куда поступил в 1880 г. Учился Врубель у П.П. Чистякова. Посещал, также, классы И.Е. Репина. В эти годы он познакомился с В.А. Серовым. Несмотря на то, что Врубель был намного старше Серова, их знакомство переросло в дружбу и имело большое значение для обоих художников. По рекомендации своего учителя Чистякова Врубель был приглашён профессором Киевского университета А.В.Праховым для реставрационных работ в Кирилловской церкви вКиеве. Для этого он на несколько месяцев уехал в Венецию изучать старинные мозаики. Прахов оценил талант Врубеля и, будучи, также, руководителем работ по внутреннему убранству Владимирского собора, предложил ему (1888) участвовать в росписи собора вместе с В.Васнецовым, М.Нестеровым и другими художниками. Однако комиссия, которой Врубель представил свои эскизы, не решилась дать добро на их воплощение, посчитав их слишком смелыми и необычными. Под благовидным предлогом их отклонили и Врубель участвовал лишь в создании некоторых орнаментов. В Киеве он задумал несколько крупных произведений. Одно из них — «Восточная сказка», он начал писать и, даже, получил на эту картину аванс от коллекционера И.Терещенко, но, не удовлетворившись работой, не закончил её. Своеобразным воплощением этой идеи стала картина «Девочка на фоне персидского ковра». возникшая случайно. Художник увидел дочку ростовщика Дахновича. Он вдохновился восточным типом её лица. Эту замечательную картину он и отдал И.Терещенко в счёт аванса. Ещё одну картину «Христос в Гефсиманском саду» он почти закончил. По свидетельству видевших её художников, это была блестящая вещь, но… Врубель в цирке увидел одну итальянскую наездницу, и ему захотелось срочно её написать. Он не стал искать нового холста и написал наездницу на почти законченной картине…

В 1889 г. Врубель переехал в Москву. В. Серов познакомил его с С.И. Мамонтовым и он вошёл в круг художников ,которые работали в имении Мамонтова Абрамцево. Московский период его жизни был насыщен разнообразной творческой деятельностью: иллюстрации к произведениям М.Ю.Лермонтова, театральные декорации, монументальная живопись, скульптура. Врубель удивлял своих новых знакомых и друзей своими обширными знаниями, необычными суждениями, интеллигентностью и благородством манер. Он знал восемь европейских языков, очень ценил западный образ жизни, но любил Россию и большинство его картин связано с русской культурой (мифологией, литературой, музыкой, театром). Он был совершенно бескорыстным человеком и никогда не испытывал ревности к коллегам-художникам. Не имея заказов, а соответственно и средств к существованию, мог целый месяц жить на три рубля. Но однажды, выполнив для миллионера Морозова панно и, получив за него 3000 рублей, устроил на все деньги пир в гостинице, где жил, пригласив на него всех постояльцев этой гостиницы.

В 1896 г. Врубель женился на известной певице, исполнительнице арий в операх Н.А. Римского-Корсакова, Н.И. Забеле, познакомился с композитором (1898) и стал делать декорации к его операм. Он написал много замечательных портретов своей жены.

Искусство Врубеля многие современники художника не понимали. Даже В.В.Стасов, даже П.М.Третьяков и С.И.Мамонтов долго не понимали Врубеля. Но его друзья К.А.Коровин и В.А.Серов ценили его огромный талант. Восхищался им и великий В.И.Суриков. Картина «Валькирия», которая экспонируется в нашем музее, — это портрет М.К.Тенишевой (1858–1928), написанный летом 1899 года, когда Врубель вместе с женой Н.И.Забелой-Врубель, гостил в её имении Талашкино, где Тенишева создала художественно-промышленные мастерские. Тенишева была художником-эмальером, меценатом и общественным деятелем, коллекционером. Врубель изобразил её в образе скандинавской богини Валькирии. Тенишеву, кроме Врубеля, писали многие художники: Репин (10 раз), Коровин и Серов, но серовский портрет она, всё-же, считала лучшим. Кстати, М.К.Тенишева была одной из первых, кто поняла гениальность Врубеля. В этом с ней был солидарен и Н.К.Рерих. Ещё одна картина Врубеля, которая демонстрируется в нашем музее, «Болотные огни» (1890), посвящена редкому явлению природы. Как и многие другие произведения Врубеля, картина полна таинственности.

В творчестве Врубеля в разные периоды можно увидеть разные стили, которые иногда переплетаются: символизм, конструктивизм, экспрессионизм. Сказочные и фантастические, иногда мистические образы воплощаются в его картинах с помощью виртуозного рисунка. Он был одним из лучших рисовальщиков своего времени, и в нашем музее есть несколько его рисунков, подтверждающих это. Вначале Врубель исповедовал известный принцип «искусство для искусства» и был одним из создателей русского модерна (в Германии югендштиль), но его искусство выходило за рамки этого принципа. Он утверждал духовность в искусстве и считал, что искусство должно будить душу «от мелочей повседневности величавыми образами», такими, например, как его Демон. Кстати, некоторые искусствоведы утверждают, что идея создания этого образа пришла к Врубелю в Одессе. Одесситам, любителям искусства, лестно было бы считать так. Конечно, Врубель с гимназических лет, которые он провёл в Одессе, очень любил Лермонтова, о Демоне думал и говорил ещё в Петербурге, занимаясь в Академии. Идея написать Демона пришла к нему в Киеве, после посещения одноимённой оперы А.Рубинштейна, о чём свидетельствует Н.А.Прахов. Но одни из первых набросков к «Демону» Врубель делал летом 1885 года в Одессе, куда приехал из Киева. Он написал много вариантов своего Демона, но все они написаны уже в Москве.

Выше писалось о том, что многие, даже крупные деятели искусства, не понимали творчество Врубеля. В очередной раз это подтвердилось на Нижегородской выставке 1896 г, когда комиссией были отвергнуты два больших панно, написанных художником. Врубеля критиковал даже М.Горький. Неприятие Врубеля продолжалось и в дальнейшем. Причём, его бранили и представители академизма и обыватели, раздражённые его оригинальностью, и демократическая критика, обвинявшая его в декадентстве. В 1902 г. А.Бенуа и С.Дягилев устроили выставку из 36 картин Врубеля с целью изменить такое отношение к художнику. В это время произошёл первый кризис психической болезни Врубеля. В клинике Сербского установили диагноз: прогрессивный паралич. Временами наступало улучшение здоровья и он возвращался к творческой деятельности. В 1903 г. после смерти его маленького сына наступила тяжёлая депрессия. Он находился на лечении в Риге, а затем его доставили в клинику Ф.Усольцева под Москвой. В этой клинике наступило значительное улучшение здоровья Врубеля. Здесь художник сделал много замечательных рисунков, в т.ч. портрет Ф.А.Усольцева (1904). Врубели переехали в Петербург, где Н.И.Забела-Врубель получила ангажемент в Мариинском театре. Это были годы, когда в России заметное развитие получили модерн и символизм и образный строй картин Врубеля стал более приемлем для публики. Врубелю был посвящён целый номер журнала «Мир искусства». В феврале 1905 г. симптомы психоза вернулись… Из Москвы приехал доктор Ф.АУсольцев, чтобы отвезти Врубеля в клинику. Художник попрощался с друзьями, посетил АХ, П,П,Чистякова. В конце этого года М.В.Врубель был избран академиком живописи. АХ заказала Врубелю портрет поэта В.Брюсова, а В.Серову портрет самого Врубеля. В.Я.Брюсов вспоминал, как Врубель работал над его портретом. Сначала художник показался ему совершенно больным, сумасшедшим. Но во время работы Врубель совершенно преобразился: «…Сразу выражение его лица изменилось. Сквозь безумие проглянул гений…Линии, проводимые им, были безошибочны. Творческая сила пережила в нём всё. Человек умирал, разрушался, мастер — продолжал жить». Об этом свидетельствует и его врач Ф.Усольцев: «Как художник он был здоров и глубоко здоров». В начале 1906 г. стало катастрофически падать зрение и вскоре Врубель полностью ослеп. Его снова перевезли в Петербург в клинику Конасевича, где он встретил своё 50-летие. Затем Врубеля поместили в клинику Бари, недалеко от АХ, которая, по предложению В.Серова, взяла на себя содержание Врубеля в больнице. М.А.Врубель умер 1 (14) апреля 1910 г.

В небольшом, но очень красивом овальном зале музея разместились работы выдающихся художников начала ХХ в. Здесь, прежде всего, хотелось бы выделить замечательные картины С.Ю. Жуковского (1875–1944). Это великий мастер пейзажной живописи. Из восьми картин и этюдов, находящихся здесь, наибольший интерес представляет картина «Разъезд на рассвете» — один из трех вариантов на эту тему (1902). В 1902 г. Жуковский написал картину «Разъезд. Рассвет», которая хранится в Симферопольском художественном музее. В 1903 г. картина появилась на передвижной выставке и произвела большое впечатление. Один из критиков увидел в ней романтику дворянской старины, времена Татьяны и Онегина. Другой обнаружил в картине социальный подтекст: господа веселятся всю ночь, а слуги и лошади всю ночь дрожат от холода…Здесь мы видим т.н. классовый подход к произведениям искусства, который во времена советской власти стал основой не только идеологии соцреализма, но и в общественной жизни, исторической науки и в др. областях. Кто из них прав? Дело в том, что произведение искусства, будучи однажды созданным, живёт своей жизнью и у каждого нового зрителя рождает свои мысли. Зная творчество Жуковского, можно предположить, что художник, всё-таки, не вкладывал в свою картину социальный смысл. Помещичий дом с портиком впервые юный Жуковский написал в 1891 г. в имении Старая Воля и затем изображал его в других картинах. Кроме указанных картин , существует ещё одна — вариант на эту тему 1907 г.

С.Ю.Жуковский происходил из старинного польского дворянского рода, разорённого после подавления польского восстания 1863 г. В 17 лет без разрешения отца уехал в Москву учиться живописи. Отец отрёкся от него и никогда не помогал. Он учился в Московском училище живописи ваяния и зодчества (МУЖВЗ) у многих живописцев: Коровина, Савицкого, Пастернака, Архипова, Поленова. И.Левитан, который в это же время преподавал в училище, формально не был его преподавателем, но Жуковский пользовался его советами, находился под большим влиянием его творчества и считал себя последователем и продолжателем дела великого художника. Жуковский страстно любил природу и в своих произведениях добивался ощущения непосредственности общения с ней. Поэтому некоторые его картины воспринимаются, как этюды с натуры. В то же время его этюды столь хорошо композиционно продуманы, что иногда воспринимаются, как законченные произведения. В его творчестве наблюдается определённый баланс между традиционными приёмами в искусстве и новаторством, но он оставался верен реалистической живописи. Произведения, представленные в нашем музее, относятся к первому десятилетию ХХ в, когда искусство Жуковского обогатилось прекрасным колоритом, контрастностью цветовой гаммы, элементами некоторой декоративности. В первые годы после революции Жуковский подвергался нападкам со стороны левых художников и критиков. Продолжал ещё существовать Союз русских художников, куда входил Жуковский. Этому союзу противостояли Новое общество живописцев (НОЖ) и группа «Бытиё». Художники этих объединений опирались на современную французскую живопись. Их называли сезаннистами. Это был русский авангард, который господствовал в то время в России, о чём уже писалось выше. (Кстати, оба этих понятия — русский сезаннизм и авангард ввёл в обиход художественной критики художник и историк искусства А.Бенуа, очерк о котором см. ниже). Художники реалистического направления были в загоне. В 1921 г. в Москве состоялась персональная выставка Жуковского, но в последующие годы его почти перестали приглашать на выставки. После подписания мирного договора между Советской Россией и Польшей, в 1923 г . художник уехал на родину, где прожил больше 20 лет. В Польше ему пришлось начинать жить сначала, хотя польскому зрителю известно было о его больших успехах в предреволюционной России. Он полон энергии и энтузиазма. В Польше, однако, как и в во всей Европе, также в моде было французское искусство. Всё-же, он выставляется с теми художниками, которые сохранили верность реализму. Под влиянием современных тенденций в живописи он пытается писать декоративные, броские пейзажи. Он писал их не с натуры, а сочинял в мастерской. Но это была несвойственная ему живопись и Жуковский оставил эти попытки. Он снова пишет с натуры, в его живописи усиливаются импрессионистские тенденции, но сохраняются и реалистические традиции. Качество его живописи не снижается, он создаёт новые прекрасные пейзажи и интерьеры. Он по-прежнему очень продуктивен и ежегодно участвует в выставках, в т.ч. и персональных: в 1929 г. в Варшаве и Кракове, в 1935 и 1937 гг. в Варшаве. Его картины висят во многих музеях Польши, в Национальном музее Варшавы. Он участвует в выставках в Осло, Париже, Копенгагене. Но вот наступает кризис 30-х годов и положение художника ухудшается. Благодаря его первой жене А.А.Жуковской и старому другу художнику И.И.Бродскому, его картины удалось продать в СССР. Они предлагают ему вернуться — ведь он так любит русскую природу и русское искусство. Это очень трогает художника, но он не готов это сделать. Конечно, он хочет, чтобы его помнили в России и предпринимает меры к тому, чтобы его картины были представлены в Третьяковской галерее и в Русском музее. Последние пять лет были самыми мрачными в жизни Жуковского. Началась вторая мировая война и Германия оккупировала Польшу. После подавления восстания в Варшаве С.Ю.Жуковский попал в концлагерь и умер там в 1944 г.

Тема дворянской старины была близка и художникам объединения «Мир искусства» А.Н. Бенуа, К.А. Сомову, В.Э. Борисову-Мусатову, чьи картины висят рядом с картинами Жуковского.

Особенно выделяется собрание картин и рисунков К.А. Сомова (1869–1939). Семь живописных картин и большое количество графических работ, всего более 70 произведений. Этому богатству наш музей обязан, прежде всего, дружбе петербургского художника с одесским коллекционером Брайкевичем. Отец Сомова был старшим хранителем Эрмитажа. Поэтому художник с детства был погружён в искусство. В 1888 г. Сомов поступил в Петербургскую АХ, где учился в мастерской И.Е.Репина. Это были годы, когда в АХ пришли передвижники, академизм ушёл в прошлое. Изменилась тематика живописи. Передвижники в своих произведениях отражали жизнь общества, людей труда. Это был реализм и очевидный прогресс. Но сама живопись изменилась мало. Как вспоминает выдающаяся художница А.П.Остроумова-Лебедева (она представлена в нашем музее акварельным этюдом «Сан-Джиминиано», 1911), учившаяся в то время в АХ «сущность искусства, сама живопись мало обновилась. Вся красочная рутина осталась». Молодые художники, такие, как Сомов, Малявин и др., искали новые пути в искусстве и каждый шёл своей дорогой. Остроумова-Лебедева оставила интересные воспоминания о Сомове, т.к. тоже училась у Репина. Кроме того, она с Сомовым дружила. Он производил, пишет она, «впечатление своеобразного и оригинального человека. Много внимания уделял своей наружности. Носил сюртуки особого покроя, чрезвычайно изысканные галстуки. Печать утончённости… Но при всех причудах и странностях он внушал товарищам уважение и поклонение своему большому таланту. Ярко помню чувство изумления от неожиданности и затем восхищение, когда он принёс на заданную Репиным тему свой эскиз. Эта вещь потом была известна под названием «Около пруда»… Впечатление необыкновенной изысканности в сочетании красок, большой свежести и тонкости и в тоже время чего-то болезненного…Сомов выделялся своим подходом к живописи, какой-то до жути, до странности художественной искренностью».

Его жанровые картины отражают придворный быт ХVIII в. Их отличает изысканность, декоративность, утончённость, часто тонкая ирония. Удивительно красивые картины «Радуга» (1915) и «Фейерверк» (1910). Он был большой мастер портрета. Один из лучших его портретов в собрании ОХМ портрет художницы Е.И.Званцевой (1903). Среди других портретов, которые представлены в нашем музее, интересны, прежде всего, портреты А.Н.Бенуа (1911), С.В.Рахманинова (1929), М.В.Брайкевича (1937) и его жены Т.М.Брайкевич (1931). Больших успехов достигает Сомов и в области графики. Это и портреты, и жанровые рисунки, пейзажи. Около 10 лет отдал он созданию эротического альбома «Книга маркизы», которая состоит из иллюстраций к сочинениям А.Шенье, Казановы, Парни, Вольтера и др. авторов т.н. «галантного века». Книга выходила трижды, причём, количество иллюстраций каждый раз увеличивалось, а последнее издание характеризуется особенной непристойностью и, вместе с тем, тонким вкусом и талантом художника. Техника листов этой книги-офорты, литографии, раскрашенные акварелью, силуэты. Некоторые из этих листов имеются в ОХМ. С 1923 г. Сомов жил в Париже и продолжал дружить с Брайкевичем, который жил в Лондоне. Умер К.А.Сомов в 1939 г. в Париже на руках своего друга М.В.Брайкевича.

Выдающийся русский художник и театральный деятель, художественный критик и историк искусства А.Н.Бенуа (1870–1960) родился в семье потомственных архитекторов французского и итальянского происхождения. Он учился живописи в Петербургской АХ и у своего брата Альберта. В 1894 г. Бенуа закончил юридический факультет Петербургского университета. В этом же году он написал свой первый труд по истории русского искусства для немецкого издания. В 1896–1898 гг. и в 1905-1907 гг. он работал во Франции. В конце ХIХ в в России среди молодых художников и художественных деятелей возникла оппозиция не только к официальному искусству, но и к передвижникам, о чём писалось выше (см. очерк о художнике Сомове). Свои эстетические идеалы они искали в эпохе Петра I, в елизаветинском времени ХVIII в. Одновременно они с большим уважением относились к культурному наследию Западной Европы и к новейшим течениям в современном искусстве: символизму и модерну (в Германии югендстиль). Все эти тенденции привели в 1898 г. к созданию в Петербурге художественного объединения «Мир искусства», идеологом которого стал А.Бенуа, а организатором театральный деятель С.Дягилев. Пик деятельности «Мира искусства» пришёлся на начало 900-х годов ХХ в, хотя объединение просуществовало до 1927 г. В те же годы стал издаваться и журнал с одноимённым названием. Как художник А.Бенуа начинал с акварельных пейзажей окрестностей Петербурга. Его интересовал исторический пейзаж XVIII в, эпоха Людовика XIV. Много работал он в области книжной графики. В 1917–1918 гг. А.Бенуа создает иллюстрации к поэме А.С.Пушкина «Медный всадник». Он был горячим поклонником и пропагандистом русского искусства, хотя в его происхождении не было русских корней и он долго жил и работал на Западе. Он создал много книг по истории искусства и, в первую очередь, по истории русского искусства. А.Н.Бенуа часто высказывал очень глубокие мысли об искусстве. Вот одна из них, не потерявшая значения и в наши дни, в передаче А.П.Остроумовой-Лебедевой. Она дружила с ним на протяжении 30 лет до его отъезда из СССР в 1926 г. «А.Н.Бенуа говорил, что для того чтобы общество могло долго жить, оно не должно строго замыкаться в определённые рамки. И в нём необходимо признавать все новые направления в искусстве. Внимательно следить за появлением молодых художников, если даже они будут крайне новаторского характера. Лишь бы в них была настоящая любовь к искусству и одарённость». Большая часть его творческой деятельности связана с театральным искусством. Он был очень музыкален и имел прекрасный слух, а его творческий темперамент позволил ему и в этой области проявить свою богатую, тонкую художественную культуру. Он создавал новые постановки, декорации и костюмы. Широко известны его работы к опере Вагнера «Гибель богов», к балетам «Павильон Армиды», «Жизель», «Петрушка», ко многим комедиям Мольера и Гольдони, к опере «Пиковая дама» и др. В нашем музее представлены эскизы А.Бенуа к декорациям для постановки трагедии А.С.Пушкина «Каменный гость» 1914 г. в Московском художественном театре. В 1917–1926 гг. был хранителем картинной галереи Эрмитажа. С 1926 г. жил в Париже, где и умер в 1960 г.

Здесь же картина одного из самых выдающихся русских художников М.В. Нестерова (1862–1942) «В скиту» (1915). На картине изображены две сестры, одна из которых монахиня, которую приехала навестить другая сестра. Контраст между живущей полноценной жизнью одной из сестер и ушедшей от мирской жизни другой, и есть предмет картины. И все это на фоне своеобразного «нестеровского» созерцательного пейзажа. Существует несколько вариантов этой картины.

М.В.Нестеров родился в Уфе в купеческой семье. Учился в гимназии и в реальном училище без особого успеха и только в рисовании проявлял заметные способности. Поэтому его в 1877 г. определили в Московское училище живописи ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где он учился у И.М.Прянишникова и В.Г.Перова, который в те годы был душой училища. Вскоре Перов стал выделять Нестерова из своих учеников, а молодой Нестеров благоговел перед своим учителем. Несмотря на то. что МУЖВЗ в то время по уровню преподавания соперничало с Петербургской АХ, а также то, что учителя относились к Нестерову хорошо, он испытывал внутреннюю неудовлетворённость и решил поступить в АХ, даже вопреки совету Перова. Тут сказалась черта характера Нестерова, о которой он впоследствии как-то заметил, что всегда действовал по принципу: «Я — сам по себе». Возможно, эта черта помогла ему со временем стать необычным и самобытным художником. В 1881г Нестеров поступил в АХ, но она не произвела на него, ученика Перова, впечатления, которого он ожидал. Даже к выдающемуся преподавателю П,П.Чистякову у него возникло странное отношение, о чём он впоследствии жалел. Он стал подумывать о возвращении в Москву, к Перову. В мае 1882 г. по дороге в Уфу он заехал в Москву к Перову и застал учителя смертельно больным. Вскоре В.Г.Перов умер и это стало большим ударом для Нестерова. Он вернулся в АХ. В Петербурге его заметил И.Н.Крамской и предложил посещать свою мастерскую. В 1883 г. в Уфе он познакомился с М.И. Мартыновской, которая жила в Москве. Молодые люди понравились друг другу и вскоре решили пожениться, но родители Нестерова были против этого брака. В 1884 г. Нестеров вернулся в Москву в МУЖВЗ. Нестеров очень увлекался театром. В то время в Москве гастролировала великая украинская актриса М.К.Заньковецкая. Он решил написать её портрет и она любезно согласилась. Эта работа свидетельствовала об интересе к портретной живописи, которая стала значительной частью его творчества. В 1885 г. Нестеров получает звание свободного художника и женится на М.И.Мартыновской вопреки воле родителей. Художник пишет ряд исторических полотен­, в которых его, прежде всего, интересовал быт. Он познакомился с историческими живописцами В.Суриковым и С.Ивановым, которые стали бывать у него в доме. Счастливая жизнь Нестерова продолжалась, однако, недолго: в 1886 г. на третий день после рождения дочери умирает его жена. Нестеров тяжело переживал своё горе, но продолжал писать. За первую свою большую картину «До государя челобитчики» Нестеров был удостоен большой серебряной медали и звания классного художника, но Крамской её раскритиковал за незначительность темы, что было большим уроком для молодого художника. В 1886-1889 гг. он много занимается книжной иллюстрацией. Душевное потрясение, связанное со смертью жены, не покидает его. Оно вызвало, по словам художника, перелом в его жизни, что отразилось в дальнейшем на многих его произведениях. Он пишет картины «Христова невеста» и «Смертный час» по мотивам жизни старообрядцев, очень популярной в то время. В них он хотел отразить нравственные поиски людей, отличных от обычных современных ему людей. Постепенно образы старинного быта русских людей входят в его живопись. В 1888 г .появляется его картина «За приворотным зельем». Тема её —скорбь молодой женщины, страдающей от неразделённой любви. Во многих своих полотнах, которые носят жанровый характер, он изображает природу. Его одухотворённая природа находится в единстве с героями его картин. Пейзаж Нестерова имеет особый характер. Этот неброский пейзаж с тонкоствольными берёзками и худыми ёлочками заставляет, однако, зрителя погрузиться в глубокое философское раздумье то ли о смысле жизни, то ли в созерцание какой-то высшей реальности. В истории русского искусства он получил название «созерцательного» или «нестеровского» пейзажа, который роднит его с левитановским «пейзажем настроения». Первой такой картиной стал его «Пустынник» (1889). Написав картину, он сначала показал её друзьям. Левитан предсказал картине большой успех, а Суриков, одобрив идею, посоветовал переделать голову старца. Нестеров согласился и стал переписывать голову, стремясь найти нужное выражение лица. Он едва закончил работу до прихода к нему в мастерскую П.М.Третьякова, который решил приобрести картину для своей галереи. Он же предложил послать её на Передвижную выставку. Нестеров колебался, ведь идея картины — уход от мирской жизни шла вразрез с принципами передвижников о социальном значении искусства. Но передвижники приняли картину и она произвела огромное впечатление на публику, поставив Нестерова в ряд самых выдающихся художников России. В 1890 г. Нестеров принимает предложение А.В.Прахова участвовать в росписи Владимирского собора в Киеве. В этом городе Нестеров прожил 20 лет. Потом он занимался росписями и других храмов. А всего Нестеров отдал этому делу 22 года своей жизни. В 1898 г. появляется ещё одно крупное произведение «Великий постриг». В этом году ему присваивают звание академика. Огромным успехом художника стала картина «Видение отроку Варфаламею» (1890), которую сам Нестеров считал лучшей своей работой и в последующие годы создал ряд картин, посвящённых Сергию Радонежскому. В этом же году он сделал эскиз «Святой Сергий» (ОХМ) к картине «Юность преподобного Сергия» (1897) Картина «Видение отроку Варфаламею» также была приобретена Третьяковым, несмотря на уговоры В.В.Стасова и некоторых передвижников не делать этого. Они критиковали Нестерова за мистическую экзальтацию, чудесность и сверхъестественность. Нестеров же объяснял содержание своих картин страстными поисками счастья, желанием душевной тишины и одиночества от «скверны житейской». Он, в свою очередь, критиковал передвижников за излишнюю политизацию своих произведений, за ограниченность и однообразную тематику, за злободневность и рационализм. Разногласия с передвижниками, которые испытывал и его друг Левитан, чувство одиночества в искусстве ещё больше сблизило их. Они мечтали о собственном объединении художников. Но в 1900 г. И.И.Левитан умер и этим мечтам не суждено было сбыться. Нестеров тяжело переживал смерть друга. Критиковал Нестерова и А.Н.Бенуа, глубокий ценитель живописи и сам прекрасный художник. Он считал увлечение Нестерова церковными росписями чрезмерным. В поэтическом отражении жизни человека и природы видел он его настоящее призвание и к этому мнению Нестеров не мог не прислушаться. А.П.Остроумова-Лебедева впервые увидела Нестерова 24 февраля 1900 г. Вот как она описывает его: «Нестеров был бледный, среднего роста. Стройный и худой. Лицо тонкое, одухотворённое, с проницательными умными глазами, с высоким выпуклым лбом глубокого мыслителя. Какой замечательный художник! Проникновенный, чистый и возвышенный. Я преклоняюсь перед ним». В 1902 г. Нестеров женится на Е,П.Васильевой. В это время он завершает свою программную картину «Святая Русь». Невольно напрашивается сравнение с картиной «Явление Христа народу» А.Иванова, которого Нестеров очень любил. Тема картины Нестерова — поиск народом истины. В его картине тоже есть «явление Христа народу», но это явление выглядит неубедительно, за что его впоследствии критиковал Л.Н.Толстой. Интересна история его встреч с великим писателем. Для новой программной картины художнику был нужен образ Толстого. В 1906 г. он пишет письмо С.А.Толстой с просьбой о разрешении приехать в Ясную Поляну для набросков с Льва Николаевича и получает от неё уклончивый ответ. Нестеров, однако, решается ехать. Он присутствует на встречах Толстого с его биографом и молча, делает свои наброски. Однажды Толстой обратился к нему с каким-то вопросом. Ответ Нестерова поразил Толстого. «Так вот вы какой!», невольно воскликнул писатель. Он стал беседовать с ним об искусстве и, провожая, просил прислать фотографии своих картин, обещая непременно ответить. После персональной выставки 1907 г. в Петербурге, которая прошла с огромным успехом, С.А.Толстая написала Нестерову письмо с предложением сделать портрет Льва Николаевича. Нестеров ответил согласием и на вопрос о времени приезда получил ответ: «Всегда рады Вас видеть». Во второй свой приезд Нестеров написал портрет Л.Толстого и писатель терпеливо позировал ему. Образ Толстого он вставил в свою последнюю программную картину, которую он первоначально назвал «Христиане». Окончательное название «Душа народа (На Руси)» 1916 г. Революцию Нестеров не принял. Его Россия была разрушена, но уехать за границу, как другие художники, он не захотел. Новая жизнь энтузиазма к работе не вызывала, но чтобы жить необходимо было работать. «Работа, одна работа имеет ещё силу отвлекать меня от свершившегося исторического преступления», писал художник своему другу. Единственное, что мог делать Нестеров после революции , это портреты. Сожалел, что не писал раньше больше портретов, но, взыскательный к себе художник, объяснял это тем, что были портретисты и получше, чем он, например, Серов. К числу удачных портретов этого времени следует отнести портрет дочери Веры «Девушка у пруда», портрет П.Корина, которого знал ещё юношей, потрет художника В.М.Васнецова, к которому всегда испытывал чувства дружбы, и некоторые другие. Его долго уговаривали написать портрет академика И.П.Павлова. Наконец он согласился и поехал к нему в Ленинград. Павлов произвёл на него большое впечатление и знакомство с учёным переросло в дружбу. И учёный, и художник придерживались одинаковых взглядов на жизнь и на то, что произошло с их родиной… Нестеров написал два портрета И.П.Павлова в 1930 и в 1935 гг. За второй портрет он был удостоен (1941) Сталинской премии, одной из первых для деятелей искусств. Он написал ещё много портретов: портрет хирурга С.С.Юдина, скульпторов И.Д.Шадра и В.И.Мухиной, архитектора А.В.Щусева, несколько автопортретов, портреты деятелей искусств и учёных. Массовые репрессии конца 30-х годов не обошли стороной и семью Нестерова. Был арестован и расстрелян зять художника, известный юрист Шретер, а его жена, О.М.Нестерова была сослана. Да и самому, уже пожилому художнику, пришлось две недели провести в Бутырке… В последние годы жизни он работал над воспоминаниями «Давние дни», которые вышли незадолго до его смерти в 1942 г. В этом же году М.В.Нестеров был награждён орденом Трудового Красного Знамени и получил звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР. Похоронен М.В.Нестеров на Новодевичьем кладбище.

Выдающийся русский художник Л.О.Пастернак (1862–1945), чьи произведения представлены в этом зале, родился в Одессе. Художник с мировым именем в советское время был не то чтобы забыт, но значение его, его вклад в русское искусство были сильно занижены. И только теперь на родине ему стали отдавать должное. Он с детства проявлял художественные способности. Любил рисовать углём и эта техника стала в дальнейшем у него излюбленной. Он учился в гимназии и одновременно посещал Одесскую рисовальную школу. После окончания гимназии поступил в Московский университет на медицинский факультет, но затем перешёл на юридический. Безуспешно пытался поступить в МВУЖВЗ, какое-то время учился в московской школе-студии Е.С.Сорокина, брал уроки офорта у И.И.Шишкина. В 1883 г. перевёлся в Новороссийский университет в Одессу. В 1882 г он поступил в Мюнхенскую АХ , где учился в классе знаменитого художника Людвиго фон Гертериха и стал его любимым учеником. В 1885-1886 гг. отбывал воинскую повинность в одесских артиллерийских казармах. После этого он снова поехал в Мюнхен и в 1886 г. закончил АХ с золотой медалью. Одновременно экстерном закончил юридический факультет Новороссийского университета. В 1889 г. Л.Пастернак женится на известной пианистке Р.Кауфман и они поселяются в Москве. В этом же году появляется первая большая картина художника «Письмо из дома», которую П.М.Третьяков приобрёл прямо с мольберта для своей галереи. В Москве Л.Пастернак знакомится со многими выдающимися художниками К.Коровиным, И.Левитаном, А Архиповым, М.Нестеровым и др., которые входят в кружок художников братьев В. и Е.Поленовых. Он пишет портреты, преподаёт и открывает собственную школу. В 1890 г. рождается его первенец Борис, которому суждено было стать великим поэтом. Всего же в семье Пастернаков было два сына и две дочери. В 1891 г. он выполнил иллюстрации к собранию сочинений М.Ю.Лермонтова. На одной из выставок передвижников в 1893 г. на него обратил внимание Л.Н.Толстой. Они познакомились и Пастернак стал часто бывать у Толстых. В результате появилось много портретов писателя и членов его семьи. Пастернак стал одним из лучших иллюстраторов произведений Л.Н. Толстого.

Художник Н.Н.Ге, который дружил с Толстым, как-то сказал Пастернаку: «Толстой Вас любит — это большое счастье». Пастернак первым из русских художников назвал себя импрессионистом, хотя их сильно критиковали передвижники, у которых он выставлялся. Он, как художник, формировался в такое время, когда, усвоив уроки различных течений и направлений прошлых лет, необходимо было двигаться дальше в русле современных тенденций в искусстве. В его произведениях возникли черты модерна. К тому же он был великолепный колорист. Всё это привело к созданию своего оригинального стиля живописи. В это время он становится очень известным портретистом и жанристом. Умение уловить движение модели или характерные черты портретируемого делали его произведения особенно интересными. Это было замечено ещё в начале его деятельности, как портретиста. Так, в 1907 г. для написания одного портрета его специально пригласили в Англию. Его картина «Перед экзаменами»(1894) на международной выставке в Мюнхене получила золотую медаль. Эта картина получила, также, золотую медаль на Всемирной выставке в Париже и была приобретена правительством Франции для Люксембургского музея. Кстати, это первая картина русского художника, приобретённая этим музеем. Картину «Л.Н.Толстой в кругу семьи» в 1902 г. приобрёл великий князь Георгий Михайлович для Русского музея в Петербурге. В 1894 г. Пастернаку предложили должность профессора в МУЖВЗ при условии, что он перейдёт из иудаизма в православие. Художник отклонил это условие, не став изменять вере своего угнетённого народа. Этим поступком он вызвал к себе ещё большее уважение и получил это место. (Заметим, что много позже его сын Б.Л.Пастернак поступил иначе, хотя перед ним никто не ставил никаких условий…) Л.Пастернак не порывал связь с родным городом. Он был официальным представителем ТЮРХ в Москве, а в 1900 г. с группой художников этого объединения во главе с К.К.Костанди совершил поездку в Европу. Он часто выставлялся в ТЮРХ. В 1903 г. он стал членом-учредителем Союза русских художников, участвовал в выставках «Мира искусства» и других художественных объединений России. В 1905 г. он становится академиком Петербургской АХ. Л.Пастернак создал огромную галерею портретов своих современников: Л.Н.Толстого, Ф.Шаляпина, М.Горького, В.Брюсова, С.Рахманинова, С,Прокофьева, И.Мечникова, Э,Верхарна, М.Либермана, Р.М.Рильке и др. Интересна история создания портрета А.Эйнштейна. С великим физиком художник познакомился в советском посольстве в Берлине. Жена П.Пастернака Розалия Исидоровна играла на фортепиано. Среди слушателей был А.Эйнштейн, которого попросили сыграть на скрипке. Л.Пастернак сделал карандашный этюд этого момента. После революции художник какое-то время работал в Москве. Но в 1921 г. вместе с женой и дочерьми уехал в Германию. Сыновья остались в Москве. В Германии он жил и работал долгое время, оставаясь гражданином СССР, но в 1938 г. уехал в Лондон, где жили его дочери. В следующем году от сердечного приступа скончалась его жена. Он написал ещё много картин и портретов, многие из которых хранятся в музее Эшмолин в Оксфорде и в музее Л.Пастернака, созданного там же в 1999 г. В ОХМ хранятся портреты и жанровые произведения художника.

В этом же зале рядом с картинами Жуковского, Бенуа, Пастернака и др., находится большое и живописное полотно выдающегося украинского художника А.А. Мурашко. «В Кафе» (1902). Это картина парижского периода его творчества. Очень жаль, что в нашем музее всего лишь одна картина этого замечательного художника и художественного деятеля , чья жизнь трагически оборвалась в 1919 г.

А.А.Мурашко (1875-1919) родился в Киеве. Мать его была дочерью священника Крачковского, а кто был его отец —неизвестно. В шестилетнем возрасте его взял к себе брат матери в с. Борзна на Черниговщине. Когда ему было 8 лет, его мать вышла замуж за иконописца А.И.Мурашко, который усыновил мальчика. Учился он плохо, но имел страсть к рисованию и много времени уделял этому занятию. Поэтому отчим, который владел иконописной мастерской в Чернигове, решил обучать его профессии иконописца. Вскоре А.И.Мурашко со своей мастерской переехал в Киев, где ему удалось получить подряд на некоторые второстепенные работы по оформлению Владимирского собора. Здесь юный Мурашко познакомился с выдающимися художниками, которые работали в соборе, М.В.Нестеровым, М.А.Врубелем и В.М.Васнецовым. Они обратили внимание на талантливого парня. Братья П.А.и А.А. Сведомские, которые также занимались оформлением собора, рассказали о нём А.Прахову, профессору истории искусств Киевского университета и куратору работ по оформлению Владимирского собора. И художники и Прахов решили, что А.Мурашко должен учиться в АХ в Петербурге, о чём мечтал и сам Александр. Но отчим был против, т.к. хотел сделать из него иконописца и в дальнейшем оставить ему свою мастерскую. Возник конфликт, и Александр в 16 лет ушёл из дома. Он посещает Киевскую рисовальную школу, основанную его дядей Н.И.Мурашко, известным украинским художником, закончившим Петербургскую АХ, другом Репина и Крамского. В это тяжёлое время его очень поддержал Прахов. Он давал ему деньги на жизнь. От Прахова молодой художник получил и свой первый заказ — роспись элементов интерьера церкви Св. Николая на Аскольдовой Могиле. Подошло время Александру ехать в Петербург и Прахов уговорил его отца (ведь Прахов для него был заказчик!) послать сына в АХ.

В 1894 г. А.Мурашко поступил в Высшее художественное училище при Петербургской АХ. Через два с половиной года, он, как отличник, был принят вольнослушателем в АХ в мастерскую И.Е.Репина, который не сразу, но, всё-таки, оценил талант молодого художника. В мастерской Репина художественная манера Мурашко становится более свободной, но, в то же время, строгой и более обобщённой. Уже в ранние годы у А.Мурашко проявляется талант к портретной живописи, которая станет основным направлением его творчества. И он совершенствуется в этом виде живописи. Здесь художник, прежде всего, добивается передачи внутреннего мира и душевных качеств модели. За свою выпускную работу «Похороны кошевого» (1900) он получил золотую медаль, опередив по конкурсу даже «малявинских баб». Тема картины — героическая страница украинского казачества, выбрана, видимо, не без влияния Репина. Работая над картиной, Мурашко тщательно изучил традиции, одежду и другие детали быта запорожского воинства. Ему удалось передать торжественность момента и чувство общего горя запорожцев от потери своего атамана. Золотая медаль давала право на заграничную стажировку и Мурашко отправляется в Париж. Художественная жизнь французской столицы поразила Мурашко своим разнообразием, но наибольшее впечатление на него произвёл импрессионизм, который всё ещё широко применялся. Здесь он написал много картин, отражающих жизнь Парижа. Темой его картин стали городские пейзажи, уличные сцены, ночные кафе, парижанки. Его живописная манера стала ещё более свободной, раскованной и динамичной, мазок широкий и смелый. Целая серия картин носит условное название «В кафе» (другой вариант «Парижанки»). В основном это портреты парижских женщин. Один из них, «Портрет девушки в красной шляпе» (1903), настоящий шедевр. Сочный широкий мазок, контрасты красного и чёрного создают неповторимый живописный эффект. Интересно, что с этой же модели художник пишет другой портрет, который он назвал «Татьяна». Этот портрет отличается от первого и совершенно другими красками и психологической характеристикой образа. Мурашко очень любил этот свой портрет. После Парижа Мурашко направился в Мюнхен — один из крупнейших в то время центров европейского искусства. Этот город привлекал к себе многих художников, в т.ч. и из России. Здесь Мурашко совершенствовался в рисунке, изучал возможности передачи в живописи световых, цветовых и декоративных эффектов. Всё это сказалось на его следующих работах: темпераментный и, в то же время, уверенный, широкий мазок, монументальность композиции, выразительность контуров. Эти особенности стали частью складывающейся уже собственной живописной манеры. Возвратившись в Россию, некоторое время Мурашко работает в Петербурге, занимаясь, в основном. портретной живописью, принимает участие в создании «Нового товарищества художников». К этому времени относится «Портрет О.Нестеровой» (1904). Дочку художника М.В.Нестерова он уже писал четыре года назад. В повзрослевшей, стройной девушке с гордо посаженной головой, он отмечает величавость, и одновременно женственность модели. К его лучшим работам относится и портрет Н. Мурашко «Старый учитель», написанный в том же году. В этом портрете с присущим художнику интересом к внутреннему миру модели, передаётся доброта и мудрость старого учителя. В 1906 г Мурашко пишет картину «Карусель», которая принесла ему золотую медаль на международной выставке в Мюнхене в 1909 г. Он впервые пишет жанровую сцену из народной жизни. Яркие краски народных костюмов, красивые, молодые девушки, стремительное вращение карусели, подчёркнутое развивающимися платками, создают ощущение веселья и праздничности. Это был крупный успех молодого художника за рубежом. Теперь его картины с успехом выставляются в Риме, Венеции. Вене, Амстердаме и других городах Европы. Персональная выставка Мурашко в Берлине была показана, также, в Дюссельдорфе и Кёльне. Художник получает международное признание. За успехами Мурашко, кроме И.Е.Репина, заинтересованно следит и М.В.Нестеров, который с юных лет был для него старшим другом и помощником в творческих делах, что с благодарностью признавал и сам Мурашко. С 1907 г художник живёт в Киеве, продолжает интенсивно работать и выставляться, как в Киеве, так и в Петербурге. В 1909 г Мурашко женился на М.А.Крюгер. Её сестра А.Крюгер-Прахова была художницей и женой Н.Прахова, сына профессора А.Прахова. В 1910-х годах наступает творческая зрелость художника. К этому времени относятся его лучшие жанровые и портретные работы. Он пишет заказные портреты дам из привилегированного общества и портреты крестьянок , жанровые сцены из сельской жизни. В 1909 г. Мурашко начинает преподавать в Киевском художественном училище, созданным на основе школы Н.Мурашко, который в этом году умер. С новым руководством училища взгляды на методику преподавания у Мурашко разошлись и в 1912 г. он уходит оттуда. В следующем году он вместе с А.Крюгер-Праховой открывает собственную школу, в которой одновременно обучалось до ста человек. Из этой школы вышли знаменитые художники и скульпторы: А.Тышлер, Б.Аронсон, И. Бер-Рыбак, Н.Шифрин, Б Гольдфайн и др. Мурашко мечтал превратить Киев в один из центров искусства, создать Украинскую академию художеств, но первая мировая война разрушила эти планы. В 1916 г. он стал основателем Товарищества киевских художников. Предусматривалось, также, организация клуба художников и библиотеки по искусству, а затем и академии. «Мне нужна украинская академия художеств, в родном городе Киеве, где столько света, столько красоты», — говорил Мурашко. В 1917 г. Украинская академия искусства была открыта и исполняющим обязанности ректора был назначен Мурашко. В академии он заведовал мастерской, а кроме того, он ещё работал в это время в Художественном совете при Народном комиссариате по образованию. Вся эта деятельность отнимала у него много времени и для собственного творчества ни сил, ни времени не оставалось. Он, однако, мечтал, что, отдав должное обществу, «будет отпущен для тихой работы». Тем временем в Киеве установилась советская власть, которая любые проявления национального самосознания считала национализмом. Мурашко же, с одной стороны, ратовал за украинское национальное искусство, а с другой, считал себя по происхождению социально близким к большевикам. Тем не менее, однажды, он был арестован ЧК. Благодаря хлопотам друзей, его отпустили. Однако, «национализм» ему, видимо, не простили и 14 июня 1919 года он, при невыясненных обстоятельствах, был злодейски убит. Так трагически оборвалась жизнь этого выдающегося украинского художника…

Наконец здесь же в нише овального зала можно увидеть модель памятника А.В. Суворову в Очакове выдающегося одесского скульптора Б.В. Эдуардса (1860-1924), одного из организаторов нашего музея. Эдуардс родился в Одессе в семье английского коммерсанта. Его мать С.Кирякина происходила из семьи известного на Полтавщине казацкого рода. Бабушка по отцу была испанкой из Гренады. Семья жила в достатке и ничто не предвещало тех невзгод, которые выпали на долю будущего скульптора. Но, когда Борису было 9 лет, отец разорился и семья стала бедствовать. Ему пришлось уйти из училища, т.к. нечем было платить за учёбу. Мальчиком он работал в химлаборатории и на механическом заводе. Условия были тяжёлые и он оставил работу на заводе, за что отец выгнал его из дома. Однажды он увидел картину И.Крамского «Христос в пустыне» и у него проснулось желание быть художником. С большим трудом он был зачислен в Одесскую рисовальную школу (ОРШ) без оплаты за обучение, где учился по вечерам два раза в неделю у известного скульптора Иорини с 1876 по 1881 год. Учился хорошо и за свои успехи получил за годы учёбы четыре поощрительные премии. После окончания ОРШ поступил в Петербургскую АХ (1881-1883), но вынужден был оставить её по состоянию здоровья. Вернувшись в Одессу, продолжал заниматься скульптурой, преподавал в ОРШ. В 1885 и 1887 гг. прошли его персональные выставки в Одессе, где были показаны первые скульптурные произведения Эдуардса. В 1888 г за участие в выставке в Петербургской АХ он получил звание классного художника. Решив открыть в Одессе бронзо-литейную мастерскую, и, не имея опыта в этом деле, он поехал во Францию и работал там на бронзо-литейном заводе рабочим, изучая это дело.

Также он изучал технологию бронзового литья и в Италии. Вернувшись в Одессу, Эдуардс в 1890 г. открывает бронзо-литейную и каменнотёсную мастерские в своём доме в Софиевском переулке. Здесь были выполнены многие замечательные произведения скульптора. Эдуардсу были поручены работы по отливке всех фигур памятника Екатерине II и основателям Одессы, а также по устройству фундамента. В 1890 г. скульптор, вместе с К.К.Костанди и другими одесскими художниками, становится членом-учредителем Товарищества южнорусских художников (ТЮРХ). В 90-х годах он создает мраморные скульптуры: «Шурка» (1896), «Утешение» (1897), «Христос и грешница» (1898) и др. Эдуардс является автором бюстов для памятников: врачу Андриевскому в Куяльнике (1898), Пушкину (1904) и Гоголю (1909) в Харькове, Екатерине II в Екатеринодаре (1907). Огромной заслугой Эдуардса является создание памятников А.В.Суворову: в Очакове (1903), в Рымнике (Румыния, 1913), в Измаиле (1914).

Последнюю и самую нелегкую часть своей жизни Эдуардс провёл на Мальте, куда прибыл в 1919 г. Он страдает от малярии, которой заболел ещё в Екатеринодаре, работая над памятником Екатерине II. Не радуют известия из родной Одессы: его мастерскую разорили. Он живёт один без семьи, т.к. брак с княгиней Т.Ухтомской, с которой у него были дети, оказался неудачным. В 1921 г. он побывал в Германии, где жила в то время его любимая женщина Роза Райш, и возвращается с ней на Мальту. Казалось, жизнь налаживается, но в 1922 г. от скоротечной чахотки умирает его 20-летняя дочь, а в следующем году и его сын… Живя на Мальте он тяжело работает, создает интересные произведения, которые показывает на ежегодных выставках. В 1924 г. Б.В.Эдуардс умер. Некоторые его скульптуры хранятся в музее города Ла Валлетта на Мальте, а вот могила его затерялась. В 2008 г на Мальте побывала делегация одесситов. Там состоялись мероприятия, посвящённые наступающему 85-летию со дня смерти скульптора. Была найдена его могила и на ней установлена памятная плита. В ОХМ хранятся 17 произведений Б.В.Эдуардса.

Ещё одним выдающимся художником, который родился и вырос в Одессе, но получил всероссийскую известность, был И.Э.Браз (1873–1936). Он был, прежде всего, знаменитым портретистом и выдающийся художник и критик А.Н.Бенуа называл его одним из лучших в этом жанре. Значение творчества Браза для русского искусства долгое время недооценивалось и только в последние годы интерес к нему возрос. После окончания гимназии в 1889 г. Браз поступает в ОХУ, учится у К.К.Костанди и оканчил училище с бронзовой медалью. Дальнейшее художественное образование Браз получил в Мюнхене, сначала у художника Ш.Халлоши, а потом в Мюнхенской АХ. С 1894 г. он некоторое время живёт в Париже, затем в Голландии и в 1895 г. возвращается в Россию. К этому времени он уже сложившийся художник, но чтобы жить и работать в Петербурге ему нужен диплом об окончании АХ, куда он и поступает в том же году. Уже в следующем году за серию портретов (вместо конкурсной работы) он получил звание классного художника. Его «Портрет Е.М.Мартыновой» приобретает П.М.Третьяков, который, кроме того, заказывает ему ещё два портрета: А.П.Чехова и В.Ф.Комиссаржевской. Портрет Чехова Браз писал в 1897–1898 годах и писатель позировал ему иногда два раза в день, а, чтобы его закончить специально приезжал в Ниццу, где Чехов лечился. Этот портрет — единственный прижизненный портрет писателя. Портрет Чехова работы одесского художника П.Нилуса остался незаконченным ввиду смерти писателя. В эти годы он написал, также ряд портретов своих коллег-художников: А.П.Соколова, К.К.Первухина, Н.Д.Кузнецова, Л.О.Пастернака, М.В.Добужинского, К.А.Сомова, И.Ф.Гинцбурга и др. В 1896-1899 гг. Браз регулярно выставлялся в ТЮРХ. В начале ХХ в Браз уже очень известный художник. В своём искусстве в это время он является представителем одесской школы, но его живопись отличается более широким, свободным мазком и интенсивностью цвета. Браз преподаёт в своей студии и у него учатся будущие выдающиеся художники Е.Е.Лансере и его сестра З.Е.Серебрякова, очерк о которой читайте ниже. Он преподает, также, в .рисовальной школе Общества поощрения художников. С 1900 г. Браз член общества «Мир искусства» (он казначей общества), а затем становится и членом Союза русских художников (СРХ) и регулярно участвует в выставках. После известного разрыва между петербургскими («Мир искусства») и московскими (СРХ) художниками в 1910 г. Браз выходит из СРХ. Художник работает в разных жанрах. Кроме портретов, пишет пейзажи и натюрморты, занимается литографией. В 1907-1911 гг. Браз живёт во Франции. В это время под влиянием современного французского искусства живопись Браза меняется, особенно пейзаж, который становится более простым по композиции, а цвет ещё более интенсивным. После возвращения в Россию работает в различных местах страны: пишет пейзажи в Крыму (1913), в Финляндии (1915–1917) В 1914 г. Браз избирается академиком Петербургской АХ. Он выдающийся знаток европейского искусства, в особенности, голландского. Поэтому в 1916 г. его включают в комиссию по реставрации картин Эрмитажа. 

В первые годы после революции жизнь и творчество Браза складываются вполне благоприятно. Он заведует отделом голландской живописи в Эрмитаже, преподаёт в Академии художеств, которая с 1921 г. вновь стала так называться (впрочем, название будет ещё не раз меняться), занимается коллекционированием, которым увлекался всю жизнь. Однако в 1924 г. его неожиданно арестовывают и предъявляют обвинения в том. что он скупает произведения искусства с целью перепродажи их за границу. Ему, человеку в вышей степени порядочному (вспомним, что в объединении «Мир искусства он был казначеем!), предъявляют и другие нелепые обвинения…Заступничество друзей-художников не помогает. М.Волошин пишет в Красный крест Е.П.Пешковой — всё напрасно. Его отправляют на Соловки в печально известный СЛОН… Коллекцию, которую он собирал всю жизнь, конфискуют. Жена Браза с сыновьями уезжает в Германию к родственникам. У Браза в лагере обостряется туберкулёз. Вскоре из Германии приходит печальное известие о смерти одного из сыновей художника. Через некоторое время в ответ на ходатайства об освобождении Браза, в т.ч. и из-за рубежа, его выпускают на свободу, но он должен находиться в ссылке в Новгороде. Здесь он занимается реставрацией картин в местном музее. В 1928 г. ему разрешают уехать к семье в Германию. Он едва успевает застать в живых второго сына, который вскоре умирает, тоже от туберкулёза… Браз много работает, чтобы заглушить страшное горе. В Германии неспокойно, нацисты готовятся захватить власть и художник уезжает в Париж, где он продолжает много работать. Искусствоведы считают, что к 1930 году мастерство Браза достигло самого высокого уровня. В этом году в Париже состоялась его персональная выставка. После смерти близких он уединяется в предместье Парижа и в 1936 г. умирает.

В ОХМ имеется 12 живописных и графических произведений Браза.

4.Товарищество южнорусских художников (ТЮРХ).

Одним из организаторов ОХМ был выдающийся художник К.К. Костанди (1852–1921), который, также был одним из учредителей, а с 1902 г. бессменным председателем ТЮРХ. Вся деятельность ТЮРХ неразрывно связана с его именем. К.К.Костанди — самый известный художник Одессы, её гордость, выдающийся художественный деятель и педагог, замечательный человек. Прекрасны его пейзажи «Цветущая сирень» (1902), «Ранняя весна» (1915), «Вечер» (1896) и многие другие. Как и у Левитана, это пейзаж настроения, но у Костанди в большинстве случаев присутствует человек. Он писал, также жанровые картины и портреты.

Родился будущий художник в селе Дофиновка недалеко от Одессы в бедной семье греческого рыбака. Он рано лишился отца и вынужден был работать мальчиком на побегушках то в бакалейной лавке, то в винном погребке. Рисовать любил с детства и один фотограф, однажды, увидев рисунки мальчика, пригласил его к себе ретушёром. Проработав у этого фотографа два года, молодой человек в 1870 г. поступил в Одесскую рисовальную школу (ОРШ). В 1873 г. Костанди за свои портреты, натюрморты и рисунки получил серебряную медаль. Его работы были посланы в Петербургскую АХ на предмет поступления туда способного ученика. Однако денег на учёбу в академии не было. Помог И.К.Айвазовский, который, увидев его работы, написал рекомендательное письмо. В 1874 г. Костанди был принят в АХ вольнослушателем, а три года спустя зачислен студентом в класс профессора П.П.Чистякова. В АХ в то время процветал академизм, но Чистяков выступал против академической рутины. И только его ценил, только к нему прислушивался молодой Костанди. Он много времени проводил в Эрмитаже, копируя Тициана и Рубенса. Уже первые работы молодого Костанди вызвали горячее одобрение Репина и Крамского. В 1876 г. Костанди за свои работы получает две малые, а три года спустя и Боьшую серебряные медали. В 1881 г. он был награждён ещё одной Большой серебрянной медалью. Картину «У больного товарища», выставленную в Товариществе передвижных художественных выставок (ТПХВ) в 1884 г, по совету Репина приобрёл П.Третьяков. Костанди был одним из первых русских художников, последовавших за импрессионистами. Он уже тогда добивался в своих картинах и удивительной игры рефлексов и яркого вибрирующего света. Он перенял у них принцип пленерной живописи, и широкий мазок, и учёт воздушной среды, и светлую палитру и многое другое. Но Костанди никогда не ставил перед собой задачу передать быстро ускользающую натуру, как это делали импрессионисты. В своих произведениях он передавал не мимолётное впечатление, но добивался обобщений, так, что его картины и даже этюды имели законченный вид. Можно сказать, что он соединил в своём творчестве технику импрессионистов с традициями реалистической живописи. Это было то новое, что он внёс в русскую живопись, и по своему значению в то время, по мнению его ученика и друга Б.И.Эгиза, рядом с ним можно было поставить лишь В.А.Серова, которого Костанди очень любил и дружил с ним. Учась в АХ, Костанди посещал, также, педагогические курсы при ней, а после окончания академии (1882) в 1885 г. вернулся в Одессу. В этом же году он начинает работать в Одесской рисовальной школе (ОРШ), которая с 1889 г. стала называться ОХУ под патронажем Петербургской АХ. Тогда же, на очередной выставке ТПХВ он выставил свои картины «Прощание» и «В люди», хорошо принятые публикой. В 1887 г. Костанди вместе со своими друзьями-художниками Д.Д. и Н.Д.Кузнецовыми (очерки о них см. ниже) выезжает за границу. Они посетили Германию, Австрию и Италию. После возвращения, в 1888 г. Костанди выставляет свои известные картины «Девочка с гусями» и «Больная на даче» на 16-й выставке ТПХВ. В 1889 г. он женится на Е.К.Князевой (1863–1947) вместе с которой они создали большую и дружную семью, в которой было 9 детей. В 1890 г. художник пишет картину «Ранняя весна» за которую он получил диплом и Большую бронзовую медаль на Всемирной выставке в Париже 1900 г.

В 1890 г. одесские художники К.К.Костанди, А.А.Попов, Н.Д.Кузнецов, скульптор Б.В.Эдуардс и др. становятся учредителями Товарищества южно-русских художников (ТЮРХ), которое сыграло огромную роль не только в художественной жизни юга России, но стало событием для всего русского искусства. За время выставок ТЮРХ в них участвовало около 350 художников, в т.ч. и такие, которые были известны не только в России, но и в Европе. Выставки товарищества проходили ежегодно и показывались во многих городах юга России, а иногда в Харькове и в Москве. Кроме ежегодных осенних выставок, устраивались и весенние, а также благотворительные выставки. С 1902 г. бессменным председателем правления ТЮРХа стал Костанди. Товарищество просуществовало до 1922 г. и продолжало существовать дальше уже как Художественное общество имени К.К.Костанди.

В 1894 г. художники Одессы направили Костанди делегатом на 1-й сьезд русских художников и любителей искусства в Москву, посвящённый знаменательному событию — передачи П.М.Третьяковым своей коллекции городу Москве. Съезд состоялся в Историческом музее. Сам Третьяков на съезде не присутствовал, т.к. не хотел выслушивать неизбежные благодарственные речи в свой адрес. На съезде с проникновенной речью выступил художник Н.Н.Ге. Он сказал: «Третьяков не есть только коллектор: это есть человек, любящий искусство, высоко просвещенный, любящий художника, любящий человека и умеющий отказаться от своих личных вкусов во имя общего блага». В этом же году Костанди со своими учениками Нилусом и Буковецким совершает второе путешествие за границу. В 1897 г. он становится членом ТПХВ и продолжает регулярно там выставляться. Костанди писал этюды и картины, гораздо реже — портреты. Он очень любил писать этюды и предпочитал их картинам, особенно, если находился под сильным впечатлением от какого-то поразившего его вида. Картины он тоже писал с натуры, но предварительно делал много этюдов. Над картинами он работал очень долго, переписывая их много раз. Несмотря на это, как вспоминает Б.Эгиз, его картины «никогда не производили впечатления вымученности, сухости и отличались свежестью». Он редко писал быстро меняющуюся натуру, например море, хотя обладал хорошей зрительной памятью. В 1900 г. Костанди с учениками в третий раз отправляется за границу. В поездке участвует и Л.Пастернак. В 1902 г. он пишет свою знаменитую картину «Сирень цветёт». На скамейке перед монастырём на фоне цветущей сирени сидит молодой послушник. О чём он думает? Правильно ли, что решил посвятить себя аскетическому служению Богу? Весна, цветущая природа представляют резкий контраст с его тяжёлыми думами. Послушник — лицо не выдуманное Костанди.

В.М. Алексеев происходил из крестьян Воронежской губернии, готовился принять постриг в Свято-Успенском монастыре на Большом Фонтане. Он обладал художественными способностями и, под влиянием Костанди, в 1901 г. поступил в ОХУ, а затем (1907) и в АХ. Учился у Н.Н.Дубовского. В 1915 г. получил звание художника. Он преподавал и участвовал во многих выставках АХ и ТПХВ. После революции жил в Риге. В 1907 г. Костанди становится членом Петербургской АХ. Ему неоднократно предлагают должность профессора в АХ, но Костанди очень любит южную природу, Одессу и не хочет оставлять своих учеников в ОХУ, где он вёл пейзажный класс. В 1910 г широко отмечалось 25-летие его художественной деятельности. Со всех концов России пришли приветственные телеграммы. Поздравляя его, И.Е.Репин писал: «От Ваших картин всегда веет теплотой, жизнью и красотой». В 1917 г. по требованию художников города Костанди возглавляет Одесский городской музей, как тогда назывался ОХМ, хотя у городских властей была другая кандидатура. В последние годы жизни его творческая активность снижается: административная деятельность, преподавание, участие во многих комиссиях, заботы о большой семье не оставляют времени для творчества. Невзгоды, обрушившиеся на художника и его семью в послереволюционное время, гибель сына в 1920 г. подорвали его силы. В 1921 г. состояние здоровья его ухудшается. Его отправили для лечения в санаторий. Весь город с волнением следил за его здоровьем. Врачи запрещают ему работать, но художник тайком пишет этюды. До последнего часа жизни с ним были его семья, друзья-ученики Эгиз и Стилиануди.

К.К.Костанди написал большое количество картин, которые находятся во многих музеях России и Украины, в зарубежных музеях. В ОХМ находятся 36 живописных произведений и 7 альбомов с рисунками Костанди. Он воспитал огромное количество первоклассных художников. Среди его учеников: С.Колесников, Т.Дворников, О. Браз, Ю.Бершадский, Е.Буковецкий, Т.Фраерман, П.Нилус, П.Волокидин, А.Лаховский, А.Стилиануди, А.Шовкуненко, Д.Крайнев, Б.Эгиз и др.

Корифеем одесской школы живописи был, также, Н.Д. Кузнецов (1850–1929). Выдающийся российский художник, замечательный портретист и жанрист, академик, профессор Петербургской АХ, один из учредителей ТЮРХ, коллекционер. В музее экспонируется портрет коллекционера А.П. Руссова (1900), живо и мастерски выполненный. Другая его картина «В скульптурной мастерской. Снятие формы» передает и увлеченность скульптура (на картине изображён скульптор Б.В.Эдуардс) и непривычные ощущения молодой женщины, с груди которой снимается гипсовый слепок.

Родился будущий художник в родовой усадьбе богатого землевладельца Степановке, недалеко от Одессы. Отец, как и его братья, был военный. Для получения образования его определили в одесскую гимназию, но учёба не увлекала мальчика и вскоре он вернулся в имение родителей. Он проводил всё время на охоте, занимался верховой ездой и другими сельскими развлечениями. Мать заметила у него художественные способности и его отдали в обучение к преподавателю Одесской рисовальной школы Ф.Д.Мальману. Его замечательные способности очень быстро подтвердились, но он не спешит связать свою судьбу с живописью. В 1876 г. молодой Кузнецов едет в Петербург поступать на военную службу в гвардейский уланский полк, для чего у него были прекрасные данные: необычайная физическая сила, он прекрасный наездник и, наконец, он из семьи военных. Но командир полка оказался болен, не принял его и Кузнецов неожиданно принимает решение поступать в Петербургскую АХ. Будучи вольнослушателем, он не так много времени уделял занятиям, часто отлучался на родину и много писал у себя в имении. Тем не менее, за неполные три года пребывания в академии (он занимался там лишь в зимние месяцы) он получил три серебряные медали. В 1879 г. Кузнецов по совету И.Крамского и И.Шишкина оставляет академию и уезжает в Степановку. Он знакомится со своей будущей женой, простой девушкой, приехавшей на заработки с земляками с Волыни. Мать препятствует их браку. Несмотря на это он живёт с ней и в 1880 г. у них рождается дочь Мария, которой суждено было стать выдающейся певицей и танцовщицей. (М.Н.Кузнецова-Бенуа в 1905-1917 гг. была солисткой Мариинского театра, неоднократно пела вместе с Шаляпиным. Её гастроли проходили с грандиозным успехом во многих театрах России , Европы и Америки. Она стала создательницей частной оперы в Париже, гастролировавшей, также, в Мадриде, Мюнхене, Милане. В 1934 г. в Париже широко отмечалось 30-летие её творческой деятельности).

В 1880–1890 гг. Кузнецов занимается, в основном, портретной живописью. Он пишет портреты крестьян, портреты коллег-художников: В.М. и А.М. Васнецовых, В.Д.Поленова, И.П.Похитонова, А.Н.Бенуа, портреты П.И.Чайковского и Ф.И.Шаляпина, видных одесских коллекционеров А.П.Руссова , отца и сына М.М. и М.М. Толстых и др. Кузнецов написал портрет своего брата-художника Д.Д.Кузнецова, несколько портретов своей знаменитой дочери М.Н.Кузнецовой-Бенуа, в т.ч., изобразив её в оперных ролях.

 В 1883 г. он становится членом ТПХВ, а в 1887 одним из членов-учредителей ТЮРХ. В этом же году братья Кузнецовы вместе со своим другом К.К.Костанди побывали за границей. В 1890 г. Кузнецов поселился в родовом имении Степановке, где у него бывали Ф.И.Шаляпин, И.И.Мечников, с которым его связывали родственные узы, Л.О.Пастернак со своей женой Р. Кауфман. Здесь подолгу жили и работали его друзья Репин, Костанди, Врубель, Похитонов, Куприн, Браз, Розмарицын. В.А.Серов в 1885 г. прожил в Степановке осень и написал здесь свою картину «Волы». В 1893 г. Кузнецов поселился в Одессе. В 1895 г. по представлению И.Е.Репина Кузнецов избирается членом Петербургской АХ. В 1895-1897 гг. является профессором класса батальной живописи в художественном училище при АХ. В 1897 г. Кузнецов возвращается в Одессу и строит картинную галерею для своей коллекции живописи. Здесь же размещается его мастерская. В картинной галерее Кузнецова было много картин русских и западноевропейских художников. Интересно, что, благодаря своему могучему телосложению, друзья-художники используют его в качестве модели в своих картинах. Так, И.Репин в своей знаменитой картине «Запорожцы…» написал с него казака с перевязанной головой, а В.М.Васнецов богатыря в одной из своих картин. Известны и другие примеры. Н.Д.Кузнецов пользовался в Одессе большим уважением. Его мастерская была своеобразным культурным центром, где собирались художники, писатели, музыканты, деятели науки. Картинная галерея была открыта для широкой публики. Но в начале ХХ в наступили другие времена. Войны, революция, гражданская война. С приходом советской власти начались массовые реквизиции собственности, о чём писалось выше. Коснулось это и Кузнецова. Многие представители интеллигенции, в т.ч. художники, стали покидать Одессу. Кузнецов был уже стар и не спешил уезжать. К тому же, красные ушли и появилась надежда, что всё образуется. Но в начале 1920 г. советская власть установилась в городе окончательно и художник принял решение уехать из России. Сначала он жил в Париже, но затем переехал в Сербию, где уже жил его сын Михаил и младшая дочь Людмила. Он был принят при дворе короля Александра, писал много заказных портретов, участвовал в выставках. Так, в 1923 г. состоялась его выставка (совместно с П.А.Самоновым) в Варшаве. Художник участвовал в выставке русской живописи и скульптуры в Бруклинском музее. В 1924 г. в Париже состоялась его выставка, причём в честь Кузнецова был дан концерт. Его картины экспонировались там же в Осеннем салоне 1925 г. В 1928 г. он участвовал в выставке Общества русских художников в Королевстве СХС (Королевстве сербов, хорватов и словенов). В 1929 г. Н.Д.Кузнецов умер. Творческое наследие выдающегося художника широко представлено во многих музеях бывшего Союза, в т.ч. в Русском музее и Третьяковской галерее. В ОХМ имеется 18 произведений Н.Д.Кузнецова. В Одессе чтут память выдающегося земляка: проводятся конференции, посвящённые его творчеству, совместные работы художников в его бывшем имении в Степановке.

Д.Д.Кузнецов (1852–1924), как и его брат Н.Д.Кузнецов, был художественно одарённым человеком. Детство его прошло, также, в Степановке, но, в отличие от брата, он увлекался естественными науками. Поэтому после окончания гимназии он в 1871 г. поступил на физико-математический факультет Новороссийского университета в Одессе, который закончил в 1876 г. О его жизни известно гораздо меньше, чем о жизни его выдающегося брата. Занятий живописью он не прекращал никогда и достиг в искусстве немалых успехов, о чём свидетельствуют оставленные им картины. В 1890-х годах Д.Д.Кузнецов поселился в Париже и в Одессе бывал наездами, продолжая выставляться в ТЮРХ, членом которого он был в 1891–1893 гг. В Париже у него была мастерская, которой пользовались многие художники, приезжавшие из России. С 1899 г. он выставлялся в художественном салоне Марсова поля. В 1924 г. Д.Д.Кузнецов трагически погиб, попав под автобус. Художник оставил нам замечательный портрет руководителя ТЮРХ и друга братьев Кузнецовых К.К.Костанди (1891), который находится в нашем музее.

Ярким представителем южнорусской пейзажной живописи был Г.С. Головков (1863–1909). Хороши его сельские пейзажи, а картина с парусниками «Дубки» стала одним из символов нашего музея.

Родился будущий художник в Одессе на Молдаванке в небогатой мещанской семье. В 1881–1883 гг. Головков учился в Одесской рисовальной школе , а в 1883 г. поступил в Петербургскую АХ вольнослушателем. Учился он у известного художника, академика живописи М.П.Клодта и учился довольно успешно. Так. в 1886 г. он получил малую серебряную медаль, а в следующем году за картину «Вид скал и моря» был награждён и большой серебряной медалью. В 1889 г. Головков покидает АХ и возвращается в Одессу. В 1890-е годы он часто гостит в Виннице у своего друга художника Коренева и привозит оттуда в Одессу картины, которые своей свежестью и прекрасным колоритом обращают на себя внимание и публики и коллег-художников. В эти годы он выставляется в ТЮРХ, а в 1893 г. становится членом этого объединения. Он посещает четверги художника Е.Буковецкого, где бывают знаменитые писатели И.Бунин и А.Куприн, известные одесские художники П.Нилус, Т.Дворников, Н.Кузнецов и др. Многие из них становятся его друзьями. В 1900 г. вместе с группой одесских художников Головков посетил Всемирную выставку в Париже. Западное искусство произвело на него большое впечатление. По приезде в Одессу он много работает в мастерской Н.Кузнецова, который ему покровительствует, в имении Панкеевых (с.Васильевка), в семье которых считается своим человеком. В эти годы он выставляется в ТЮРХ и в ТПХВ. Его излюбленные мотивы: зима и весна, море и порт, сельские и городские пейзажи. Художник создаёт замечательные полотна: «Зимний пейзаж» ( 1890-е годы), «На яхте» (1900-е годы), «Двор» (1898 и 1901) и др. В 1907 г он принимает участие в выставке русского искусства организованной С.Дягилевым в Парижском салоне. Его картины висят рядом с картинами самых выдающихся русских художников В.Серова, И.Репина, А.Бенуа. Он выставляется в Берлинском Сецессионе, где пользуется большим успехом, в т.ч. коммерческим.

В том же году он становится членом Международного союза искусств и литературы, что свидетельствует о его международном признании. Однако, весной 1908 г. у него обнаружили рак горла. Последний его большой успех — Большая золотая медаль на Международной выставке в Мюнхене 1909 г. В ноябре того же года в Берлине во время операции Г.С.Головков скончался. Похоронен в Одессе. Есть художники, которые быстро проходят стадии ученичества, подражательства и находят свою манеру выражения, свой оригинальный стиль. П.Нилус, уже после ранней смерти Г.Головкова, выделил следующие этапы его творчества: академический, «винницкий», подражательный и зрелый, когда художник нашёл свою живописную манеру,— последние 3-4 года своей жизни. Довольно поздно для такого большого художника, каким был Головков. Его последние произведения обещали выдающиеся достижения в живописи, но жизнь оборвалась слишком рано…Становление его, как оригинального художника затянулось, возможно, из-за длительного пребывания в АХ, где в то время господствовал академизм. Не случайно, ведь, И.Крамской и И.Шишкин настоятельно советовали другому одесскому художнику Н.Кузнецову уйти из академии. Головков тоже ушёл из академии, не доучившись, но только из-за нехватки средств. Его учитель М.П.Клодт (он, также, представлен в ОХМ) был заметной фигурой в русской живописи. Этот художник был одним из зачинателей критического реализма в русском искусстве и одним из учредителей ТПХВ. Его картины были первыми, которые приобрёл П.М.Третьяков для своей коллекции. Но в саму живописную палитру передвижники, и Клодт в т.ч., не внесли ничего нового (см. очерк о художнике К.Сомове). Историк искусства Я.Минченков, знавший М.Клодта, писал, что «Клодт со своей тёмной живописью показался устаревшим и затерялся на выставках». Не удивительно, что Клодт выступил с критической статьёй против такого яркого и самобытного художника, как А.И.Куинджи (обвиняя его в однообразии?!), после чего последний вышел из ТПХВ в знак протеста, но, конечно, ещё и потому, что принципы передвижников очень ограничивали его творчество. Великий пейзажист А.И.Куинджи (1842–1910) представлен в ОХМ четырьмя полотнами.

Но вернёмся к Г.Головкову. Только после ухода из академии, в его «винницкий» период, как говорилось выше, появились картины, отмеченные новизной и свежестью. Потом было увлечение западным искусством, впрочем, вряд ли бесполезное для художника. Этот период в начале 1900-х годов Нилус назвал подражательным. И только в последний, короткий период своей жизни его творчество стало пользоваться заслуженным признанием, в т.ч. и международным. В 1911 г. Н.Кузнецов организовал посмертную выставку Г.Головкова в Одессе, а Одесская рисовальная школа учредила премию его имени.

Выдающийся одесский художник, а также, известный журналист и писатель П.А. Нилус (1869–1943) был пейзажистом и жанристом. В музее много его работ. В небольшой картине «На мостике. Лето» море тихое, голубое, каким помнится с детства. В другой его картине «Чтение телеграммы о Цусимском бое» (1904) атмосфера трагическая и тревожная. На лужах красные отсветы зари, как кровь…

П.А.Нилус родился в с. Бушены Подольской губернии. Его мать М.Н.Словецкая была мещанкой, а об отце достоверных сведений не сохранилось. С 1876 мальчик воспитывался в семье отчима А.Б.Нилуса в Одессе и получил его отчество и фамилию. (Некоторые исследователи утверждают, что это и был его отец). В 1879 г. Нилус поступил в реальное училище, но не окончил его. В это время у него обнаружились художественные способности и его решено было отдать в ОРШ, где он успешно учился в 1883–1889 гг. у К.К.Костанди и Е.О Буковецкого. В 1889 г. по рекомендации своих учителей он поступает в Петербургскую АХ к И.Е.Репину. Вскоре, однако, он бросает учёбу и возвращается в Одессу, где вступает в только что основанное ТЮРХ. Он много пишет и выставляется в этом объединении. В 1890 г. Нилус побывал в Европе, где познакомился с работами импрессионистов и увлёкся их живописью. Он быстро становится одним из видных художников ТЮРХ и одновременно выставляется в ТПХВ. Говоря о тематике своего творчества, то, по словам Нилуса, он вначале был правоверным передвижником, но затем в его живописи началась эволюция от крайнего реализма к индивидуализму. Он пишет элегические пейзажи, бытовые сцены без всякой социальной проблематики. К.И.Чуковский в «Одесских новостях» (1904) критиковал его за декаденство, имея в виду увлечение Нилуса изображением томных женщин с утончёнными манерами. и т.п. Ещё в 1898 г. состоялось знакомство Нилуса с Буниным, которое переросло в дружбу на всю жизнь. В 1902 г. в Ялте Бунин познакомил Нилуса с Чеховым и художник захотел написать портрет великого писателя. Чехов уже тяжело болел и позировать согласился неохотно. В течение последующих лет было несколько сеансов. В 1904 г. Чехов умер и остался только эскиз к портрету.

Выше писалось об эволюции тематики произведений Нилуса, но и техника его живописи менялась. От традиционной академической техники передвижников Нилус всё больше склонялся к южнорусскому импрессионизму. Нилус, однако, как и многие одесские художники, Костанди, Кузнецов, Головков и др., продолжали выставляться в ТПХВ. Это давало возможность заявить о себе на всероссийском уровне. И, надо сказать, одесские художники были замечены на выставках ТПХВ. Выше говорилось о впечатлении, которое произвели одесские художники на И.Репина. Тогда (1893) Репин упомянул и молодого Нилуса. На юбилейной ХХХ выставке ТПХВ 1902 г. снова участвовали художники из Одессы. Вот отзыв известного журналиста и художественного критика Н.Г.Вучетича: «Наши южнорусские художники-одесситы занимают в выставке очень видные места и безусловно обращают на себя внимание своими талантливыми произведениями». Нилус показал на выставке четыре картины, в т.ч. картину «Одиночество», хорошо принятую публикой. Между прочим, так же называется известное стихотворение И.Бунина, которое он посвятил Нилусу. Возможно, из-за этого считается, что стихотворение навеяно картиной Нилуса. Оно было написано летом 1903 г. в Константинополе, куда Бунин уехал после тяжёлого для него развода с Анной Цакни (см. выше). Он испытывал горечь утраты и страдал. Строки стихотворения говорят об этом:

Мне крикнуть хотелось вослед:
«Воротись, я сроднился с тобой!»
Но для женщины прошлого нет:
Разлюбила — и стал ей чужой.
Что ж! Камин затоплю, буду пить…
Хорошо бы собаку купить.

Нилус известен, прежде всего, как талантливый художник, но активно занимался и литературной деятельностью, был известным журналистом, выступал, как художественный критик. Он был членом Одесского общества изящных искусств и одним из организаторов Литературно-художественного общества. Нилус писал в одесских газетах обзоры о художественных выставках, делился своими мыслями о совремённом искусстве, участвовал в различных сборниках, в т.ч. и благотворительных, например, в пользу еврейских детей, оставшихся сиротами после погрома 1905 г. В это же время был редактором-издателем сатирического журнала «Звон», выпустил несколько книг рассказов.

В 1915 г. в Одессе широко отмечалось 25-летие творческой деятельности П.А.Нилуса. Этому событию была посвящена большая выставка в Литературно-артистическом клубе. Художник сам разделил своё творчество на три этапа, причём, сначала посетители могли видеть третий этап (1903–1915). Этим Нилус хотел сказать, что этот этап, а в особенности последние пять лет, и есть «настоящий Нилус». К первому раннему этапу он относил работы до конца 90-х годов и называл его передвижническим. Второй этап считал переходным. Настоящий Нилус не добросовестный рассказчик жизненной суеты, не протоколист в стиле старых передвижников, а поэт, для которого важны не литературные, а чисто художественные сюжеты. Недаром Бунин называл Нилуса «поэтом живописи».

Революцию 1917 г. Нилус, как-будто, принял, даже написал серию картин «Манифестация» по следам политических событий. Но, в конце концов, большевики с их расстрелами и реквизициями оттолкнули его. После занятия города армией Деникина, он стал сотрудничать с белыми, а после их ухода навсегда покинул Россию. Сначала жил в Болгарии, потом в Австрии. Там познакомился с Б.С.Голубовской, которая с дочерью бежала из Харькова, где чекисты расстреляли её мужа. Эта женщина стала его женой. Некоторое время они жили в Королевстве СХС, но в конце 1923 г. он с семьёй обосновался в Париже. В это время Нилус много писал. Его персональные выставки состоялись в Загребе, Бухаресте, Белграде. В Париже Нилус писал картины, темы которых были навеяны сюжетами из ХIХ в. Женщины в кринолинах, символико-романтические городские пейзажи, натюрморты. Такая живопись нравилась французам, картины охотно покупались. В 20-е и 30-е годы состоялось большое количество его персональных выставок в салонах Национального общества изящных искусств, Независимых, в Осеннем салоне. Он участвовал в выставках русского искусства в Берлине (1930), в Париже (1928,1931,1932), Праге (1935), Две его картины были приобретены Люксембургским музеем. В Париже он жил в одном доме с Буниным и Куприным. Все трое дружили между собой. Нилус продолжал писать прозу, занимался благотворительной деятельностью.

Интересно, что существовал ещё один печально-известный Нилус, черносотенец и антисемит, который, якобы по заданию царской охранки, ввёл в обиход пресловутые «Тайны сионских мудрецов». Их потом использовали в своей пропаганде и нацисты. Этот Нилус приходился художнику троюродным братом (?). Нилус-художник об этом человеке отзывался неодобрительно и не общался с ним. Могло ли быть иначе, если художник дружил с Буниным, который в этом вопросе был безупречно порядочным человеком. К тому же, жена художника Нилуса была еврейкой.

П.А.Нилус умер в Париже в 1943 г. Его произведения хранятся во многих музеях бывшего Союза, Европы и в США. В ОХМ хранится 34 произведения Нилуса. Его приёмная дочь В.Голубовская передала в Воронежский музей им. И. И.Крамского 73 произведения Нилуса парижского периода для будущего музея И.Бунина в Воронеже.

Классиком южнорусской школы живописи был Т.Я. Дворников (1862–1922). Его пейзажи маслом и пастелью выполнены с огромным мастерством. Картина «Сирень цветет» передает лучшую пору одесской весны, когда цветут, также, и каштан и черемуха, а в конце мая и акация. Сюжет этой, одной из лучших картин Дворникова, прост: кусты сирени, трава, но кажется, глядя на картину, что вы почти физически ощущаете запах сирени. К вечеру он сильнее, а на картине предвечерний час. О.Мандельштам нашёл поэтический эквивалент этому:

Художник нам изобразил
Глубокий обморок сирени…

Т.Я. Дворников был видным художественным деятелем. Его участие в становлении Одесского художественного музея трудно переоценить. Именно он стал хранителем музея в сложные предреволюционные годы после трагической гибели друга Бунина и Куприна В.П. Куровского, бывшего хранителем музея до этого.

Родился художник в крестьянской семье в с. Мащенки Курской губернии. Через некоторое время семья переехала в Харьков, где отец занялся выпечкой и продажей хлеба. Будущий художник помогал отцу в деле и одновременно учился в Харьковской рисовальной школе. Дворников продолжил учебу в Одессе в ОРШ у Костанди (1889–1991). и на всю жизнь остался его поклонником и учеником. После окончания ОРШ стал вольнослушателем в Петербургскую АХ, но, не являясь её студентом, по окончании, по рекомендации ОРШ, получил право преподавать черчение и рисование в средних учебных заведениях, чем и стал заниматься, вернувшись в Одессу в 1897 г. Ещё будучи в АХ, стал выставляться в ТЮРХ, а затем и у передвижников. Только в 1913 г. он стал преподавать в ОХУ, затем был назначен профессором, руководителем мастерской живописи. Все, кто знал его, отмечают, что был он очень тихим, скромным и застенчивым человеком. А.М.Фёдоров: «…друзья знали его со всем его чутким, благородным умом, ребяческой застенчивостью». А.М.Дерибас: «Жизнь сложилась так, что своё творчество он должен был надолго оставлять, чтобы ради заработка заниматься школьным преподаванием».. Хорошо знавший его, профессор В.Ф. Лазурский отмечал его огромный талант, скромность, неутомимость и личное обаяние. Лазурский писал: «..он делал удачные портреты, но вся сила его таланта проявлялась в пейзаже. Этюды показывают, как внимательно изучал он природу. … обладал превосходной зрительной памятью. Он много работал пастелью, что очистило тон его красок…постоянное радостно-любовное настроение светится в его картинах лирической прелестью». Об этом же у И.А.Бунина, который очень любил пейзажи Дворникова, хотя стихи написаны и по другому поводу:

Нет, не пейзаж влечёт меня,
Не краски жадный взор подметит,
А то, что в этих красках светит:
Любовь и радость бытия.

Дворников очень много и плодотворно работал. В своих пейзажах он изображал природу в различное время года, о чём говорят названия его картин: «Зима», «Осенний снег», «Зимний день», «Лето», «К весне». Как и все импрессионисты, любил изображать различное время суток и состояние природы: «Сумерки», «Зимний вечер», «Оттепель», «Зимнее солнце». Писал Дворников, как уже говорилось выше, и портреты. Один из лучших—портрет скульптора Б.В. Эдуардса.

Лазурский писал, что плодовитостью Дворников превосходил всех одесских художников, однако, как и у Костанди, при жизни у него не было ни одной персональной выставки. И первая такая выставка состоялась только в 1926 г. На ней было представлено 145 произведений Дворникова. Работы художника находятся в ГТГ, в Музее АХ в Петербурге, во многих музеях Украины. В ОХМ экспонируется 34 произведения художника.

Художник был беззаветно предан искусству, которое занимало его полностью. Живопись и преподавание в ОХУ заменяло ему семью. Умер Т.Я.Дворников в 1922 г, через год после смерти К.К.Костанди и похоронили его рядом с могилой учителя.

Известный одесский художник А.П.Размарицын (1844–1917) решил посвятить себя живописи уже в зрелом возрасте. До этого он работал в одесской конторе Госбанка Российской империи. В отличие от большинства одесских художников, он не стал учиться в ОХУ, а в 1874 г. уехал в Германию, Дюссельдорф, где поступил в АХ. Затем он побывал во Франции и Италии и в 1877 г. вернулся в Одессу. Так что одесская школа живописи не оказала на него значительного влияния. Ему больше по душе были передвижники, на выставке которых в 1881 г. он дебютировал картиной «Панихида», которую приобрёл П.Третьяков. В 1884 г. состоялась его персональная выставка в Одессе. Как и многие передвижники, он, в основном, писал жанровые сцены, тщательно работая над деталями своих картин, удивляя художественных критиков своим мастерством. В 1890 г. он стал членом-учредителем ТЮРХ и в последующие годы выставлялся в ТПХВ и в ТЮРХ. Писал он, также, портреты и пейзажи. В 1910 г. Размарицин был удостоен звания академика Петербургской АХ. Умер художник в Одессе в 1917 г. Его картины имеются во многих музеях России и Украины. В ОХМ экспонируются четыре картины художника.

Талантливый одесский художник М.Я.Феферкорн (1889–1914) возможно стал бы выдающимся художником, если бы не ранняя смерть. Он родился и вырос бедной еврейской семье на Молдованке. Учился в ОХУ (1902–1909) у К.К.Костанди и был его любимым учеником. В 1910 г. поступил в Петербургскую АХ, где занимался у Н.Н.Дубовского. Он очень нуждался, жил впроголодь, но много работал, возможно, этим зарабатывая себе на жизнь и учёбу. В 1908 г. он дебютировал на ХIX выставке ТЮРХ и с тех пор регулярно там выставлялся, став его членом. Летом 1914 г. он поехал на этюды и сильно простудился. Почувствовав себя плохо, решил поехать в Одессу к родителям. Феферкорн добрался до Одессы, приехал к родителям и в ту же ночь умер, как тогда говорили, от разрыва сердца. Осталось много его картин и этюдов. Часть он привёз с собой, часть прислали из АХ, узнав о его смерти. Всего около 1000 работ. Лишь 10 его работ было показано через год на выставке ТЮРХ в 1915 г. И тогда все увидели, что молодой художник был замечательным пейзажистом…Известный художественный критик Н.Скроцкий отмечал тогда, что в работах Феферкорна ощущается «радость бытия». Сегодня судьба большинства его работ неизвестна. В ОХМ хранится четыре его этюда.

К плеяде выдающихся южнорусских художников принадлежал и художник П.Г.Волокидин (1877–1936). Он был замечательным пейзажистом, мастером портретной живописи и известным преподавателем.

Родился художник в семье крестьянина в с.Архарово Орловской губернии. В городской школе уездного Малоархангельска, куда родители отправили его учиться, в мальчике укрепился интерес к художеству, который он проявлял с детства. Там он впервые стал писать красками под руководством художника-любителя. Окончив школу и сдав экзамены при местной гимназии, молодой Волокидин получил звание народного учителя, но на этом не остановился — он решил стать художником. В 1897 г. он покидает родные места и работает учётчиком на строительстве железной дороги. Несмотря на уговоры подрядчика, сулящего ему хорошие заработки, парень отправляется в Одессу, где по слухам можно выучиться на художника. Случайная встреча с профессором ОХУ Павловским способствовала поступлению его в это училище. С 1898 г, он учится сначала у Л. Иорини, а затем у К.К.Костанди и Г.А.Ладыженского. Будучи способным учеником, Волокидин получает учреждённую там стипендию им. Р.Судковского, что позволяет ему закончить училище и по рекомендации К.Костанди в 1905 г. поступить в Петербургскую АХ. Он посещает класс рисунка художника В.Е.Савинского, а живописи учится у Я,Ф.Циоглинского. В следующем году, однако, Волокидин из-за отсутствия средств оставляет Академию и возвращается в Одессу, где начинает преподавать рисунок в средних учебных заведениях. Он пишет пейзажи, морские виды и натюрморты, особенно цветы. В 1907 г. начинает выставляться в ТЮРХ, а в 1910 г. становится его членом. В эти годы художник всё чаще обращаться к портрету — сложнейшему жанру живописи. Портрет становится одним из излюбленных жанров Волокидина. Как и большинство настоящих мастеров этого жанра, художник ищет не только портретное сходство, но пытается выразить внутренний мир и психологическое состояние модели. В 1915 г. , став уже довольно известным художником, он решает завершить своё художественное образование, что говорит о требовательности художника к своему искусству. Он едет в Петроград и учится в частной студии Савинского. Волокидин пишет своему другу Н.Скроцкому: «Художник только тогда художник. когда он учится, а учиться надо всю жизнь…Нужно, брат, строго относиться к себе». Он очень ценил Савинского как преподавателя, а тот, в свою очередь, считал Волокидина очень способным учеником. В 1916 г. Волокидин работает и в мастерской В.В.Матэ, графика и живописца. В эти годы Волокидин делает много портретных рисунков, из которых видно, что он был прекрасным рисовальщиком, способным скупыми средствами добиться большой выразительности образа. В качестве примеров можно привести его женские портреты, портрет профессора А.А.Кипена (1916). Волокидин сделал этот портрет в Петрограде, куда Кипен приезжал из Финляндии, где он тогда работал, но с которым художник подружился ещё в Одессе. А.А.Кипен — знаменитый учёный-виноградарь, один из основателей Одесского сельхозинститута, а также писатель и художник-любитель. Именно Кипен стал бессменным председателем Общества Костанди, после его организации в 1922 году. Всего Волокидин сделал несколько портретов Кипена, в т.ч. два живописных. В этом же году Волокидин вернулся в Одессу, за которой очень скучал, что видно из писем друзьям. Он пишет морские виды, пейзажи, натюрморты. Пишет много портретов, большей частью женских, портреты друзей, коллег-художников, учёных. «Пейзаж» 1918 г — один из лучших пейзажей когда-либо написанных Волокидиным. Он написан в голубых и светло-коричневых тонах с церквушкой на заднем плане и деревьями на переднем, сквозь ветви которых видно голубое небо. Пейзаж очень красив. Из портретов 1918 г. интересны: «Портрет художника И.Северина», замечательный детский портрет «Голова девочки», «Портрет курсистки», написанный в традициях передвижников: представительница молодёжи нового времени с открытым и уверенным взглядом и, вместе с тем, очень нежным, женственным лицом.

В 1919 г. Волокидин сделал графический портрет профессора В.П.Снежкова (1882–1959). Врач-педиатор был также художником-любителем, активно выставлялся. Он оставил очень интересные воспоминания: «Краткая история художественного общества имени К.К.Костанди». В 2019 году исполняется 100 лет со времени создания портрета и 60 лет со дня смерти этого интересного человека. Автор этих строк, возможно, один из немногих, кто помнит замечательного врача, т.к посещал его кабинет «Ухо, горло, нос» на Екатериненской площади в Одессе (тогда площади К.Маркса) в конце 40-х–начале 50-х гг прошлого века.

В марте 1920 года Волокидин начал преподавать в Высшем художественном училище (так теперь стало называться ОХУ) и педагогическая деятельность будет одной из основных в его жизни. В сентябре этого же года в училище пришли Фраерман и Мюллер. Теперь это уже были Государственные свободные мастерские. В дальнейшем название менялось ещё не раз. Новые преподаватели удачно дополнили старых: Костанди, Дворникова, Крайнего и др.

В 20-е годы Волокидин много работал над пейзажами, портретами, натюрмортами, экспериментировал с цветом и формой, выставлялся в ТЮРХ, Обществе независимых. В 1921 г. умирает К.К.Костанди. Это был тяжёлый удар для его друзей и учеников, для всей художественной Одессы. Уже в следующем году было создано Товарищество им. К.К.Костанди — приемник ТЮРХ. Волокидин, как и другие художники реалистического направления, вступает в это общество. С самого начала своей деятельности общество подвергается давлению со стороны властей за отсутствие произведений на темы социалистического строительства. Уже первая выставка общества, состоявшаяся в 1925 г, подвергается нападкам в печати. «Выставка ни одной стороной не задевает нашу современность», писалось в одной из одесских газет. Волокидин создаёт портреты людей творческого труда: художников, учёных, артистов, людей близких себе по духу. В 1923 г. он пишет замечательный портрет профессора В.Ф.Лазурского (о нём писалось выше). Художник подчеркнул интеллект и благородство учёного. На портрете он задумчив и сосредоточен на каких-то своих мыслях. Сохранились воспоминания Лазурского о том как Волокидин создавал этот портрет: «…Волокидин прямо накладывал краски на полотно без контура и подмалёвки. Я видел…как на полотне из пёстрой смеси красок выступает мой образ…работал он медленно и упорно… Прошёл уже месяц с тех пор, как я начал позировать, а Павел Гаврилович всё был недоволен своей работой…» В это время он создаёт и другие портреты: профессора анатомии Н.К.Лысенкова, профессора Б.Я.Каллустова, много женских портретов. Случайным в этом ряду выглядит «Портрет портового рабочего» (1923). Чувствуется, что эта тема всё-таки была для художника экзотической. В последующие годы Волокидин пишет несколько своих автопортретов. Они созданы в разные годы жизни и отражают различные состояния художника. С автопортрета 1921 г. на нас смотрит молодой, но уже известный и уверенный в себе художник, что чувствуется и в повороте головы и во взгляде. «Автопортрет с жёлтым бантом» подчёркивает артистизм его профессии. На автопортретах 1928 и 1931 гг. Волокидин изображает себя возмужавшим, несколько грубоватым, без прикрас и, вместе с тем, знающим себе цену. Но на автопортрете 1931 г. чувствуется, что этот человек пережил какие-то нелёгкие моменты своей жизни. Все, кто близко знал Волокидина, исключительно тепло отзываются о нём. Художник Ф.Г.Кричевский называл его «очень добрым, безукоризненно чистым и честным человеком, тактичным, чутким, скромным…» Профессор Лазурский писал, что у Волокидина «была тонкая артистическая душа. Он очень любил музыку».

В творчестве Волокидина значительное место занимают женские портреты, которые он писал на протяжении всей своей жизни. В них он стремился передать красоту и изящество, индивидуальность и внутренний мир своих моделей. О некоторых женских портретах уже сказано выше. В 1924 г. он создаёт замечательный «Женский портрет». Молодая женщина в театральном платье сидит в кресле в непринуждённой позе, сложив руки на коленях, что подчёркивает её естественность. Она спокойна и уверена в себе. Над этим портретом художник работал около месяца, а вот портрет негритянской певицы Арли Тиц он написал быстро, сделав лишь набросок прямо на концерте. Среди женских портретов Волокидина, выделяются многочисленные портреты жены художника. Из многих портретов жены, в т.ч и парадных, где он создаёт утончённый образ любимой женщины, наиболее удачным представляется «Портрет жены художника»1928 г. Женщина изображена в простой блузке с головой, повязанной клетчатым платком. Портрет написан с большой теплотой и чувством. Покоряет непосредственность и живость образа молодой женщины.

Выше писалось о том давлении, которому подвергалось Общество Костади со стороны властей и одесских газет. Волокидин был одним из самых известных членов этого обшества, к тому же, преподаватель художественного вуза, поэтому критика и давление относились и к нему. Ставился вопрос о несовместимости преподавания и членства в обществе и Волокидин вынужден был выйти из Общества Костанди. В 1929 г. общество приняло решение о самороспуске.

Волокидин, складывался как художник южнорусской (одесской) школы живописи, которая развивалась под влиянием западноевропейского и, прежде всего, французского искусства. Как вспоминал профессор Лазурскиий, он любил Веласкеса и Э. Мане. Ему очень нравились французские импрессионисты, Сезанн. Он восхищался Матиссом. Из русских художников ему ближе других по духу был В.Серов. Ценил Репина и Сурикова. Обо всём этом он не раз говорил своим ученикам. Влияние Сезанна и Матисса заметно уже в зрелом периоде его творчества. Краски стали более яркими и чистыми. Усилилась роль цвета в композиции картин. Это видно на примере портретов последних лет жизни художника. Он создаёт замечательный портрет патриарха литературно-художественной Одессы Дерибаса (1934–1935). Всё удалось ему в этом портрете: и поза уже немолодого человека в широком кресле с устало свисающими кистями рук и мудрый взгляд много повидавших глаз. Очень хорош последний портрет жены художника «Женщина в платке» 1935 г. Уравновешенные цветовые решения в сочетании с узором и цветами платка придают декоративность всей картине.

К началу 30-х годов страна превратилась в тоталитарное государство с регламентацией всех сторон жизни общества, в том числе и искусства. К художникам, к их произведениям предъявлялись жёсткие идеологические требования. Необходимо было писать картины на революционные темы или отражающие социалистическое строительство и его героев. Как уже говорилось выше, эта тематика мало волновала Волокидина, но он был преподавателем художественного вуза и должен был реагировать на эти требования. В 1932 г. Волокидин приступает к большой тематической картине «Встреча рабочими города Одессы Красной армии». Он успел сделать несколько этюдных портретов и эскиз к картине. Композиция картины стандартна и малоинтересна. Это отметил даже друг художника Н.И.Скроцкий: «Волокидин дал отклики на мотивы советской тематики, но здесь содержание не нашло своего убедительного воплощения в убедительной форме».

В 1934 г. столица Украины была перенесена из Харькова в Киев. Началось организационное строительство столицы Украины в ходе которого создавались ,в т.ч. и новые учебные заведения. Был создан Киевский художественный институт, куда Волокидина пригласили в качестве профессора живописи. Он уехал в Киев один. Его жена Ирина не поехала с ним. Жил он в Киеве один в неуютной холостяцкой квартире с неустроенным бытом. В 1936 г. художник сильно простудился, получил воспаление лёгких и умер. Похоронен был Волокидин в Одессе, где прошли лучшие годы его жизни, где он создал много замечательных произведений и воспитал целую плеяду известных художников. В ОХМ экспонируется 20 произведений художника.

Знаменитый одесский худоэник Е.О.Буковецкий (1866–1948) родился в Херсонской губернии. Он является одним из культурных символов Одессы поскольку объединял вокруг себя художников, писателей, учёных с конца ХIX в и в течение многих лет. Они собирались у Буковецкого в его доме на Княжеской 27. Это была «тихая аристократическая улица», как напишет потом В.Катаев, приходивший туда к И.А.Бунину. Здесь бывали многие деятели культуры Одессы, о которых уже писалось выше: почти все художники города, профессора Новороссийского университета Павловский и Лазурский, известный журналист Дерибас и др. В своём доме Буковецкий, будучи состоятельным человеком, собрал большую коллекцию картин русских и французских художников, в т.ч. художников ТЮРХ, В доме было много старинных гравюр, гобеленов, икон, произведений японского искусства, фарфора и других антикварных вещей. Дружил Буковецкий со многими, но самая тесная дружба связывала его с художником П,А.Нилусом, мастерская которого находилась в этом же доме.

Как почти все одесские художники, Буковецкий учился в ОРШ (ОХУ) у Костанди (1887–1890), затем в Петербургской АХ, но вскоре оставил академию и уехал в Париж, где некоторое время провёл в академии Жульена. В 1891 г. вернулся в Одессу, где стал выставляться в ТЮРХ, став одним из видных деятелей этого товарищества. Буковецкий выставлялся, также, в ТПХВ и одну из его картин («У богатого родственника», 1891г) купил П.Третьяков.После 1917 г. Буковецкий остался в Одессе.

В 1919 г. он открыл в своём доме студию, которая просуществовала недолго. После смерти своего учителя Костанди был одним из инициаторов создания Общества им. К.К.Костанди. В 1937-1945 гг. (в т.ч. и во время оккупации города во время второй мировой войны) преподавал в ОХУ. (Интересно, что после освобождения Одессы в 1944 г. многие молодые люди, жители города, достигшие призывного возраста, были мобилизованы и отправлены на фронт, но не выпускники ОХУ(во время оккупации — Академия им. короля Михая). Они могли пригодится, как архитекторы, для послевоенного восстановления города. Один из них И,М,Безчастнов (1924–2018), ученик Буковецкого, стал впоследствии профессором архитектуры. Он, кстати, был потомственным архитектором и прекрасным аквалеристом). Кроме Буковецкого остались в оккупации и преподавали в училище А.Н.Стилиануди, Н.А.Павлюк, М.И.Жук, Д.К.Крайнев и др. Художники в оккупации вели себя по-разному. Всем надо было как-то существовать. Некоторые вели себя с достоинством. Например, М.И.Жук отказался писать портрет короля Михая и был изгнан из академии. А вот старейший художник и преподаватель ОХУ Д.К.Крайнев пытался выслужиться перед оккупантами, участвовал в антисоветских акциях, был замечен и в других неблаговидных поступках. И это притом, что до войны был вполне лоялен к советской власти и ярым сторонником соцреализма. Конечно, о советской власти трудно сказать что-либо хорошее, но и немецкие и румынские войска пришли в Одессу не как освободители…

Буковецкий умер в 1948 г. Его картины имеются во многих музеях Украины, в ГТГ (Москва). В ОХМ около 30 его произведений: портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые сцены. Запоминаются его картины «Игра в шашки», «Фотограф-любитель», «Баштан». Его дом, представляющий для города культурную ценность, сейчас восстановлен ( вт.ч. внутреннее убранство), как музей.

В нашем музее мы видим художников многих творческих объединений и союзов. Это художники-передвижники, художники «Мира искусства», «Союза русских художников», «Бубнового валета». Последнее объединение, созданное в 10-х годах ХХ в., представлено своими вождями И.И. Машковым и П.П. Кончаловским.

(продолжение следует)